Rassegna Stampa Ird Spa

Markelian Kapedani - Balkan Bop

2011-05-11T17:55:00.001+02:00

Scopriamo insieme a Sergio Veschi , Red Records, questo piccolo capolavoro in piano trio di Markelian Kapedani. Per ascoltare l'intero cd ( solo per questa settimana ) clicca qui.

Il jazz è già arrivato là. Ma non è mai partito da là a questo livellThe Shape Of Jazz To Come intitolava Ornette Coleman all'inizio degli anni 60 uno dei suoi dischi manifesto.
Oggi si potrebbe definire la musica di Kapedani One of the Shapes Of Jazz To Come.
Brani come Caravan, Nardis, Black Nile, Punjab, Delilah, Medina, Sama Layuca, Blue Rondo A La Turk, Turkish Mambo, Bedouin etc. sono già da tempo parte della letteratura jazzistica. Alcuni famosissimi altri meno ma non per questo meno belli o meno importanti.
Già dagli anni 60 in Europa musicisti come Tete Montoliu, Pedro Iturralde, Claudio Lo Cascio, Dusko Gojkovic, Csaba Deseo e altri si sono ispirati a vari folclori dei loro paesi o del bacino del mediterraneo coniugando melos popolari di varia provenienza e il jazz ma nella sostanza erano e sono stati visti come delle cose esotiche e un po marginali.
Oggi invece con la musica di Markelian Kapedani si assite ad un processo inverso.
Ciò che era ed è ancora periferico diviene via via più centrale. Non è più il jazz che ingloba altre culture ma sono culture "altre" che inglobano il jazz per evolversi e diventare altro da quello che sono. Quello che in alcuni composizioni di Ellington, Evans, Davis, Randy Weston, Victor Young, Bobby Hutcherson, McCoy Tyner, Lennie Tristano, Dave Brubeck etc. erano delle aperture su culture limitrofe al jazz sono per Kapedani l'humus, il suo naturale background su cui si innestano le tecniche e le metodologie improvvisative del jazz. In questo c'è un precedente illustre: Dollar Brand, oggi meglio conosciuto con il nome di Abdullah Ibrahim, che all'inizio degli anni 70 fece in qualche modo una operazione analoga con il suo celebre African Piano.
E' forse non inutile ricordare che quella musica comparve proprio con l'emigrazione di una folta rappresentanza di musicisti Sud Africani in Europa e a Londra in particolare sullo sfondo di una più vasta ondata migratoria di gente in fuga verso migliori condizioni di vita e di lavoro che dall'Africa si dirigeva in Europa e in particolare proprio verso l'Inghilterra e la Francia.
Markelian Kapedani viene dall'Albania del Nord, dalla zona di Skoder (Scutari). Figlio d'arte, il padre è pianista, compositore, direttore d'orchestra e una sua composizione è inserita in questo album. Kapedani possiede un solidissimo background di studi pianistici e musicali classici e la sua musica è qui ispirata a varie musiche non solo della sua terra ma dell'area balkanica, mediorientale e mediterranea. Si va dalla Bulgaria alla Spagna del Flamenco, e quindi della musica Arabo Andalusa (parafrasando un'altra Sketch of Spain), passando per varie forme, melos, metri dell'Albania, Grecia, Turchia, Egitto. Il risultato non è folclore ma musica che riflette come pochi i tempi che viviamo. Anche Kapedani, che da anni vive in Italia e Svizzera, è un figlio dell'emigrazione massiccia che dai paesi dell'Est e del Nord Africa, e non solo, si riversa in Europa .
Di questa diaspora, Kapedani, è, a suo modo, un interprete profondo e sincero che ci porta in dono il suo mondo musicale che incrocia i Balkani con il Jazz, sullo sfondo di varie culture che non si sommano ma si mescolano e danno vita ad una sintesi musicale che nasce da varie tradizioni per osmosi naturale e non per volontaristico, anche se nobile, atto di fede o ideologia, il che è lo stesso.
Nella sua inesorabile naturalezza e contemporaneità queste musiche assurgono già di primo acchito all'universale proprio perché non aspirano ad essere ma già sono la musica delle genti, che forse vorremmo ignorare o non vedere, assieme a cui viviamo in un crogiuolo in cui timori e speranze si fondono in un comune quanto ormai inesorabile destino.

Sergio Veschi

Balkan Bop
Brano legato all’idioma del be bop con forti riferimenti di intonazioni melodiche dell’area balcanica. La melodia affidata al pianoforte si appoggia ad una matrice ritmica mutevole: dal ritmo Malfuf allo Swing e vice versa. Il basso accompagna energicamente tutta l’esposizione del tema. Il finale del brano si ispira alle *Jare (Yaareh) Shkodrane, ), ballate malinconiche della città di Scutari (Shkodër).

Blue Penthaton
Brano basato sulla ritmica composta (2 + 2 + 2 +3) detta anche “Kars” o “Karsilamas”. Questa particolare ritmica che spesso caratterizza le danze e la musica Greca e turca, costituisce l’elemento di sostegno della melodia. Tale struttura ritmica la possiamo ritrovare anche nelle danze della Macedonia e dell’Albania.
Dal punto di vista melodico, il Tema si sviluppa sul modello pentatonico. La ritmica Karsilamas viene concettualmente incastonata su di una Matrice Blues che segue una struttura binaria in 4/4. Esposta in tal modo, la melodia, ad un primo ascolto, risulta alquanto sfuggente.

Nashke
Brano che richiama le intonazioni del nord-est dell’area Mitteleuropea. La melodia si muove per mezzo di intonazioni slavo-tzigane evocando la briosa atmosfera delle feste balcaniche. Le situazioni melodiche, armoniche e ritmiche si mescolano in modo naturale con il linguaggio del jazz.

Cous Cous in Tunisia
Questo brano si ispira alla tradizione ritmica delle Antille ed in particolare all’energia della musica Afro/Cubana. La melodia segue un andamento in Clave 2/3. Il basso “viaggia” sul Tumbao. Non manca una citazione (anche se brevissima) del motivo del celeberrimo brano A Night in Tunisia.

Bop Drops
Il Brano si ispira alla tipica tradizione Jazz, lo Swing.
La melodia costituita da successioni di quarte è basata su una struttura modale pentatonica.
Tale disposizione degli elementi melodici, conferisce al brano un andamento incisivo e scattante.
I Remember My Dad
Ballad.In ricordo del Compositore albanese Gjon (John) Mark Kapidani, padre dell’autore, recentemente scomparso. Il brano attinge dalle forme di Jare* (Yahre)*, ballate malinconiche della città di Scutari (Shkodër) luogo natale dell’autore. La prima parte di solo piano (“ad libitum” - quasi una fantasia) è ricca di elementi contrappuntistici. La melodia si estende sul tessuto armonico con ampi intervalli.

One for Bud
Brano dedicato a Bud Powell, grande figura centrale e caposcuola del pianismo jazz di tutti i tempi. Il brano si ispira dalla tradizione del be bop.
Oriental Traveller
Un viaggio immaginario attraverso le terre d’oriente, dove miraggi, sogni, realtà e fantasia si confondono e … si perdono nell’orizzonte.Questo brano si basa sulla matrice ritmica di Sayyiddi*, tipica delle danze mediorientali.

Quickly
Brano composto sulla tipica struttura dell’Anatole.

Davaj
Il brano inizia con il pianoforte solo. Sin dalle prime note del pianoforte si percepiscono le intonazioni della musica popolare Russa. La melodia ricrea l’atmosfera della poesia di S.Esenin: Oh, la mia cara Russia.

Malfuf = avvolto. Ritmo binario di origine Egiziano/Yemenita.

Yare, di etimo incerto. Alb – Jare; forse dalla lingua araba – Jaareh = ferita. Probabilmente si conferiva questo termine alle canzoni di carattere malinconico che segnavano neprofondo i sentimenti (come un “indelebile ferita” al cuore).
Sayyiddi Arabo: 1). “Sayyiddi” = mio signore, 2). Meno probabile il termine “Sàeed” = fortunato. Ritmo in 4/4 di origine Mediorientale.

Anatole, di etimologia incerta, disegna una struttura formale tipica del jazz, meglio nota come rhythm changes.
Davaj, Russo – ДABAЙ = avanti.

Markelian Kapedani

Il jazz è già arrivato là. Ma non è mai partito da là a questo livello. The Shape Of Jazz To Come intitolava Ornette Coleman all'inizio degli anni 60, uno dei suoi dischi manifesto.
Oggi si potrebbe definire la musica di Kapedani One of t...he Shapes Of Jazz To Come.
Già dagli anni 60 in Europa musicisti come Tete Montoliu, Pedro Iturralde, Claudio Lo Cascio, Dusko Gojkovic, Csaba Deseo e altri si sono ispirati a vari folclori dei loro paesi o del bacino del mediterraneo coniugando melos popolari di varia provenienza e il jazz ma nella sostanza erano e sono stati visti come delle cose esotiche e un po marginali.
Oggi invece con la musica di Markelian Kapedani si assite ad un processo inverso.
Ciò che era ed è ancora periferico diviene via via più centrale. Non è più il jazz che ingloba altre culture ma sono culture "altre" che inglobano il jazz per evolversi e diventare altro da quello che sono. Quello che in alcuni composizioni di Ellington, Evans, Davis, Randy Weston, Victor Young, Bobby Hutcherson, McCoy Tyner, Lennie Tristano, Dave Brubeck etc. erano delle aperture su culture limitrofe al jazz sono per Kapedani l'humus, il suo naturale background su cui si innestano le tecniche e le metodologie improvvisative del jazz. In questo c'è un precedente illustre: Dollar Brand, oggi meglio conosciuto con il nome di Abdullah Ibrahim, che all'inizio degli anni 70 fece in qualche modo una operazione analoga con il suo celebre African Piano.
E' forse non inutile ricordare che quella musica comparve proprio con l'emigrazione di una folta rappresentanza di musicisti Sud Africani in Europa e a Londra in particolare sullo sfondo di una più vasta ondata migratoria di gente in fuga verso migliori condizioni di vita e di lavoro che dall'Africa si dirigeva in Europa e in particolare proprio verso l'Inghilterra e la Francia.
Markelian Kapedani viene dall'Albania del Nord, dalla zona di Skoder (Scutari). Figlio d'arte, il padre è pianista, compositore, direttore d'orchestra e una sua composizione è inserita in questo album. Kapedani possiede un solidissimo background di studi pianistici e musicali classici e la sua musica è qui ispirata a varie musiche non solo della sua terra ma dell'area balkanica, mediorientale e mediterranea. Si va dalla Bulgaria alla Spagna del Flamenco, e quindi della musica Arabo Andalusa passando per varie forme, melos, metri dell'Albania, Grecia, Turchia, Egitto. Il risultato non è folclore ma musica che riflette come pochi i tempi che viviamo. Anche Kapedani, che da anni vive in Italia e Svizzera, è un figlio dell'emigrazione massiccia che dai paesi dell'Est e del Nord Africa, e non solo, si riversa in Europa .
Di questa diaspora, Kapedani, è, a suo modo, un interprete profondo e sincero che ci porta in dono il suo mondo musicale che incrocia i Balkani con il Jazz, sullo sfondo di varie culture che non si sommano ma si mescolano e danno vita ad una sintesi musicale che nasce da varie tradizioni per osmosi naturale e non per volontaristico, anche se nobile, atto di fede o ideologia, il che è lo stesso.
Nella sua inesorabile naturalezza e contemporaneità queste musiche assurgono già di primo acchito all'universale proprio perché non aspirano ad essere ma già sono la musica delle genti, che forse vorremmo ignorare o non vedere, assieme a cui viviamo in un crogiuolo in cui timori e speranze si fondono in un comune quanto ormai inesorabile destino.

Sergio Veschi

Renzo Ruggeri - Kramer Project

2010-11-05T19:04:00.001+01:00

Una Big Band di 12 musicisti (11 band+direttore) + special guest suona gli ARRANGIAMENTI ORIGINALI (unico progetto a farlo) trovati in casa Kramer in una vecchia valigia....e questo grazie alla fondazione Rivarolo Mantovano che mettendomi in contatto con Teresa e Laura Gorni, le due figlie del maestro che mi dissero che nonostante Kramer, come sovente accade a molti artisti, ha impiegato l'ultima parte della sua vita a disfrarsi delle proprie creazioni avevano il ricordo di una valigia abbandonata nella casa di campagna della famigia. Per me ciò ha significato la scoperta del leggendario tesoro del Capitan Flint
La storica sigla L'ORCHESTRA DEL CUORE introduce il cd che si alterna tra le composizioni proprie degli inizi (Pippo Non Lo Sa, Prime Lacrime), le commedie musicali (Un Bacio a Mezzanotte, In un Vecchio Palco della Scala, etc.) e la TV (Domenica è sempre Domenica, Tomorrow Night, etc.). Per quanto riguarda la metodologia impiegata in questo lavoro ricordiamo che Renzo nonostante non sia stato in grado di reperire gli arrangiamenti delle partiture krameriane ha scelto di avvicinarsi alla musica del Maestro nella maniera piu' fedele possibile, anche laddove ciò ha significato recuperarle attraverso l'ascolto di incisioni d'epoca. Il fatto poi che prima dell'incisione del cd gli artisti abbiano avuto la possibilita' di eseguirne in piu' occasione i brani durante vari concerti ha consentito all'orchestra di raggiungere quell'affiatamento che rende la musica piu' autentica e sentita. Un lavoro da 5 stelle che speriamo l'attenta stampa specializzata italiana non manche di prendere in considerazione.

"Questo spettacolo è stato cucito così bene con queste sequenze che si succedono attraverso gli anni che io ho vissuto con questo grande maestro, grande amico. Sono toccato e felice di essere insieme a questa bellissima orchestra con gli arrangiamenti che Renzo Ruggieri ha curato e con dei solisti... “sorpresa”.
Funziona benissimo. FRANCO CERRI (Pineto Accordion Jazz Festival, 25 luglio 2008)

Renzo Ruggeri - Accordion - Conductor - Musical Adaption
Massimo Moriconi - Double Bass
Massimo Manzi - Drums
Mauro De Federicis - Guitar
Alessandro di Bonaventura, Gigi Grigioni Faggi, Samuele Garofoli - Trumpets
Sabatino Di Donatantonio, Francesco Di Giulio, Michele Ginestre - Trombones
Gianluca Caporale - Sax and Clarinet
Fabrizio Mandolini, Alessandro Di Rocco, Riccardo Maggitti, Piero Delle Monache - Saxs

Dave Douglas - Spirit Moves + Spark Of Being

2010-09-08T13:29:00.001+02:00

Spark Of Being

On April 24th, 2010, Dave Douglas and experimental filmmaker Bill Morrison unveiled their multimedia collaboration, Spark Of Being, at Stanford University. On film, it stands as a reinterpretation of that Frankenstein myth using new, archival, and distressed footage. The themes, penned by Douglas for his Grammy-nominated band Keystone, integrate electronics seamlessly into the improvised music, piecing sounds and movement together to make three strikingly different Creatures.

Part 1: SOUNDTRACK (out June 22nd)
Part 2: EXPAND (out August 24th)
Part 3: BURST (out September 21st)

Spirit Moves

Spirit Moves features Douglas alongside Vincent Chancey (French horn), Luis Bonilla (trombone), Marcus Rojas (tuba) and Nasheet Waits (drums) paying homage to the brass instrument with eight new original compositions and three arrangements of classics by such disparate artists as Otis Redding, Hank Williams and Rufus Wainwright. Over the past several years, Douglas has steadily honed his work with Brass Ecstasy with appearances at the 2008 Chicago Jazz Festival, which commissioned new music from the group, Willisau Festival, Reggio Calabria Jazz Festival, and The Festival of New Trumpet Music. Informed by the evolving spirit of brass music and by his multi-faceted career as the director of The Festival of New Trumpet Music, label head of Greenleaf Music, a renowned composer, artist, and record producer, Douglas pens an ambitious collection of lyrical songs with impressions of folk, pop and soul music.

Tracklist :

1. This Love Affair 3:25
2. Orujo 3:38
3. The View From Blue Mountain 4:53
4. Twilight of the Dogs 4:06
5. Bowie 6:27
6. Rava 5:36
7. Fats 3:48
8. The Brass Ring 7:56
9. Mister Pitiful 3:05
10. Great Awakening 6:00
11. I'm So Lonesome I Could Cry 4:18
12. Prayer for Baghdad (Subscriber Bonus)
13. Hope (Subscriber Bonus)

Ralph Alessi - Cognitive Dissonance

2010-09-07T18:51:00.001+02:00

Ralph Alessi was born in San Rafael, CA, the son of classical trumpeter Joe Alessi. But after taking degrees in jazz trumpet and bass—he studied under the legendary Charlie Haden at CalArts—he lit out for New York, where he swiftly became an ubiquitous presence on the downtown scene and a leading figure in jazz education.
Alessi's longest apprenticeship as a sideman was in various ensembles led by alto saxophonist and “M-Base” founder Steve Coleman, but he’s also been a frequent collaborator with the likes of Don Byron, Ravi Coltrane, Uri Caine, Fred Hersch, James Carney, Jason Moran, Drew Gress, Scott Colley, Dafnis Prieto and Brad Shepik—most of whom have also played and recorded in Alessi’s own groups.
As a bandleader in his own right, Alessi has recorded six ( is out just now Cognitive Dissonance ) albums of originals which draw on everything from post-bop to neo-classical, while deftly treading—and occasionally crossing—the line between “inside” and “outside” jazz. Ralph prefers simply to think of his tunes as “organic”: he uses whatever fits his needs, including expanded forms, complex rhythms, and a broad harmonic spectrum, to explore the confluence of composition and improvisation. Jazz Times called his writing “as clean and airy and sophisticated and disciplined as post-modern progressive jazz gets” and named the group's debut outing one of the ten best recordings of 2002, while All About Jazz dubbed its 2007 follow-up Look “an outstanding work of intellect and fire.”
Although Alessi is an adjunct faculty member at NYU, his most significant achievement as an educator may be founding and directing Brooklyn’s School for Improvisational Music (SIM), which is playing an influential role in the development of jazz’s next generation. Instructors at the school constitute an all-star lineup of prominent jazz progressives, but what really distinguishes SIM is what jazz writer Chinen describes as its “determined spirit of collectivity”: the school’s mission statement asserts that “Students (through their own experiences together) can learn a great deal for and from themselves and needn’t always wait passively for instructors to provide them with answers.”

Ralph Alessi - Trumpet
Jason Moran Piano
Andy Milne Piano(on "Sir", "Same Old Story"),
Drew Gress on Double Bass
Nasheet Waits Drums.

Francesco Cafiso - 4out

2010-08-30T16:42:00.001+02:00

A young leader who has already conquered audiences across the world focuses on the most ambitious artistic project of his career. Herplay and an excellent technique for other undisputed talent in Europe. makes this record with the contribution of the young rising star Dino Rubino on piano and one of the most exciting, strong and creative Italian jazz rhythmic section: Paolino Dalla Porta ( double bass), has a story that really says a lot about his ability to bring inspiration and creativity. Again his personality gave harmony and elegance together with Stefano Bagnoli, ( the "Brushman" as people now call him), a drummer with an inte
This record represents a change of gear, a further step forward in artistic value Cafiso. His technical skills are admirably placed at the service of a great musical and compositional maturity as perhaps had never heard before and make it really now a lighthouse and a national pride of the jazz world. Cafiso Quartet 4out is giving us an expressive intensity that few in the world can communicate.

Joyce - Slow Music

2010-08-03T00:47:00.001+02:00

Jobim, João Gilberto, Joyce – Brazil has given us so many brilliant composers, instrumentalists and vocalists. It is with great pride that Stunt Records releases this new recording by the revered Brazilian singer Joyce Moreno (previously known as Joyce), recorded in Rio last year with her own trio.
Joyce Moreno is a Brazilian vocalist and songwriter as well as guitarist and arranger. She was born in Rio de Janeiro in 1948, and since her debut in the late ‘60s she has been considered one of Brazil’s great singers. Joyce has made over 20 records. Apart from her impressive solo output, she has also performed
with artists like Elis Regina, Toninho Horta, Jose de Moraes and Yoko Kanno and appeared on soundtracks and composed for film and theater.
Joyce was introduced to music by her guitar-playing older brother, and by listening to Ella Fitzgerald, Miles Davis, Billie Holiday, and the whole Brazilian music tradition. In her formative years the new bossa nova wave impressed the young journalist student. Fortunately, she chose the music.
SLOW MUSIC is a very special and subdued recording. It does not exclusively feature original songs, but also includes more or less well-known but extremely
appropriate Brazilian songs and a few jazz standards. The music presents itself with a sophisticated subtle sensuality that nestles up to the listener. This is the calm and presence of a vocalist who has lived a long and persistent life with her music. She knows her instrument and her skills from every angle.
Joyce calls SLOW MUSIC her dream project. The dream began more than ten years ago, but only now has it come to pass. Joyce dedicates the album to Shirley Horn, Bill Evans and João Gilberto, which gives an idea of the mood. The record is based on silence and pauses, and has to do with how they may be used. Joyce says that the pause “is an important moment in music. Without silence sound does not exist. Without light and shadow, the colors would have no nuances. Refinement begets refinement”. She also explains how she read the Italian Carlo Petrini’s Slow Food Manifesto from 2000 in which is written, “…we have become slaves to speed, and everyone is infested with the same virus: A fast life, which ruins our habits, invades our privacy and forces us to eat fast food”. She was enchanted by the concept and began to reflect on the similarities between music and food. “For years the world has exposed our ears to junk music. Music is food for the soul. It is the best conveyor of emotions we know.”
This said, we may continue to point two: The songs and Joyce. The intention was to create a long reflection on love. She did not want only to sing songs about the desperate kind of love that makes people cut their wrists. To the contrary,
she wanted songs that give life to the doubts, the irony and the questions.
Thus the choices were made mainly on a basis of the beauty of the songs, but also with due respect for the lightness and reflection with which they deal with the oldest emotion on earth. And sung with great calm. To make this possible
some time had to pass. One cannot sing this kind of song when young, Joyce explains. One needs a certain critical distance, the possibility of a tender recollection with a touch of wisdom. The voice had to age, lose its youthful brilliance and “acquire a shell of patina. A little gravel in the throat, and a firm grip on the lyrics”. And the right collaborators were necessary. Through all the years of dreaming about this project, Joyce put it different settings from minimalistic to bombastic. Finally she reached the present format.
Drummer Tutty Moreno was part of it from the first minute, and he accompanied
Joyce on every byroad chasing this dream. The album is also his. No one else could have played with such precision, sensitivity and fragility. For him, the drums are a harmony instrument. Hélio Alves was an obvious choice. A rare case of a Brazilian pianist and a jazz musician meeting in the same person with expert abilities in both languages. A brilliant soloist. Jorge Helder on bass added the solidity that was necessary for “us to fly together”.
“Foi tudo lindo. Tudo slow. It was all beautiful. All was slow.”

Musicians :

Joyce Moreno (voc, g)
Hélio Alves (p)
Jorge Helder (b)
Tutty Moreno (d)

Tracks :

Slow Music
Amor, Amor
Medo de Amar
Esta tarde vi Ilover
Convince Me (Love is Inconvenient )
Nova Ilusão
Samba do Grande Amor
O Amor é Chama
But Beautiful
Olhos Negros
Sobras da Partilha
Valsa do Pequeno Amor
Essa Mulher

Mother's Hope - Never Ending Highway

2010-07-01T16:08:00.002+02:00

I don't remember if it was at the end of the '90 or at the beginning of the new Millenium, but in a midsummer day the postman delivered an envelope from Sweden, containing one of the many demos that got to my messy desk. Since I was late, as ususal, in listening to the demos, I didn't listen to it very quickly and I put the small package together with others waiting to have some spare time. Frankly I sometimes looked at it with curiosity knowing, by previous experience with groups in the 70's, that in Scandinavia technical skills and creativity of rock groups are not inferior to those of English and American groups.
Finally I took two hours and listened to the demo which got to me together with a message full of compliments for Akarma, my label, which, at that time, was very popular all over the world offering and giving justice to those who in the 60's and 70's didn't have the chance to be heard on a large scale. The name of the band was Mouth of Clay and what they offered was a very hard rock with psychedelic tunes. I immediately complimented with them and the demo became my favourite during that summer: it always was on my cd player in my car.
So I started to talk to Hawkan, the guitarist of the band changing with him our opinions about the demos, that during the years they kept on dending me, with my deep appreciation. Later on the band changed members, name and, after a short period of silence they confirmed themselves under the name of Josh Appletree.
I think I have a total of 10 demos, and in some of them the tracks are just drafts with Hawkan playing acoustic. This band makes me shout, using the term that I often mention to define the best things I've listened to. One day mentioned them to a friend of mime who works as a music critic and he asked me with curiosity how many production they had. I answered "none" telling him that, up to that date I was the only fan, at least in our country, since in Sweden they were already used perform many concerts and consequently they're definitely popular.
We get to June 2009, and punctual as usual I received another of the numerous demos which is the one that, I hope, many of you are listening to. At the very first listening I realized that this time it couldn't simply remain music for my car but it must be published. According to me it is a masterpiece of ideas, sounds that make you thrill and, above all it's not the usual hackneyed rock, but it's a genial reading of the hard rock produced in the 70's and 80's.
The guys are great, they're all very well prepared and excellent executors, and we realize that by listening to the three covers that I strongly wnanted.
We're talking about fantastic sounds where Deep Purple, Zeppelin in some cases seem to appear, driving the guy's mind and heart deepened as if they were in trans performing these amazing 14 tracks.
The incredible thing is that the length of the cd, over 60 minutes, never sounds too long, on the contrary, the time run so fast that if makes you want to listen to it again.
Abviously, being the executive producer of the work, I' cant't do anything but talk enthusiastically about it, but those who know me throught the Akarma label, know that I've always proposed high level music never falling in commercial.
I was forgetting : the guys and I have decided to change the name from John Appletree to Mother's Hope, which will surely be of good omen.
Now put our cd player, pump up the volume and : Long Live Rock & Roll
giorgio Mangora

Livingston Talylor - Last Alaska Moon

2010-06-29T08:17:00.001+02:00

“When you go to see Livingston Taylor perform on stage, he transforms love, joy and spirituality into something so tangible, that you can carry it home with you when the concert is over.”

- Jean Mudge, fan

Livingston Taylor picked up his first guitar at the age of thirteen. Who knew that this would signal the beginning of a career that has spanned over forty years and that has encompassed performance, songwritingcand teaching. Born in Boston in 1950, Livingston grew up in Chapel Hill, North Carolina—the fourth child in a very musical family that includes Alex, James, Kate and Hugh. At sixteen, Livingston moved back to Boston where he finished high school and began performing in the Boston coffeehouse circuit. At eighteen, he met legendary producer Jon Landau, who later produced Livingston’s first recording for Atlantic Records when he was nineteen. That first record initiated a creative output that has filled multiple recordings since. Livingston has written most of his music repertoire, including Top Forty hits “I Will be in Love with You” and “I’ll Come Running” —and, recorded by his brother James, “I Can Dream of You,” “Going Round One More Time” and “Boatman” (all on the double Grammy-winning album Hourglass).

Since those early coffeehouse days, Livingston has never stopped performing, touring with major artists such as Linda Ronstadt; Jimmy Buffett; Fleetwood Mac; Emerson, Lake and Palmer; and Jethro Tull. He also maintains a busy concert schedule on his own, performing an average of 80 shows a year that mostly include his own music, with an occasional cover of folk, rock, a classic Gershwin or something from the best of Broadway. The depth of Livingston’s musical knowledge is belied by his relaxed and comedic onstage presence. Livingston describes himself as a pop singer and tours solo, playing his guitar and the piano. Livingston is a full professor at Berklee College of Music, where he has taught a Stage Performance course since 1989. He teaches young artists invaluable lessons learned over the course of an extensive career on the road. The course is one of the most popular at the College, spawning a sequel, Stage Performance II, this year.

Now Livingston is out with his latest album, Last Alaska Moon, which was recorded in Nashville. It features key members of the Alison Krauss band Union Station, as well as pop/country players Steve Gadd, Vince Gill, and Leland Sklar. For Taylor, the album takes a partial departure from the more contemplative ballads in the Taylor tradition. It bears the bluesy, devil-may-care attitude of Nashville and shows just how versatile Taylor can be. Last Alaska Moon is being released by Coconut Bay, a division of Chesky Records.

Tracklist :

Last Alaska Moon
Everybody's Just Like Me
Henry
I'm Letting the Whiskey Do My Talking
The Girl Is Mine
Kitty HawkNever Lose Hope
Christmas Is Almost Here
Answer My Prayer
I'm In a Pickle
Walk Until It's Heaven
Call Me Carolina

Abraham Inc ( David Krakauer - Fred Wesley - Socalled )

2010-06-04T00:10:00.000+02:00

An unprecedented collaboration between three cultural visionaries: DAVID KRAKAUER, champion of klezmer music and world-class clarinetist; legendary funk trombonist and arranger FRED WESLEY, celebrated for his work with James Brown and George Clinton; and hip-hop renegade and beat architect SOCALLED - Abraham Inc. heralds a time when boundaries are eroding, mutual respect is presumed, and musical traditions can hit with full force without concession or appropriation. Backed by a three-piece horn section led by Wesley plus musicians who collaborate frequently with Krakauer and Socalled - and the result is an all-out klezmer-funk dance party!

On the anniversary of James Brown’s birthday, it seemed fitting that one of JB’s most valued sidemen from the late ’60s, his former musical director and trombonist Fred Wesley (pictured), would be doin’ it to death at the legendary Apollo Theater. But on “Hava Nagila”? Oy!

This endlessly surprising yet highly successful hybrid of klezmer, funk and hip-hop had the enthusiastic crowd—young and old, Jews and gentiles, whites and blacks—dancing ecstatically in the aisles like it was a Jewish wedding. Wesley brought the funk while virtuoso clarinetist David Krakauer delivered the passionate intensity and deep Jewish soul that ties him to the lineage of klezmer clarinet kings like Naftule Brandwein and Dave Tarras. Montreal-based multi-instrumentalist and visionary beat architect Josh Dolgin, aka Socalled, provided a bridge between the klezmer and hip-hop worlds with his audacious Hebraic rapping while the Bronx-bred emcee C-Rayz Walz brought street cred to this unlikeliest of collaborations with his remarkable freestyling facility and stark urban imagery.

Krakauer, who since the mid ’90s has led renegade Klezmer Madness!, another experimental hybrid band that cleverly blends Eastern European Jewish music with avant-garde improvisation and surf-rock guitar styles, describes the adventurous Abraham, Inc. project as “a band where Jews make ‘phat beats’ and play funky lines while African-Americans play music from Yidl’ Mitn’ Fidl’ and sing Hebraic chants, interacting with the highest level of mutual respect and understanding for each other’s musicality, humanity, intelligence and rich cultural background.”

They did precisely that on the spirited opener, “Baleboosteh” (a Yiddish term meaning “the woman of the house”), which seamlessly blended funk rhythms, Eastern lines and Socalled’s call-and-response rap with C-Rayz. Their slamming, syncopated recreation of “Hava Nagila” was dubbed “The H Tune” while Wesley resurrected one of his classic James Brown funk horn arrangements on “Push,” in which trumpeter Curtis Taylor slipped in a quote from P-Funk’s “Flashlight” during his solo.

C-Rayz strolled the front of the stage on a funky rendition of Socalled’s buoyant klezmer number “Oyfn Hoif” and was later showcased on a powerfully moving rap about life in the ’hood, accompanied only by Socalled on upright piano playing Richard Rodgers’ stirring “Slaughter on Tenth Avenue.” Krakauer, the homerun hitter of this crew, unleashed his jaw-dropping chops on the hypnotic “Table Pounding,” named for a Hassidic ritual involving much wine and the slamming of fists. At the peak of his soaring solo, Krakauer’s whole body quaked with visceral intensity, as if he were trying to leap into the air. And he wailed with unrestrained passion on the hauntingly beautiful “Ms NC” (named for his wife) and the rousing klezmer throwdown “Moskowitz and Loops of It,” which had Socalled switching to accordion. Wesley hit on a familiar theme with his downhome storytelling about his Southern family reunion on “Breakin’ Bread” while Socalled got the audience involved in his politically tinged rap “The Good Old Days.” And for a rousing finale, Wesley led the crowd on the chorus of his funky, JB-inspired “House Party.”

The stars of this show—Wesley, Krakauer, Socalled and C-Rayz—were ably supported by a stellar band featuring Jerome Harris on electric bass, Sheryl Bailey and Allen Watsky on guitars, Brandon Wright on tenor sax and Michael Sarin on drums. Following this world premiere of Abraham, Inc., they’re taking this funky show on the road. Watch for an upcoming recording and live DVD recorded at this Apollo gig.

JAZZ TIMES

Bob Mintzer - Dado Moroni - Riccardo Fioravanti - Joe La Barbera play La Vita E' Bella

2010-05-11T20:15:00.001+02:00

t was by bringing together four outstanding international jazz masters, for a tribute to the purest jazz music in a true and simple way, that this project came to life. This album has been recorded “live” in a historical jazz club located in the town of Busto Arsizio ( Italy) and it’s imbued with those very genuine but volatile flavours such as : immediacy, complicity and the spontaneous feedback coming from the audience. These four talented musicians took on this nice challenge and the result is evident. Four musicians who are now a worldwide reference: saxophonist Bob Mintzer is one of the most studied for his modernity of language and arrangement. Dado Moroni is perhaps the most famous Italian jazzman and appreciated worldwide. Joe La Barbera is not only known for his intense collaboration with Bill Evans, but also because few people today are equipped with expressiveness and ability to enter the music like him. Riccardo Fioravanti is now one of the most solid rhythmic international reality and his collaborations and his records speak for themselves.
Original compositions( with the exception of two songs), a modern language together with a great respect for tradition are the ingredients savantly blended together as an example of a precise common intent.
The sound is enriched by this live recording that conveys its freshness, along with those surrounding “noises” leading to the overwelming climax bringing to memory some of those historical jazz sessions of the glorious past. The song titled "Life is Beautiful", soundtrack of the famous film by Roberto Benigni, as well as being the title track sums up the flavor of the cd.

Anders Osborne - American Patchwork

2010-05-04T14:51:00.002+02:00

I’m in the promised land,” says proud American immigrant and Grammy-winning singer/songwriter/guitarist Anders Osborne. The Swedish-born, longtime New Orleans resident is among the most original and visionary musicians performing today. In a city overflowing with stellar artists, bands and performers, Osborne is one of the Big Easy’s favorite musical heroes. His Alligator Records debut, American Patchwork, is a moving collection of soul-baring rock, blues and ballads. Many of the songs on American Patchwork deal with healing and redemption, spirituality and acceptance. It is about rebuilding what has been destroyed, not only a ravaged city, but also a hollow man. Often compared to Townes Van Zandt, Bruce Springsteen and Van Morrison, Osborne is an exceptional and singular talent. Paste Magazine says, “Osborne has an impossibly great, soulful voice and the songs to match.” Living Blues adds, “Osborne is a songwriter of enormous depth and an incredibly passionate musician.”

Osborne and friend Stanton Moore (Galactic) produced American Patchwork, with co-production by Pepper Keenan (of Down and Corrosion Of Conformity). Osborne wrote all ten songs, all imbued with serious lyrical depth, unforgettable melodies and performed with soul muscle. The guitar work is simply spectacular. His vocals soar with natural, emotional power. With musical assistance from Moore on drums, Keenan on percussion and guitar, and Robert Walter on keyboards, American Patchwork is nothing short of a career-defining release for Osborne, and a bright new chapter in his remarkable journey. As far as Osborne is concerned, American Patchwork is a triumphant achievement. “Every note has a purpose, a serious focus. As I was writing it and recording it, everything fell right into place.”

Live, Osborne is a force to behold. His wildly energetic, physical live performances find him ripping notes out of his guitar, forcing out riveting steel-on-steel slide solos, pouring his entire soul into his vocals. His ability to ignite an audience is legendary. Past gigs include repeated appearances at The New Orleans Jazz & Heritage Festival, stops at Bonnaroo, The High Sierra Festival, The Telluride Blues Festival, The Hollowbaloo Music & Arts Festival in Honolulu, The Voice Of The Wetlands and even an appearance at the 2008 Democratic National Convention. He has toured North America and Europe extensively, and has performed with The Meters, Randy Newman, Buddy Guy, Taj Mahal and Little Feat among many others.

As a songwriter and singer, Osborne stands tall. Since his recording debut in 1989, he has written virtually all of his own material and contributed memorable songs to a wide variety of artists. Two tunes co-written by Osborne appear on blues great Keb Mo’s Grammy-winning 1999 release, Slow Down. Country superstar Tim McGraw scored a #1 hit with Anders’ song Watch The Wind Blow By. Osborne’s compositions have been covered by artists as diverse as Brad Paisley, Tab Benoit, Jonny Lang and Kim Carnes. His song What’s Going On Here appeared in the 1996 feature film Fled, and Osborne, along with Ivan Neville, wrote and recorded the title track for the 2010 Kate Hudson film Earthbound.

But it is not just his live performances and songwriting that make Osborne such a success. He is also revered for his jaw-dropping guitar playing. His piercing slide-work and fluid finger picking (oftentimes happening simultaneously) are simply unmatched. His use of Open D tuning (a rare choice for a guitar virtuoso) gives his fretwork a signature sound and feel. “I first heard Open D on Joni Mitchell’s Blue,” he says, “and my fingers just fit the tuning.” His influences range from Ry Cooder and Robert Johnson to the great horn players like Miles Davis and John Coltrane. Always an in-demand guitarist, Osborne has appeared on a host of recordings by Keb Mo, Tab Benoit, Mike Zito and others. Most recently, Anders lent his guitar talents to Dark Water, Galactic’s first single from their new Ya-Ka-May CD.

Osborne was born in Uddevalla, Sweden in 1966. His father was a professional touring jazz drummer who played all over Europe and was exposed to a lot of popular American styles of music. He brought home reel-to-reel recordings of jazz, R&B and early rock ‘n’ roll from artists as diverse as Little Richard, Fats Domino, Bill Haley, Art Pepper and Miles Davis. As a teen, Anders started playing guitar and listening to Bob Dylan, Neil Young, Jackson Browne, and Joni Mitchell records. He fell in love with the vocal styles of Ray Charles, Van Morrison and Lowell George. Then he heard the blues of Robert Johnson and recordings of African drumming, and suddenly, everything clicked. “Blues connected everything together for me,” Osborne recalls. “The early rock, the R&B, the jazz, the singer-songwriters. Blues was like a thread running through everything.”

With a serious case of wanderlust, Anders began traveling on his own at 16. For the next four years he hitchhiked across Europe, North Africa, Southeast Asia and the Middle East, earning money by doing odd jobs and performing on the street or in bars at every opportunity. He worked assembly lines in Israel and dug ditches in Greece. He picked fruits and vegetables in many locales, following the harvest seasons across Europe. He wrote constantly, soaking up the life experience and honing his craft.

In 1985 he landed in New Orleans, a place his grandfather, a sailor, had often told him vivid stories about. When he arrived, he instantly felt right at home. “My grandfather had a lot to do with me settling here,” recalls Osborne. “He would send me postcards and photographs of him in New Orleans. I just felt connected to his memories. Once I got here, everything I heard in my head—the music, the way people treated each other—was happening. I knew I was home.” He effortlessly incorporated the sounds of the Crescent City into his own music, and the city quickly became a large part of his soul.

Anders spent his first few years in New Orleans writing and developing his sound and style, all the while continuing to soak up the music of the city. He cut his first two albums for the independent New Orleans-based Rabadash Records in 1989 and 1993. The excitement surrounding those releases led to a major label deal with Sony’s Okeh imprint in 1995. Since then, Osborne has released a series of successful albums for Shanachie and MC Records, all to wide critical and popular acclaim.

With the release of American Patchwork, Osborne will hit the road hard. In April 2010, he will play three times at the New Orleans Jazz & Heritage Festival (and make many more area appearances during the festival period). He will then start a six-week tour of the U.S. on a double bill with The Stanton Moore Trio, followed by further touring with his own band.

Blues Revue describes Osborne’s music as “an articulate and spellbinding tapestry of sorrow and joy.” New Orleans’ Times-Picayune says Osborne’s music is “genuine, focused and uplifting...guitar fireworks and a well-traveled voice.” The Newark Star-Ledger simply says, “This guy is in his own universe. Comparisons are meaningless.” Now, with a new label, a new recording, and a new appreciation of life itself, Anders Osborne is ready to fulfill his huge potential. As a youth he traveled the globe before settling in New Orleans. Now, he’ll travel from New Orleans, bringing his powerful original songs and soulful, blues-inspired, rock-fueled music to destinations all over the world.

anders osborne vocals, electric and acoustic guitars, piano, percussion
robert walter hammond b3, piano, moog, clavinet, keyboard bass
pepper keenan guitars, background vocals, percussion
stanton moore drums

DISCOGRAPHY

2010 American Patchwork (Alligator Records)
2007 Coming Down (MC Records)
2006 Tipitina’s Live 2006 (Shanachie)
2002 Bury the Hatchet with Big Chief Monk Boudreaux (Shanachie)
2001 Ash Wednesday Blues (Shanachie)
1999 Living Room (Shanachie)
1998 Live at Tipitina’s (Shanachie)
1995 Which Way to Here (Okeh)
1993 Break The Chain (Rabadash)
1989 Doin’ Fine (Rabadash)

Ian Hunter dal vivo a Milano il 5 Maggio

2010-04-27T18:13:00.002+02:00

Attenzione :

Ian Hunter live a Milano il 5 maggio all'Alcatraz !!!!!!

Legendary Mott the Hoople front man and renowned solo artist, Ian Hunter, is out with his new work Man Overboard

With Mott the Hoople, Ian Hunter quickly established himself as an incredibly inventive songwriter with his gritty and thought provoking songs which paved the way for the original wave of punk rock. The 1972 David Bowie produced breakthrough album All The Young Dudes catapulted the band into the British Top 10 and the American Top 40. Additionally, the band was the first act to ever sell out a week of Broadway concerts in New York City. Ian Hunter’s autobiography, Diary Of A Rock and Roll Star, written during the band’s 1972 US Tour and published in 1974, was also acclaimed by Q Magazine as “the greatest music book ever written.”

As a solo artist, Mr. Hunter has been responsible for instantly recognizable classics as “Once Bitten, Twice Shy,” “Cleveland Rocks” (which went on to be the theme song for ABC’s hit series The Drew Carey Show), and many, many more. Both Ian Hunter and Mott the Hoople have been cited as major inspirations for numerous artists including The Clash, Kiss, R.E.M., Oasis, Jeff Tweedy of Wilco, Motley Crue, Blur and Primal Scream among others. Hunter’s influence on modern rock and roll music has been immeasurable, with over 150 different cover versions of his songs.

Man Overboard is Ian Hunter’s 13th solo album since his eponymous debut in 1975. Recorded in late 2008 in Pawling, NY, the 11-song set is a stunning follow up to the overwhelmingly critically acclaimed Shrunken Heads album. Man Overboard was produced by Andy York (veteran guitarist for John Mellencamp) and Ian Hunter and features a backing band of superstar talent comprised of Steve Holley on drums and percussion (Wings, Joe Cocker), Paul Page on bass (Dion), Jack Petruzzelli on electric guitar (Rufus Wainwright, Joan Osbourne), James Mastro on electric guitar (Patti Smith, John Cale), Andy Burton on piano and organ (The Db’s) and Producer Andy York on guitar and backing vocals. Many of the band members are returning from the Shrunken Heads sessions. Regarding Man Overboard, Ian Hunter stated, “When we did Shrunken Heads, I felt like we had a good thing going so I wanted to revisit the experience before anything changed, and that’s what we did.”

Ian Hunter has worked with many musical legends such as the members of Queen, David Bowie, Mick Jones of The Clash, Bruce Springsteen’s E Street Band, Mick Ronson and Ringo Starr’s All Star Band.

I luf - Flel

2010-03-31T12:32:00.000+02:00

Dopo lunga attesa per i fan e tanto lavoro per il gruppo, I Luf tornano in scena con Flel, il nuovo disco dell’ormai affermata band lombarda capitanata da Dario Canossi.
Quattordici canzoni che, sia per le musiche che per i testi, possono essere considerate le migliori degli ultimi dieci anni per i Lupi: colpiscono al cuore e alle gambe sia sotto al palco che dentro le cuffie, capaci di far venire i brividi (provare per credere!) agli affezionati fan come ai nuovi del mondo Luf.
Flel è il risultato di un percorso lungo dieci anni in cui l’allegria e la voglia di divertire/divertirsi dei Lupi, ha trovato il giusto equilibrio con una maturità degli arrangiamenti e una cura dell’aspetto cantautorale che fa del disco il migliore creato dal gruppo.
Ancora una volta l’impegno sociale e il puro divertimento si mescolano per ottenere canzoni dallo spirito folk-rock che non mancano di far riflettere e di scatenare balli e cori allo stesso tempo.
In Flel il dialetto continua a essere protagonista, con un Dario Canossi interprete che ancora una volta sa trasmettere lo spirito delle tradizioni della sua terra e del mondo contadino in una chiave attualissima. “Un tempo dalle mie parti - racconta Dario Canossi - il grano si batteva con il flel, attrezzo agricolo che permetteva di recuperare fino all'ultimo prezioso chicco. L'aia veniva preparata, quasi fosse un palcoscenico, su cui tutti avevano il compito di picchiare le spighe perfettamente a tempo con gli altri. Un “flel" dopo l'altro colpiva il frumento creando una partitura unica che, amplificata dai solai, rimbalzava nei cortili diventando la colonna sonora dei nostri giochi di bambini. Sono ormai 10 anni che con I Luf cerchiamo di "battere" a tempo, il grano è sempre poco ma la speranza è che questo nuovo disco possa trasmettere la stessa passione che abbiamo noi nel continuare a “picchiare” il tempo e a sentirlo battere sopra e sotto il palco”.
In Flel i suoni di chitarre, fisarmonica, violino, faluti, banjo e cornamuse si fondono con quelli degli strumenti più moderni come basso, batteria, percussioni, regalando all’ascoltatore una musica ricca di ritmi e sfumature sempre nuovi che fanno correre la memoria a quelle aie contadine così lontane da noi, con uno spirito bambinesco e divertente, unico nel suo genere.

Gli Ospiti

Due ospiti “illustri” impreziosiscono il nuovo lavoro dei Lupi: la voce di Davide Van de Sfroos, che canta nel brano che dà il titolo al disco e nella divertente “Tira la barba al fra’”, e la maestria di Lorenzo Cazzaniga, tra i migliori tecnici del suono a livello internazionale, fonico dei vincitori dell’ultimo Festival di Sanremo e di Enrico Ruggeri. E’ suo infatti il mix di tutto il disco.

Le Canzoni

Il disco si apre con la forza e la ‘prepotenza’ di percussioni e cornamuse dell’intro di Africa, in cui violino, cori e la voce calda e comunicativa di Dario Canossi fanno subito capire all’ascoltatore lo spirito di Flel.
Il bicchiere si riempe di vino e la voce in dialetto di uno dei protagonisti del racconto raccolto da Canossi sulla vita contadina, introducono il pezzo che da il nome al disco: Flel, canzone contadina in cui i ritmi del folk-rock tipico de I Luf riproducono il battere del flel, l’attrezzo usato dai contadini che serviva, appunto, a battare il grano e recuperarne sino all’ultimo chicco. E’ qui che la voce di Davide Van de Sfroos entra in scena, fondendosi con quella di Canossi, i cori e gli strumenti che uno ad uno diventano protagonisti fino a unirsi.
Dal nido, una ballata dai toni caldi e dolci dedicata a Fabrizio De André, fa prendere fiato all’ascoltatore, per prepararlo a ricominciare a battere le mani e far saltare i piedi con Tira la barba al fra’, dove gli strumenti fanno da ricca cornice alle voci di Dario Canossi e di Davide Van de Sfroos, in una insolita interpretazione in italiano, che rincorrendosi in questa sorta di filastrocca contadina, invitano a divertirsi quanto loro.
Si continua senza respiro con l’intro di banjo e batteria de La neve, dove fisarmonica, violino e cori diventano ancora una volta trascinatori dell’intero brano, per poi lasciare spazio alla dolcezza dei suoni della chitarra arpeggiata e del mandolino in Stella Clandestina.
Con Fürtüna il dialetto camuno caro a I Luf e i ritmi del folk-rock tornano protagonisti, mentre in Angelo gli echi del country d’oltre oceano sorprendono l’ascoltatore. Ultima novità del disco è Littel Monchi, che dopo un divertente intro di flauto, chitarra e banjo, esplode lasciando spazio a un ritornello irresistibile e spiritoso tutto da cantare.
Il disco comprende anche canzoni già suonate dai Lupi in altri cd, che si presentano in Flel con un nuovo arrangiamento e nuove idee musicali: Regina delle sei, Luna di rame e d’ottone (che contiene una sorpresa “arabeggiante”, per chi già conosceva la prima versione del 45 giri), Basta, Il treno delle sei e Vorrei, dedicata a Felicia, mamma di Peppino Impastato, che chiude il disco.

I Luf sono :

Dario Canossi: chitarra e voce

Sergio “Jeio” Pontoriero: banjo, basso, djambè, darbuka, cembalo, shaker, triangolo, batteria e voce

Fabio Biale: violino, mandolino e voce

Sammy Radaelli: batteria

Matteo Luraghi: basso e voce

Stefano Civetta: fisarmonica e voce

Pier Zuin: highland bagpipe, gralla dulce in sol, flauto traverso irlandese in re, tin whistle in re e bodhran

Cesare Comito: chitarra acustica e voce

Chi sono I Luf ?

I Luf nascono da un'idea di Dario Canossi, nato sulle montagne della Val Camonica, in provincia di Brescia, terra che ispira quasi tutte le sue canzoni. Canzoni che parlano di vita comune e "camuna", personaggi e storie vere, nel senso più poetico del termine. Piccole perle di dialetto, amore per la cultura, tradizione popolare e impegno sociale, tutti elementi che sono alla base della filosofia dei Luf. Da quelle parti "luf" vuol dire lupi e i Luf infatti sono un branco di musicisti che arrivano da esperienze diverse e che insieme riescono a creare un impatto sonoro forte, con una grande impronta folk-rock. Le loro canzoni colpiscono il cuore e le gambe, scatenando un'irresistibile voglia di muoversi. I Luf muovono quindi, sostanzialmente da dove Van De Sfroos si è fermato con "Breva e Tivan", disco al quale ha collaborato lo stesso Canossi e si collocano sul versante che, dai Modena City Ramblers in poi e su derivazione del calco internazionale dei Pogues, ha mischiato temi e musiche tradizionali rielaborate con ritmiche e meccaniche rock. Ne esce un impasto divertente e vitale che trascina e coinvolge.
Il gruppo prende forma all'alba del 2000: due anni di duro lavoro e finalmente arriva il primo disco: "Ocio ai Luf" che ottiene un buon successo sia popolare che di critica, bissato dall'ottima accoglienza ai concerti dal vivo l'ambito dove i Luf si esibiscono al meglio. Il camuno Dario Canossi, voce e leader de "I Luf",abbandonata l'avventura De Sfroos, esperienza a cui aveva contribuito fortemente, decide di intraprendere la via del folk, con un repertorio di composizioni originali . Ecco quindi "I Luf", musica vivace e dalla grande comunicativa, la vitalità del rock si incontra con la profondità e i ritmi della tradizione. Se le musiche de "I Luf" creano un'atmosfera gioiosa, i testi delle canzoni, taluni in dialetto della Val Camonica, sono ricchi di riferimenti all'attualità. Sempre maggiore è in questi ultimi tempi il seguito di pubblico de i Luf: lo testimoniano le decine di concerti spesso a sostegno di associazioni di volontariato e solidarietà internazionali. La musica dei LUF è intrisa di folk e bagnata di rock, è allegria e ballo, colpisce contemporaneamente al cuore e alle gambe senza comunque cadere nella banalità dei testi che, nella tradizione di Dario Canossi, sono pieni di riferimenti all'attualità e all'impegno sociale. Ogni concerto una festa di allegria e impegno nella migliore tradizione della musica d’autore italiana.

Collettivo Musicale Di Buone Speranze

Si presentano così, a sottolineare l'essere formazione aperta al contributo di tanti musicisti riuniti dal piacere di suonare per divertire e divertirsi.

"Avevamo una manciata di canzoni in cui avevamo sputato anima e cuore ed un gruppo di amici che volevano suonarle. Purtroppo alcuni di loro non avevano la possibilità di seguire progetto in modo continuativo, ma non volevano assolutamente lasciare il branco".

"Abbiamo allargato l'organico aprendolo a tutti quelli che hanno deciso di divertirsi con noi, chi vuole impara i brani e quando c'è da suonare, chi c'è suona".

Molti membri del collettivo sono musicisti che hanno lavorato con Davide Van De Sfroos (Ranieri Fumagalli, Angapiemage Galliano Persico, Sergio Pontoriero, Franco Penatti ). La line-up completa della banda si presentava così alla partenza dell'avventura: Dario Canossi (chitarra, voce testi e musiche), Sergio "Jeio" Pontoriero (basso, voce), Ranieri "Ragno" Fumagalli (fiati, cornamuse), Cesare Comito (chitarre), Lorenzo "Puffo" Marra (Fisarmonica , voce), Angapiemage "Anga" Persico (violino), Fabio Biale (Violino sostituirà definitivamente Anga dal 2004), Pier Zuin (cornamuse), Franco Penatti (batteria). Negli anni alcune piccole modifiche all’organico Sammy Radaelli dal novembre 2006 è subentrato alla batteria a Franco Penatti e dal gennaio 2007 Stefano Civetta ha sostituito Lorenzo Marra alla Fisarmonica.

John Hiatt - The Open Road

2010-03-30T18:53:00.001+02:00

Indiana-born John Hiatt is an unlikely but enthusiastic champion of the Midwestern work ethic -- he's been making records since 1974, but 2010's The Open Road is his sixth studio effort since the dawn of the new millennium, and it sounds like the work of a man who isn't about to stop doing this work anytime soon.. The legendary songwriter's 19th studio album is classic Hiatt, picking up the tempo and returning to rock following his previous critically acclaimed Same Old Man. Backed by his touring band, (Kenny Blevins on drums, Patrick O'Hearn on bass and Doug Lancio on guitars), the songs are inspired by life on the road, without looking back. "All the other years, my songs are about coming home," Hiatt says. But within these 11 new songs, home is never the destination.

Time keeps adding a little more grit to Hiatt's voice with each passing year, and he's smart enough to use it in his favor, with the sandy texture of his instrument adding weight and gravity to tunes like "Like a Freight Train" (in which he's bad enough to steal his mom's morphine), "Haulin'" (a road tune that plays like a Dixie-fried Chuck Berry variant), and "What Kind of Man" (another tale of a morally dubious character with shady habits), though the vocals are also a bit lower in the mix than usual this time out. Hiatt's voice and sneaky but literate lyrical style are also a fine match for Lancio's guitar work, full of sliding figures and well-punctuated string bends, and the steady, rock-solid roll of the rhythm section pushes the songs along without forcing them to move faster or harder then they want. And as a songwriter, Hiatt remains one of the best craftsmen in his field; if he doesn't sound inspired as often as he once did on albums like Bring the Family and Slow Turning, the tunes remain slinky and evocative and his stories of men either succumbing to or trying to overcome their lesser instincts still bear the ring of truth and never sound rote. John Hiatt's muse hasn't stopped keeping him on task, and the work he's doing remains satisfying, and anyone who can crank out an album as good as The Open Road every 18 months or so would be well advised to keep up the good work.

Hiatt has written songs covered by a multitude of artists in a wide variety of genres including Bob Dylan, Rosanne Cash, Willie Nelson, Jewel and Bonnie Raitt, who most famously recorded "Thing Called Love." On The Open Road he showcases both his lyrical and musical talent with his blues driven, rock songs including the title track and "Haulin'." Hiatt produced The Open Road himself after recording with his band in his garage-turned-studio.

( Info tratte dal sito New West Rec. e AllMuisc Guide )

Ali Farta Toure - Toumani Diabate " Ali e Toumani"

2010-03-18T17:01:00.001+01:00

Questa è la seconda collaborazione tra Touré and Diabaté dopo l’incredibile “In The Heart Of The Moon”, datato 2005 e può essere considerato a tutti gli effetti una sorta di testamento musicale del grande artista africano visto che si tratta delle sue ultime registrazioni fortemente volute nonostante la il notevole sofferenza causata dalla malattia. Il seguito del Grammy Award winner sopra citato ripropone le stesse magiche atmosfere di incontaminata bellezza dove ancora una volta si rinnova l’ispirata collaborazione tra i due più importanti artisti del Mali. Nonostante inizialmente la loro collaborazione fosse pianificata solo per un brano, la creatività di questi artisti non è di quelle che si possono contenere e dalle session è scaturito per nostra fortuna questo nuovo materiale che ha permesso la realizzazione di un intero album. Non ci sono state prove e le performance sono state improvvisate sulla base di un repertorio familiare ad entrambi gli artisti con un' atmosfera familiare quasi palpabile.

This self-titled album is a fitting tribute to Toure's and Diabate's genius and friendship and is a beautiful farewell.

All Music Guide

It's a simply formula but it works brillanty. One reason why it is that Diabate adds more than the dazzling cascades of notes that first catch the ear...an album of spellbinging

Uncut

So just what makes Ali & Toumani stronger and wiser than its predecessor ? Perhaps it's simply the diversity and intensity of the musical fantasia the two men create

Songlines

This is a deep, darkly beautiful work. The interplay between these two men is exceedingly rare in any type of music. Ali and Toumani is profound and powerful, with a soft

Pop Matters

"Ali and Toumani" is the seminal meeting of musical greats and the exquisite marriage of varying genres spenning continents and generations

Blues And Soul

Ali and Toumani is a document of friendship and a deeply personal statement that's intemational in scope. It's also effortlessly soulful.

Metro

It's as easy to get lost in telepathic interplay between Toure and Diabate as to let the songs wash over you in shimmering transcendent waves.

Philadelphia Inquirer.

Intoxicating and seductive tracks that we all should consider a privilege to add to our record collections

Vanity Fair

A lovely monument

Independent on Sunday

5 stars

Financial Times

This is a magnificent and poignant farewell

Guardian

It represents the last, precious testament of a hugely influential musician who helped reassert the African roots of blues guitar, captured here alongside his country leading

Independent

To quote The Small Faces, the music on this album really is "all too beautiful"

Daily Mirror

To their admirers, the union of Malian superstars Ali Farka Toure and Toumani Diabate is comparade to Jimi Hendrix jamming with Eric Clapton

The Sun

Ali's vocals a reminder of an African great no longer with us

Evening Standard

Throughout, there is a light as a breeze quality to the music-making but also a timeless depth, a gentle profundity, it's irresistible.

New Jersey Star Ledger

To put it simply, Ali and Toumani is a quite, intimate, timeless record; a trascendent expression of cultural pride, deep friendship, and above all, breath-taking musical

Dusted Magazine

Buy without fear, then , and figure it out for yourself

The Times

When you're listening to this album it's like you're reading a book about Ali

AOL Shoutcast

These brillant, beautiful albums are the very opposite of musicianly duets; anachronous in the best possible way.

Observer

Beaufitully recorded, Ali & Toumani lives up to and perhaps exceeds expectations.

BBC Music Online

You get the feel of two of the world's greatest musicians in a room togegher, having a conversation and crating a document that will carry their legacy into the future.

Pitchfork

Catch it in the night mood and you'll fall blissfully in love

Dazed and Confused.

The pair's obvious.communication produces some of the richest music in Mali in these albums.

Arts Desk

Another mesmeric tribute to Ali's legacy

Observer Music Monthly

The 11 tracks weave a binding spell

Q Magazine

While the younger man's kora solos still dazzle, what Toure is doing in the other speakers is never less than mesmeric, his riffs and curlicues suggesting a wide smile across his...

Mojo

Discografia Ali Farka Toure

WC 007 ALI FARKA TOURE Same
WC 017 ALI FARKA TOURE The River
WC 030 ALI FARKA TOURE The Source
WC 040 RY COODER WITH ALI FARKA TOURE Talking Timbuktu
WC 044 ALI FARKA TOURE Radio Mali
WC 053 AFEL BOCOUM & ALI FARKA TOURE Alkibar
WC 054 ALI FARKA TOURE Niafunke
WC 070 ALI FARKA TOURE Red & Green
WC 075 ALI FARKA TOURE Savane

Discografia Ali Farka Toure e Toumani Diabate

WC 072 ALI FARKA TOURE & TOUMANI DIABATE' In The Heart Of The Moon
WC 083 ALI FARKA TOURE & TOUMANI DIABATE Ali And Toumani

Discografia Toumani Diabate

WC 074 TOUMANI DIABATE'S SYMMETRIC ORCHES. Boulevard De Indipendence
WC 079 TOUMANI DIABATE The Mandè Variations

ALI FARKA TOURE: 1939 - 2006

Ali Farka Touré was born in 1939 in the village of Kanau on the banks of the River Niger in the north west of Mali. He was his mother's tenth son but the first to survive infancy. '' I lost nine brothers of the same mother and father. The name I was given was Ali Ibrahim, but it's a custom in Africa to give a child a strange nickname if you have had other children that have died.'' The nickname they chose for Ali was 'Farka' meaning donkey, an animal admired for its strength and tenacity. ''But let me make one thing clear'' he said, ''I'm the donkey that nobody climbs on!''

When Ali was still an infant his father died while serving in the French army, and the family moved south along the river to Niafunké, the village Ali called home for the rest of his life.

With a population of over twenty thousand, Niafunké is one of the larger villages which scatter this sparse, arid semi-desert region. The fact that they have only recently installed telephone lines and electricity contributes to the tranquil atmosphere and there is always the cooling breeze from the river. People make their living by farming, cattle herding and fishing.

Ali was Niafunké's most famous citizen. Although internationally known as a musician he regarded himself as a farmer. In Mali, music is largely the monopoly of castes of hereditary musicians, but Ali came from a noble background. There is no tradition of music in his family, but he had a calling early on in life, becoming he said "drawn to music by its power". He was a 'child of the river'.

In Niafunké, as in the most of Mali, the dominant religion is Islam and Ali was a devout Muslim. But in this part of the world Islam co-exists with a much older indigenous belief system connected with the mysterious power of the Niger. It is believed that under the water there is a world of spirits called Ghimbala - male and female djinns with their own character, history, symbolic colours and ritual objects, all vividly portrayed in the local mythology. These djinns control both the spiritual and temporal world. Those who have the gift to communicate with the spirits are called 'children of the river'.

Ali had no formal schooling and his childhood was taken up by farming, followed by an apprenticeship as a tailor. But he was also mesmerised by the music played at Ghimbala spirit ceremonies in the villages along the banks of the Niger. He would sit and listen in awe as musicians sang and played the favoured instruments of the spirits; djerkel single string guitar, njarka single string violin and ngoni four string lute. His family did not regard music as a worthy occupation and the boy's interest was not encouraged. He was, however, a fiercely independent and self-determined youth and at the age of twelve he fashioned his first instrument, a djerkel guitar.

Ali found it very easy and natural to learn to play. Early on however he suffered attacks caused by his contact with the spirit world. He was sent away to a neighbouring village to be cured, and when he returned a year later he quickly became recognised for his power to communicate with the spirits. Ali was greatly influenced by his grandmother Kounandi Samba who was famous in the area as a priestess of the Ghimbala. But after her death, he was dissuaded from becoming a priest. ''Because of Islam, I don't want to practise this type of thing too much.....these spirits can be good to you or bad, so I just sing about them, but it's our culture, we can't pass it by.'' Many of his songs are about the spirits and he always travelled with his njarka violin as well as recordings of spirit music which he listened to whenever possible.

As a teenager Ali found work as a taxi driver and car mechanic and he also spent some time as a river ambulance pilot. He travelled widely in these jobs and continued to play music in ceremonies and for pleasure, with small groups and as accompanist to singers. By his early twenties he had learnt seven Malian languages fluently and had mastered the ngoni (traditional four string lute), njarka vioin and Peul bamboo flute. He was also well on his way to absorbing a vast repertoire of music and legend from the various masters he encountered on his travels.

'' I got to know music and to love it through so many heroes who passed on and who continue to live on the earth, because history remains. So it gave me the opportunity to get to know the culture of this music, its biography, legends and history.''

Ali was Sonraï, a people who form the majority of the population of Niafunké, but there are also many other peoples in the region speaking numerous languages - Peul, Bambara, Dogon, Songoy, Zarma, Bobo, Bozo and Tamascheq, the language of the Touareg. Touré sang in all these languages but the majority of his repertoire was in Sonraï and Peul.

In 1956 during his travels Ali saw a performance by the National Ballet of Guinea featuring the great Malinke guitarist Keita Fodeba. ''That's when I swore I would become a guitarist, I didn't know his guitar but I liked it a lot. I felt I had as much music as him and that I could translate it.'' He began to play using borrowed guitars and found it easy to translate his traditional guitar technique to the Western instrument. He said that his only problem was in keeping all six strings happy by touching them as he was used to only playing the monochord. At about the same time, he added percussion, drums (he made his own kit complete with cymbals and bass drum) and accordion to his musical skills (even making a few appearances performing Charles Aznavour repertoire!).

Upon Mali gaining independence from the French in 1960 the new government under President Modibo Keita initiated a policy to promote the arts and cultural troupes were formed to represent each of Mali's six administrative regions. From 1962 Ali worked with the Niafunké district troupe, which he co-led with Harbarie Labéré. He composed, sang, played guitar and rehearsed singers and dancers in a troupe numbering a hundred and seventeen people. He was extremely proud of the troupe which was successful in the biannual competitions held in Mopti throughout the 1960's. Ali also won numerous athletic prizes. ''I did this so my village wouldn't win zero. I'm very patriotic!'' In the sixties he also accompanied various singers and he had his own small group, a recording of which from the late 1960s includes a song sung in Sonraï to a Cuban salsa rhythm.

In 1968 (the year Modibo Keita was ousted in a coup by Moussa Traore) Ali made his first trip outside Africa when he was selected (along with the revered musicians Kelitigui Diabaté and Djelimady Tounkara) to represent Mali at an international festival of the arts in Sofia, Bulgaria. They performed arrangements of traditional music with Ali on guitar, flute, djerkel and njarka. It was in Sofia on 21st April 1968 that he bought his first guitar.

Also in 1968 a student friend in Bamako played him records by James Brown, Otis Redding, Wilson Pickett, Jimmy Smith and Albert King. Ali remained a great fan of all these, partly he said because he heard so much of his own traditions in them. Of all this music, the one which struck him as most similar to his own, was the blues especially as performed by John Lee Hooker. He was immediately struck by the thought that "this music has been taken from here" and was surprised to hear singing in English.

In 1970 Ali's work took him from Niafunké to Mopti and later in the year to the capital Bamako. Here he began a decade working for National Radio Mali as a sound engineer. He also played as part of Radio Mali's orchestra until it was disbanded in 1973. Throughout the 1970's he brought his unique guitar style to the attention of the country via many radio broadcasts. On the advice of a journalist friend he sent a number of recordings of these broadcasts to the Son Afric record company in Paris.

In a matter of months the first Ali Farka Touré album (amongst the very first commercial records of Malian music) featuring Ali on guitar and vocals and Nassourou Sarre on ngoni was released. He continued to record in Bamako and send the tapes to Paris and a total of seven albums were released. Selections from the first five of these albums have been released by World Circuit as the CD 'Radio Mali'.

Throughout the 1970's Ali established a formidable reputation in Mali as a unique solo artist. He pioneered and perfected the adaptation of Sonraï, Peul and Tamascheq styles to the guitar. He remained uncompromisingly wedded to his traditional music, refusing to ''go commercial''. His songs celebrate love, friendship, peace, the land, the spirits, the river and Malian unity; all expressed in dense metaphors.

In 1986 one of his Radio Mali recorded albums (re-released on World Circuit as part of Red and Green in 2004), started to generate great interest amongst radio d.j.'s in London including Andy Kershaw and Charlie Gillett. It also came to the attention of Folk Roots magazine; with no information on the record sleeve the journal puzzled over this African musician who played the blues in such an individual way.

Anne Hunt from World Circuit travelled to Bamako to seek out this mysterious man. With the help of Toumani Diabate a broadcast was made on Radio Mali asking Ali to present himself. Ali had moved back to Niafunké four years earlier but at the time of the broadcast was visiting the capital. An invitation was made for Ali to perform in the U.K. and in 1987 for the first time since the Sofia Festival in 1968, Touré he played his first concerts outside Africa. Showing no signs of nerves or unfamiliarity with his surroundings, and with absolute and supreme confidence in his music, he played a masterful series of shows winning audiences everywhere. In the same year his first recording outside Africa was an instant success for the World Circuit label.

Since then he has undertaken extensive tours of Europe, U.S.A, Canada, Brazil and Japan and has recorded a further five albums for the label, including 'The River', 'The Source', and the GRAMMY Award winning 'Talking Timbuktu', a collaboration with Ry Cooder which served to confirm Ali's status as an artist of international repute.

Despite his amazing international success, Ali became increasingly reluctant to leave his farm in Niafunké. World Circuit's Nick Gold decided that the only way the make another record with him was to bring the studio to Niafunké. The studio was set up in an abandoned agricultural school, and the recording had to be fitted in between tending the land, with the crops always coming first. The resulting album 'Niafunké' was released in 1999.

After that, Ali returned to what he saw as his main role in life, looking after his farm and being with his family. Ali was actively involved with ongoing irrigation projects to better the agricultural situation in the Niafunké region and this culminated in his election in 2004 as Mayor of Niafunké.

Although choosing to retire from music as his full time career, and rarely playing live, Ali stated that should he feel suitably inspired, or have an issue that needs to be addressed he would record again. In 2003, he participated in the documentary 'Feel Like Going Home'. Directed by Martin Scorsese, the film traces the history of the blues from the banks of the Niger to the Mississippi Delta, and would bring Ali to an even wider audience. Ali had also been researching his local music and culture, with the aim of preserving it for future generations, and this had inspired him to play and record again. In 2004 after turning down endless lucrative offers to perform, Ali accepted an invitation to play at the tiny Privas festival in France for no fee. Ali began 2005 with his first major concert in Europe for five years, his show at the BOZAR in Brussels, which featured a guest appearance from Toumani Diabaté, was greeted with frenzied excitement from fans and press alike.

In 2005 the first of a trilogy of albums recorded at Bamako's Hotel Mandé was released. 'In the Heart of the Moon' a duet album with Toumani Diabaté won a GRAMMY award making Ali the only African to have received two such prestigious honours. Shortly following the album's release Ali played a series of brilliant European concerts with his unique down-home ngoni band featured on his new album, 'Savane' the third in the Hotel Mandé series. Toumani accompanied Ali on those live dates, prior to which they spent 3 days in a London studio recording the follow up to 'In the Heart of the Moon'. Featuring contributions from Orlando 'Cachaíto' López on bass, the album 'Ali and Toumani' is released in February 2010.

Sadly, Ali would not see the release of 'Savane'. Just a few weeks after winning his second GRAMMY and approving the album's final master, Ali succumbed to the bone cancer with which he had suffered from for the preceding two years. He died in Bamako on March 7th 2006 and was buried in Niafunké.

In Mali, Ali was accorded a posthumous Commandeur de l'Ordre National du Mali (the country's highest honour) and a state funeral attended by all the country's senior politicians and major music stars as well as thousands of ordinary people. The worldwide media coverage of his death was unprecedented for an African musician and messages poured in from fans around the world. All this for a musician who considered himself first and foremost a farmer.

Ali Farka Touré was a true original. An exceptional musician, he transposed the traditional music of his native north Mali and single-handedly brought the style known as desert blues to an international audience. He was a giant of African music and will be missed by fans throughout the world.

Original text by Lucy Duran
(updated by Nick Gold & Dave McGuire)

TOUMANI DIABATE

Toumani Diabaté is one of the most important musicians in Africa. Toumani plays the kora, a harp unique to West Africa with 21 strings; and more than any other kora player it is Toumani who is responsible for bringing this instrument to audiences around the world. He is a performer of truly exceptional virtuosity and creativity - someone who shows that the kora can rival the world's greatest instruments.

Toumani was born in Bamako, the capital of Mali, in 1965 into a family of exceptional griots (hereditary musician/historian caste); his research shows 71 generations of kora players from father to son. The most notable was his father, Sidiki Diabaté (c. 1922-96), a kora player of legendary fame in West Africa - dubbed King of the Kora at the prestigious international Black Arts Festival Festac in 1977, and a continuing inspiration to all kora players to this day. Sidiki was born in the Gambia of Malian parents. He settled in Mali after the second world war, where he became famous for his virtuoso "hot" and idiosyncratic style of playing (echoes of which can be heard in Toumani's style). After Mali became independent in 1960, Sidiki was invited to join the Ensemble National Instrumental - a government sponsored group formed to celebrate the richness of Malian culture - along with his first wife, Toumani's mother, the singer Nene Koita. Sidiki and Nene were much favoured by the first president, Modibo Keita - who gave them the land on which the family house now stands, underneath the presidential palace in Bamako.

This was the musical environment in which Toumani was raised - though in fact, he was self-taught, never learning directly from his father except by listening. In the 1960s, and more so the 70s, the Bamako music scene was being influenced by sounds from further afield, especially black American music: soul music was particularly popular as was Jimi Hendrix, Jimmy Smith, and British rock acts such as Led Zeppelin. Exposure to these sounds, and Bamako's modern ensembles, would both be important to Toumani's musical development.

A child prodigy, Toumani began playing the kora at the age of five, and at that time, the Malian Government was engaged in an active programme of encouraging regional ensembles to represent local traditions. Toumani was recruited to the ensemble from Koulikoro (some 60 kms east of Bamako) with whom he made his public debut at the age of 13 to great local acclaim. In 1984 Toumani joined the group of brilliant young musicians who accompanied the great diva Kandia Kouyate, the best known and most powerful female griot singer in Mali, with whom he toured Africa extensively, still only 19 years old.

Although not learning directly from his father Toumani took from him the idea of developing the kora as a solo instrument, and then took it to another level. Toumani discovered a way to play bass, rhythm and solo all at the same time on the kora, a method which would take him to the world stage. Toumani first came to the Europe in 1986 to accompany another Malian singer, Ousmane Sacko, and ended up staying in London for seven months. During this period, at the age of 21, he recorded his first solo album 'Kaira'. This was a groundbreaking album - it was the first ever solo kora album and it still remains a best seller and one of the finest albums of kora music to date. In 1986 Toumani also made his first appearance at a WOMAD festival at which he made a significant impact.

During this period in the UK he met and worked informally with musicians from many different fields of music and encountered traditions that he had not previously known, such as Indian classical music, from which he derived the "jugalbandi" idea (musical dialogue between two instruments) that has since become one of his trademarks.

His first major recorded collaboration was with the Spanish flamenco group Ketama. When he first met them they immediately began doing "palmas" (interlocked flamenco clapping) to his music. Toumani couldn't believe that that they could have such an understanding of the rhythmic complexities of his music; it was as if they had always been listening to each other's traditions. The resulting album 'Songhai', with pieces like Jarabi, was a perfect synthesis of kora and flamenco.

For Toumani experimentation is simply part of the job of a modern griot, "The griot's role is making communication between people, but not just historical communication. In Mali I can work in the traditional way, elsewhere I can work in a different way. Why not?" In 1990 Toumani formed the Symmetric Orchestra. For Toumani the name evokes a perfect balance - a symmetry - between tradition and modernity, and between the contributions of musicians from a number of closely related countries. Senegal, Guinea, Burkina Faso, Ivory Coast, and Mali itself, were all part of the medieval Mandé Empire. Toumani had the idea of recreating the cultural equilibrium of the Mandé Empire in a modern musical context - offsetting traditional and electric guitars with hard-edged sabar drumming; praise-singing and lute-riffing alongside pounding kit drums, with Toumani's own rippling kora phrases through it all. The orchestra name was first used on CD with the elaborate 1992 project, 'Shake The Whole World', released only in Japan and Mali. Maintaining a weekly residence at the Hogon in Bamako throughout Toumani's career, the group continued to evolve and grow over the years culminating in the release of the acclaimed album 'Boulevard de l'Indépendance' in 2005, and the extensive international touring that followed.

In the early-mid 1990s, in Bamako, Toumani began to gather around him a number of exceptionally talented musicians such as the brilliant Bassekou Kouyate on the ngoni, and Keletigui Diabaté on balafon, cultivating a certain sound and approach to his music -with a type of jazz-jugalbandi-griot instrumental ensemble which can be heard on his album 'Djelika' (as in the piece Kandjoura) released in 1995. In the same year Toumani travelled to Madrid to record 'Songhai 2'.

In 1998 he recorded a kora duet album with Ballake Sissoko; their two fathers released the 1970s classic Cordes Anciennes (Ancient Strings), so the new album was called 'New Ancient Strings', it was their tribute to the original record and an attempt at bringing such material to a modern audience.

The connections between the blues and West African music are well known. Taj Mahal had listened to, and played with, many great kora players, and what most struck him as bearing an uncanny resemblance with the blues was the plucking techniques of the kora and other Malian string instruments. "They say that blues and jazz came from Africa" says Toumani." "The kora and ngoni, they're very old, many centuries old. So maybe the blues were once being played on these instruments. Making the album with Taj is like bringing the old and new together." The album 'Kulanjan' was released in 1999.

Constantly looking to evolve and innovate, Toumani's next album 'MALIcool' with American free jazz trombonist Roswell Rudd saw him take another step out on the edge. The arrangements on this album are sparse, leaving everybody room to improvise, and there are a few unexpected pieces such as an interpretation of Thelonius Monk's 'Hank', a swinging version of a Welsh folk song, and a leftfield take on Beethoven's 'Ode to Joy'.

Toumani has participated in many other recording projects both at home and abroad: he appears on Ali Farka Touré's eponymous debut album for World Circuit; he toured with Salif Keita and appears on both his acclaimed album "Papa" and his latest release 'Mbemba'; he was part of Damon Albarn's 'Mali Music' project; he is featured on Kasse Mady Diabaté's 2004 Grammy nominated album "Kassi Kasse", and in 2007 he featured on the track 'Hope' on Björk's album 'Volta' leading to an inspired guest appearance on her set at the Glastonbury Festival.

In recent years Toumani has been enjoying recognition for his contribution to the development of the kora, and as a key figure in African music. In 2004 he received the Zyriab des Virtuoses, a UNESCO prize awarded at the Mawazine Festival organised by King Mohammed 6th of Morocco. He is the first black African ever to be given the prize. Toumani is an active and dynamic member of the Malian musical community, and influential to the new generation. He has been taking steps to help preserve the legacy of traditional kora music in Mali, and to educate future generations of their rich musical heritage, whilst encouraging them to also explore the creative possibilities within music. He is President/Director of Mandinka Kora Productions, who actively promote the kora through workshops, festivals, and various cultural events. Toumani is also a teacher of the kora and of modern and traditional music at the Balla Fasseke Conservatoire of Arts, Culture and Multimedia, which opened in Bamako at the end of 2004.

2004 also saw Toumani begin working with World Circuit for a trilogy of albums recorded at sessions in the Mandé Hotel in Bamako. The first release from these sessions was the duets album 'In the Heart of the Moon' recorded with the great Ali Farka Touré, which won the Best Traditional World Music Album GRAMMY Award. Second in the trilogy was 'Boulevard de l'Indépendance' by Toumani Diabaté's Symmetric Orchestra, packing the fruit of ten years of experimentation into some of the densest, punchiest, most richly textured music to have come out Africa (the third part being Ali's final solo album 'Savane'). Toumani accompanied Ali on his last concert tour in the summer of 2005 during which they spent 3 days in a London studio recording the follow up to 'In the Heart of the Moon'. Featuring contributions from Orlando 'Cachaíto' López on bass, 'Ali and Toumani' further demonstrates the magic bond between the two masters, the album sees its long awaited release in February 2010.

The Symmetric Orchestra proved to be a revelation on the international touring scene. Taking time out from their weekly residency at Bamako's Hogon club (recently moved to Le Diplomat), the band have been building a reputation for themselves at their own headline concerts at venues such as New York's Carnegie Hall, and festival appearances such as Glastonbury, Nice Jazz Festival, and Montreal Jazz Festival.

In addition to this hive of activity, Toumani was also busy working on his new album 'The Mandé Variations', released in February 2008. Having spent years refining and perfecting his technique to an unparalleled level Toumani's career comes full circle. 'The Mandé Variations' is all-acoustic, Toumani's first album of solo kora since his groundbreaking debut album 'Kaira' released over twenty years ago.

Both the album and subsequent solo recitals were met with universal critical acclaim, with the return to a more intimate setting also proving extremely popular with the listening public. Toumani would also go on to perform a special concert with the London Symphony Orchestra which may prompt further explorations in classical music; and the year came to an exciting end with Toumani being nominated for another GRAMMY Award and an NAACP Image Award for 'The Mandé Variations'. Toumani was appointed UNAIDS Goodwill Ambassador in December 2008, using his music to spread awareness on HIV and AIDS, and he has already participated in various outreach projects in Mali.

Following the release of the album 'Ali and Toumani', Toumani Diabaté and his band will play his interpretations of the music of Ali Farka Touré in a series of special concerts starting in April 2010.

Throughout Toumani's career, each of the albums he has released are distinctly unique and highlight his diversity as a musician. This is indeed what Toumani is so good at - bringing together the old and new in timeless beautiful music, the very best that Africa has.

Based on original text by Lucy Duran;
adaptation and additional text by Dave McGuire

Martial Solal - Live At The Village Vanguard

2010-02-10T12:27:00.000+01:00

Martial Solal is a nuclear physicist of the piano. He tinkers with the subatomic structure of compositions, moving elements around, pulling them apart, and smashing them together in ways that both surprise and delight. Solal was born Algiers in 1927, settling in Paris in 1950 where he worked with Django Reinhardt and American expatriates Sidney Bechet and Don Byas. He has maintained an impressive creative profile for the past 50 years that involves solo, small group, and big band formats. Solal has also been a successful movie soundtrack composer, producing music for Les Acteurs (2000) and Ballade a blanc (1983).
Now in his 80s, his performances take on the aire of a grand event. As such, it is fitting that his October 12, 2007 solo appearance at New York City's Village Vanguard was captured and released as Live at the Village Vanguard: I Can't Give You Anything But Love. His previous live recording at the Vanguard, NY1: Live at the Village Vanguard (Blue Note, 2003) was met with much adulation as was the show that generated it in the wake of September 11, 2001.

Relaxed and amiable, Solal banters with the crowd in his French-accented English, explaining that they both must be good as he is making a live recording. He then proceeds to stroll through a recital of seven standards are two original compositions in what can only be described as in a very post-modern, deconstructionist manner. His command of the material is paradoxically dense and atomized with playing that betrays a knowledge of all styles of jazz piano, which he picks and chooses to employ at his creative whim. That "whim" is very informed. "On Green Dolphin Street?" he turns the familiar melody inside out, re- harmonizing and redefining the piece well beyond its early 20th Century origins.

Solal transforms the interrogative "Lover Man" into a declarative statement of fact and strains the brains of Thelonious Monk's "'Round Midnight" through modernity's defining sieve, exposing all of the soft underparts Monk didn't. Solal extends the language of Monk further than any other pianist. His two original compositions, "Centre De Gravite" and "Ramage" are no less compelling, acting as an extension of Solal's artistic command. Live at the Village Vanguard: I Can't Give You Anything But Love is as perfect a jazz recording as we could hope for. Few giants remain, so let us honor Martial Solal

All About Jazz

"Mr Solal returns to the Vanguard without a bassist or a drummer, becoming only the second pianist to headline a week at the club as a solo act. It will be an occasion not just for admirs but also for new converts. And as far as pianism goes, it will probably stand as one of the jazz events of the year"

New York Time

The Pianist Mortial Solal opened his week at the Village Vanguard on Tuesday night by rolling through tunes that jazz musicians have been amusing and sharpening themeselves with for 50 years or more... One of the world's most imposing jazz musicians - being 80 has not dimmed his agility or his imagination - he interpreted easch passing moment of the songs as a provocation : spinning out a quick cycle of chords from just one, or interrupting the shape of a melody to add on a whole new structure, invented at breathtakin speed... "

New York Time

Martial Solal's early set at the Village Vanguard tonight was as exuberant as expected. The ghost of Tatum was riding high, as the French pianist, celebrating his 80th brithday with only his third appearance in New York city in the past 44 years, mad-dashed through a dozen or so standards in ways that no one has ever heard them, carving up the scores like a cubist ( more braque than Picasso, with shards of Duchamp tassed in for wit ), stretching and squeezing bars, yet somehow sustaining the tempo and the melody with tenuous but seamless aplomb. His music might be a mere virtuosic lark, were it not for his harmonies - brooding, bristling, caramel-rich chords, clusters of them, alternately embellishing, paring down, or playing against the conventional changes. The Vanguard was as packed as I've ever seen it on a weeknight..."

Stereophile

It was appropriate that Mr Solal chose "Here's That Rainy Days" as his third number : As 9 p.m. approached during his opening set on Tuesday, the Vanguard was packed to the walls with clods like myself, who, in our unrestrained zeal to catch Mr Solal in a rare New York appearance, neglected to bring our Umbrellas of Cherbourg. The Room was so full that no one apart from Mr Solal Himself and a few slim waitresses could even move.... a great quality of some of the best musicians in that you can hear the whole history of the music in their playing, and while that's certainly true of Martial Solal, what's even more remarkable is that you can get a sense of the future of the jazz piano as well, and it's hard to image a brighter one"

The New Yorker Sun

To label Martial Solal the greates European Jazz pianist does him disservice, the cognoscenti know he's the world champ. The Algerian native, who moved to Paris when he was twenty-two, celebrates his eighteth birthday here, presenting his staggering virtuosity and proudly idioisyncratic style in a week of solo performances. A live reconding is promised, but you'll be pleased to tell your grandchildren you witnessed the Master in Action

The New Yorker

Giovanni Falzone - Around Jimi

2010-02-04T12:17:00.001+01:00

"I always heard about a musical encounter between Jimi Hendrix and Miles Davis, which unfortunately never occurred. Likewise, I always wondered what may have resulted, happened, emerged, if it had really occured.
Regrettably, due to the premature death of Hendrix, this meeting never took place. So, fascinated by these two musical icons and always having been intolerant of musical barriers, I decided to undertake a kind of imaginary journey around this "encounter" on the occasion of the fortieth anniversary of Jimi Hendrix death, by creating and arranging an alternation of my compositions with those of Hendrix and Davis.
For me, this project represented not only a way of satisying my great curiosity about music on a full scale, but also a different, alternative way of understanding the immense universe of Jazz, a musical genre that still retains that magic of continually metamorphosing its great wealth."
Giovanni Falzone

Trumpeter and composer Giovanni Falzone began playing the trumpet at the Municipal Band School of Music in Aragona, at the age of 17. He then enrolled in the V. Bellini Conservatory in Palermo, where he graduated in a short period of time under the tutelage of G. Ciavarello. In addition, he graduated, with the highest honors, from the Jazz Studies Program (arranging, historical-formal analysis, and improvisation) at the G. Verdi Conservatory in Milan. He won first prize as "Best Talent at Umbria Jazz, 2000", earning a scholarship to the Berklee School of Music, in Boston. He also participated as a soloist in a workshop/concert held by Wynton Marsalis at the Morlacchi Theater in Perugia, and in a modern-jazz seminar held by saxophonist Dave Liebman.

Ricordiamo che il cd :
Giovanni Falzone - Around Jimi
è distribuito da Ird spa
Sito web : www.ird.it

Steve Earle - Townes

2010-02-03T12:12:00.001+01:00

GRAMMY WINNER

Steve Earle’s new album Townes, is his highly anticipated follow up to the Grammy Award winning album Washington Square Serenade. The 15-song set is comprised of songs written by Earle’s friend and mentor, the late singer-songwriter, Townes Van Zandt.

The songs selected for Townes were the ones that meant the most to Earle and the ones he personally connected to. Some of the selections chosen were songs that Earle has played his entire career (“Pancho and Lefty,” “Lungs,” “White Freightliner Blues”). He learned the song “(Quicksilver Daydreams of) Maria” directly from Van Zandt. Earle taught himself “Marie” and “Rake” specifically for making this record. Earle recorded the New York sessions solo and then added the other instruments later on in order to preserve the spirit of Van Zandt’s original solo performances to the best of his recollection.

The track “Lungs,” was produced and mixed by the Dust Brothers’ John King and features Tom Morello of Rage Against the Machine/The Nightwatchman on electric guitar.

Earle met Townes Van Zandt in 1972 at one of Earle’s performances at The Old Quarter in Houston, TX. Van Zandt was in the audience and playfully heckled Earle throughout the performance to play the song “Wabash Cannonball.” Earle admitted that he didn’t know how to play the tune and Van Zandt replied incredibly, “You call yourself a folksinger and you don’t know ‘Wabash Cannonball?’” Earle then silenced him by playing the Van Zandt song “Mr. Mudd and Mr. Gold,” not an easy feat due to its quickly-paced mouthful of lyrics squeezed into just over two minutes of song. Their bond was immediately formed. On Townes, Earle and his son, singer-songwriter Justin Townes Earle (named after Van Zandt) trade verses on the tune, a song the two of them have been playing together since Justin was a teenager.

The songs selected for Townes were the ones that meant the most to Earle and the ones he personally connected to (not including selections featured on previous Earle albums). Some of the selections chosen were songs that Earle has played his entire career (“Pancho and Lefty,” “Lungs,” “White Freightliner Blues”) and others he had to learn specifically for recording. He learned the song “(Quicksilver Daydreams of) Maria” directly from Van Zandt, and taught himself “Marie” and “Rake” specifically for the album’s recording. Once a song he played during his live show, Earle relearned “Colorado Girl” in the original Open D tuning that Van Zandt played it in. Earle recorded the New York sessions solo and then added the other instruments later on in order to preserve the spirit of Van Zandt’s original solo performances to the best of his recollection.

When speaking about Townes, Earle stated, “This may be one of the best records I’ve ever made. That hurts a singer-songwriter’s feelings. Then again, it’s some consolation that I cherry picked through the career of one of the best songwriters that ever lived.”

Townes Van Zandt’s debut album, For The Sake Of The Song, was released in 1968. His last, No Deeper Blue appeared in 1995. His life and songs are the subject of the critically acclaimed 2006 documentary film, Be Here To Love Me. Van Zandt died in 1997 at the age of 52.

While being a protégé of Van Zandt, Earle is a master storyteller in his own right, with his songs being recorded by Johnny Cash, Willie Nelson, Emmylou Harris, Waylon Jennings, Travis Tritt, The Pretenders, Joan Baez and countless others. 1986 saw the release of his debut record, Guitar Town, which shot to number one of the country charts and immediately established the term “New Country.” What followed was an extremely exciting array of twelve releases including the biting hard rock of Copperhead Road (1988), the minimalist beauty of Train A Comin’ (1995), the politically charged masterpiece Jerusalem (2002) and the Grammy Award Winning albums The Revolution Starts…Now (2004) and Washington Square Serenade (2007). Earle also produced the Grammy nominated album, Day After Tomorrow, by the legendary Joan Baez in 2008.

Crazy Hearat - Original Motion Picture Soundtrack

2010-01-26T11:56:00.000+01:00

Four-time Academy Award® nominee Jeff Bridges stars as the richly comic, semi-tragic romantic anti-hero Bad Blake in the debut feature film from writer-director Scott Cooper. Bad Blake is a broken-down, hard-living country music singer who's had way too many marriages, far too many years on the road and one too many drinks way too many times. And yet, Bad can’t help but reach for salvation with the help of Jean (Maggie Gyllenhall), a journalist who discovers the real man behind the musician. As he struggles down the road of redemption, Bad learns the hard way just how tough life can be on one man’s crazy heart.

Crazy Heart: Original Motion Picture Soundtrack includes 16 songs from the film. A deluxe edition of the soundtrack featuring all 23 songs from the film, sequenced in their running order, is also available. The soundtrack was co-produced by 10-time Grammy® Award winner T Bone Burnett. Burnett, who co-produced the soundtrack with guitarist/songwriter Stephen Bruton, earned past Grammy Awards for his work on the 8-times Platinum release, O Brother Where Art Thou? and Platinum soundtrack to the Johnny Cash biopic, Walk The Line.

The film is dedicated to Bruton, a lifelong friend of Burnett who passed away in 2009. In a long and distinguished career, Bruton excelled as a musician, songwriter and producer. He played guitar with Kris Kristofferson since the early 70s, had songs recorded by Bonnie Raitt, Willie Nelson, Waylon Jennings and Johnny Cash among others, and released five records as a solo artist, the last three for New West. Just before passing, Bruton was working on Crazy Heart both musically and in a consultation role for Bridges. Bruton was able to see the completion of the project before his death.

Stephen Bruton

Renowned, Texas musician, Stephen Bruton had a long and distinguished career as a musician, songwriter and producer. He released five records as a solo artist, the last three for the New West Records label. As a lead guitar player Bruton was in high demand among legendary contemporaries including Kris Kristofferson and Bonnie Raitt. He recorded with Delbert McClinton, T Bone Burnett, Elvis Costello, Carly Simon, The Wallflowers, Sonny Landreth, Peter Case, Ray Wylie Hubbard and a slew of others. He produced records for Alejandro Escovedo, Marcia Ball and Jimmie Dale Gilmore to name a few. Bruton's songs have been widely covered as well, by artists including Raitt, Kristofferson, Willie Nelson, Jimmy Buffett, Johnny Cash, Waylon Jennings, Martina McBride and Patty Loveless.

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Various Artists - Crazy Heart
è distribuito da Ird spa
sito web : www.ird.it

Tracklist

Hold On You ( Performed by Jeff Bridges

Hello Trouble Performed by Buck Owens

My Baby’s Gone Performed by The Louvin Brothers

Somebody Else ( Performed by Jeff Bridges

I Don’t Know Performed by Ryan Bingham

Fallin’ & Flyin’ Performed by Jeff Bridges

I Don’t Know Performed by Jeff Bridges

Once A Gambler Performed By Lightnin’ Hopkins

Are You Sure Hank Done It This Way Performed by Waylon Jennings

Fallin’ & Flyin’ Performed by Colin Farrell & Jeff Bridges

Gone, Gone, Gone ( Performed by Colin Farrell

If I Needed You Performed by Townes Van Zandt

Reflecting Light Performed by Sam Phillips

Live Forever Performed by Robert Duvall

Brand New Angel Performed by Jeff Bridges

The Weary Kind (Theme From Crazy Heart) Performed by Ryan Bingham

The Holmes Brothers - Feed My Soul

2010-01-19T00:44:00.000+01:00

The Holmes Brothers' Feed My Soul, produced by platinum-selling artist (and longtime friend) Joan Osborne, is a joyous and moving blend of blues, gospel, soul, R&B, rock 'n' roll and country. Their amazing, signature three-part harmony singing, mixing Wendell Holmes gruff and gravelly vocals with Popsy Dixon's soaring falsetto and Sherman Holmes' rich baritone brings the soul and spirit of gospel music into everything they perform. Over the course of their 30-plus year career, The Holmes Brothers have been feeding the souls of their devoted and ever-growing fan base. Sherman's bass playing and Popsy's drumming perfectly complement Wendell's blues-soaked guitar solos and church-inspired piano playing. The band easily blends Saturday night's roadhouse rock with the gospel fervor and harmonies of Sunday morning's church service.

From winning multiple Blues Music Awards to sharing stages and recordings with Bob Dylan, Van Morrison, Bruce Springsteen, Patti Smith, Willie Nelson, Lou Reed, Peter Gabriel, Merle Haggard, Keith Richards, Al Green, Ben Harper, Lucinda Williams, Steve Earle, Levon Helm, Rosanne Cash, Odetta, and The Jungle Brothers, The Holmes Brothers have seemingly done it all. Recently though, The Holmes Brothers confronted a stark reality when brother Wendell was diagnosed with cancer in 2008. Tight-knit on and off the stage, they found strength in their family, friendship and faith to overcome this setback.

With Wendell's victory over the disease, the group emerged fully energized and inspired to create the deepest, most original, most satisfying album of their career. Feed My Soul is an album born from this harrowing experience. The songs deal with friendship, loyalty, family, aging, illness, as well as politics and the current state of the world, while still maintaining the patented Holmes Brothers sense of humor.

With their deeply soulful singing, uplifting harmonies and unsurpassed musicianship, The Holmes Brothers continue to grow as artists. Billboard declares, "It seems like The Holmes Brothers get more assured and exciting with each passing year. They remain a musical force unto themselves."

Entertainment Weekly says, “The Holmes Brothers are juke-joint vets with a brazenly borderless view of American music.” Their chilling harmonies resonate with a passion and conviction matched only by their inspired musicianship and their ability to perform sanctified gospel, low-down roadhouse blues, deep soul, Americana/country and pure pop—all in one set. They’ve recorded with Van Morrison, Peter Gabriel, Odetta, Phoebe Snow, Willie Nelson, Rosanne Cash, Levon Helm and Joan Osborne, and have gigged all over the world—even performing for President Clinton. They joined the Alligator Records family in 2001, and their label debut—the inspirationally stirring Speaking In Tongues (AL 4877)—amazed and delighted everyone who heard it. Greg Kot of The Chicago Tribune called it a “joyous, foot-stomping carnival…a gift to the world of music.” 2004’s Simple Truths earned even more acclaim. The Chicago Sun-Times called it, “A breathtaking and heartfelt journey through gospel-drenched soul, blues, funk and country.” They won the coveted Blues Music Award from the Memphis-based Blues Foundation for Band Of The Year in 2005.

Now The Holmes Brothers return with STATE OF GRACE, produced by Craig Street (Norah Jones, Chris Whitley, Cassandra Wilson) who also produced Simple Truths. Noted for their ability to transform songs by legendary writers from The Beatles to Tom Waits to Bob Marley, The Holmes Brothers push that tradition even farther on STATE OF GRACE. They expertly reinvent songs by writers as diverse as John Fogerty (Bad Moon Rising), Cheap Trick (I Want You To Want Me), Hank Williams, Sr. (I Can’t Help It If I’m Still In Love With You), Nick Lowe (What’s So Funny ‘Bout Peace, Love And Understanding?), George Jones (Ain’t It Funny What A Fool Will Do), and Lyle Lovett (God Will, If I Had A Boat), delivering versions that need to be heard to be believed.

For the first time, several of The Holmes Brothers’ star friends add talents to the sessions. Levon Helm, drummer/vocalist from The Band, joined by his daughter Amy Helm, makes his first vocal recording since recovering from throat cancer with a heartfelt lead on I’ve Just Seen The Rock Of Ages. On the Hank Williams classic I Can’t Help It If I’m Still In Love With You, Wendell trades verses with Rosanne Cash in a mesmerizing performance. And old friend Joan Osborne (who has been touring as a vocalist with The Dead and Phil Lesh & Friends) steps out on a bluesy, storefront church version of Those Memories Of You. The Holmes Brothers interplay of their voices with their guests’ is simple, musical magic.

As incredible as they are as interpreters (OffBeat calls them “the best interpretive group working today”), The Holmes Brothers are equally talented songwriters. Exceptional originals Gasoline Drawers, Smiling Face Hiding A Weeping Heart, Close The Door and Standing In The Need Of Love showcase the same true-life stories, depth of feeling, heartbreak and humor found in the timeless songs they choose to cover. With one foot firmly planted in the secular world, The Holmes Brothers layer their songs with rich gospel harmonies and alternately rough-edged and tender vocals, producing what is undoubtedly their richest and most fully realized album.

Rooted in blues and gospel, The Holmes Brothers’ sound is all their own. The rhythmic foundation laid down by Sherman’s bass playing and Popsy’s drumming perfectly compliment Wendell’s hard-driving guitar solos. But even more gripping than their instrumental prowess is their amazing three-part harmony singing, mixing Wendell’s gruff and gravelly vocals with Popsy’s soaring falsetto and Sherman’s rich baritone creating a multi-layered and ornately textured sound, bringing the soul of gospel music into everything they perform.

In the early years, the band worked primarily at Dan Lynch’s, a New York club that featured weekly jam nights and performances by a wide variety of blues acts, most notably, The Holmes Brothers. More importantly, the club served as a meeting ground for many members of New York’s blues community, including future members of Blues Traveler, Joan Osborne and producer Andy Breslau, who brought the group to Rounder Records.

Since their debut on Rounder in 1989, The Holmes Brothers have worked virtually non-stop. In addition to their four critically acclaimed Rounder albums, they recorded Jubilation for Peter Gabriel’s Real World label in 1992, becoming the first American group to record for the standout world music imprint. In 1994 they joined Van Morrison in the studio on the song That’s Where It’s At for the Real World compilation album, A Week Or Two In The Real World. 1996 found The Holmes Brothers starring in the independent motion picture, Lotto Land, for which they also recorded the soundtrack. The albums all received massive praise. “Mind-blowing,” said the Boston Herald. “Rich and satisfying,” raved The Washington Post. In 1997, Joan Osborne asked The Holmes Brothers to be her backing band when she opened for Bob Dylan.

After signing with Alligator in 2001, The Holmes Brothers released the magnificent Speaking In Tongues, produced by multi-platinum artist—and close friend to the band—Joan Osborne, who also sings backup vocals throughout. With Osborne at the helm, along with Grammy-winning engineer Trina Shoemaker (Sheryl Crow’s The Globe Sessions), The Holmes Brothers created a contemporary album of spiritual soul music. Throughout Speaking In Tongues, the sweet gospel harmonies and classic soul shouting radiate authenticity and passion. Their interplay of voices and instruments is mesmerizing. Response to Speaking In Tongues was phenomenal. The Holmes Brothers appeared on The Late Show With David Letterman, The CBS Saturday Early Show, as well as National Public Radio’s Weekend Edition, A Prairie Home Companion and Mountain Stage. They’ve been the subject of features and reviews in Rolling Stone, Billboard, Newsweek, USA Today, The Chicago Tribune, The Los Angeles Times, The Washington Post, The San Francisco Examiner and countless other publications.

In 2003, The Holmes Brothers recorded versions of Trouble (Cat Stevens) and You’re Gonna Need Somebody On Your Bond (Blind Willie Johnson) for the soundtrack album for the popular television series Crossing Jordan. In addition, The Holmes Brothers appeared on the M.C. Records tribute album to Sister Rosetta Tharpe, Shout, Sister, Shout!, backing Joan Osborne, Odetta, Victoria Williams and Phoebe Snow.

2004’s Simple Truths found The Holmes Brothers receiving even more attention, as reviews ran in USA Today, Entertainment Weekly, Billboard, New York Post, and many other publications. They appeared on Outlaws And Angels—The Willie Nelson and Friends 3rd Annual Birthday Concert (televised on USA Network and released on CD and DVD), Late Night With Conan O’Brien, World Cafe, Mountain Stage, as well as the nationally broadcasted National Public Radio programs All Things Considered, On Point and Here And Now.

With their deeply soulful singing, spine-tingling harmonies and unsurpassed musicianship, The Holmes Brothers amaze audiences and leave them in a state of utter joy and jaw-dropping disbelief. Billboard declares, “It seems like The Holmes Brothers get more assured and exciting with each passing year. The Holmes Brothers remain a musical force unto themselves.” Their non-stop touring brings this force from concert halls to roadhouse bars, leaving their fervent fans in a state of ecstatic joy.

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The Holmes Brothers
è distribuito in Italia da Ird spa
Sito web : www.ird.it

Vittorio Mezza Trio ( Abeat Jazz 073 )

2010-01-13T12:43:00.002+01:00

Vittorio Mezza, is considered one of the most interesting and original pianist on the new italian jazz scene. With the help of two “supermusicians” as Massimo Moriconi and Ettore Fioravanti gave birth to a musical project of extraordinary artistic depht, great novelty both stylistic and of ideas. It’s remarkable a strong component of swing and interplay, a quality is becoming rarest.
The cd suggests some excellent original songs, some evocative themes by Petrucciani, Shorter, Monk and closes with an homage to Nirvana.

He was born in Maddaloni (Italy). After having completed his studies in classical music, he moved to Rome where got his Diploma and Bachelor in jazz music in Jazz Music from the ”S. Cecilia Conservatory of Music”. He lives in Rome and he has attended various courses like the Berklee Summer School to Umbria Jazz, the Seminars and the two-year master of high improvement for Jazz Trios in Siena, the David Liebman Chromatic Jazz Master Class in the USA, The New York International Jazz Workshop in the USA, the Arrangement and Composition Course at the Music University of Rome, etc. He studied under international musicians like D. Liebman, F. D' Andrea, S. Battaglia, P. Damiani, J. Taylor, F. Jegher, D. Sanborn etc., and has performed in many important International Festivals such us the French-Italian Festival of Jazz and Improvisation in Rome with the S. Cecilia Jazz Orchestra; the Roccella Jonica Jazz Festival – where he opened the concert for Wayne Shorter Quartet and then plays with the ethno-jazz ensemble of D. Montenegro - in 2005; the Bitonto Jazz Festival 2007 – where he opened the concert for the Mike Stern Band; the International Music Fest of Rome. He was semifinalist at the TIM in Marseille as well as at the Montreux Jazz Piano Solo Competition 2005, at which he was the only Italian to compete. He has played in several line-ups including the S. Cecilia Jazz Quartet, in duo with Paolo Damiani and in the P. Damiani Group, in trio with Ettore Fioravanti, Roberto Gatto and in quartet with Aldo Bassi; he has played also with D. Torto, W. Paoli, P. Condorelli, A. Onorato; in the USA with Mike Stephans, Tony Marino, Tony Moreno, Marc Mommaas; in Canada with Alec Walkington and Dave Laing (McGill University of Montréal). He has played in several international theatres and concert-halls such as the Teatro Vespasiano of Civitavecchia, Anfiteatro Romano of Benevento, Teatro Cilea and Maschio Angioino in Napoli, Real Palace of S. Leucio Caserta, Villa Pamphilj – Rome, University of Cosenza, Rome Conservatory Academic Hall, Teatro dei Contrari, Villa Giulia and Palazzo Farnese in Rome, the Deer Head Inn in Delaware GAP – Pennsylvania, USA, Upstairs Jazz Club in Montréal, Quebec...Last year he was selected by the YAMAHA Corporation to be one of the piano and keyboard performers for Italy. He has played on programmes for Rai, Rai Sat and Mediaset. He has recorded the CD "MP2 live" for the Splasc(H) Records Label and the "Solinsieme" for the Domani Musica Music and Discography Editions, still in distribution, and many other self recorded CDs. In 2006 he won the International Competition of Composition "O. Sindici" – Ceccano and the price for which was publication of a collection of original compositions for piano solo featuring a language in the area between jazz and contemporary music, by BÈRBEN International Music Edition. In 2007 he was finalist in the Roma Soundtrack Competition for composers, with an original composition for strings trio and piano. He was been reviewed by some of Italian’s top critics such as Franco Fayenz, Giordano Selini, Vittorio Lo Conte… He was noted in the category ‘best new talents 2006’ in Top Jazz, the Italian Jazz Music Referendum. He is ranked in the list of the most Italian State Music Conservatories (Rome, Venice, Ferrara, Genova, Pesaro, Potenza, Fermo, Frosinone, Trieste, Brescia, Parma, Como, Bari, Alessandria, Torino...). Last April he held a seminar for the Jazz Music class of the ‘S. Cecilia’ Rome Conservatory, about the development of languages in jazz (the topic of his book). He composed Pianogrups vol. 1 e 2 published by Berben Editions, Birth from a bird for piano published by the Florestano Editions. Now, he is working for RAI as music consultant for Italian National Television and he is teaching - as Music Conservatory Professor - for the instruction of the ' jazz piano elements' discipline at the S. Cecilia Conservatory of Rome.

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Vittorio Mezza Trio - Same
feat
Massimo Moriconi double bass
Ettore Fioravanti Drums
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Clarence Bucaro - New Orleans

2010-01-12T16:14:00.001+01:00

>"New Orleans is a record that manages to feel deeply peersonal, soulful and uniquely American; with 29 year old Bucaro's voice sounding like the perfect cross between Ben Harper and Brett Dennen."
- The Music File

"...warm cozy songs that hark back to late 70's Van Morrison"
- New York Times

New Orleans, the new release by Hyena Records' newest artist, Clarence Bucaro, was released on October 13 and so far the reviews have been great!

The Cleveland, Ohio native moved to New Orleans in 2004 after a long two-year haul touring the U.S. and Europe and hiking the entire length of the Appalachian Trail. Inspired by his new home and a new relationship, Bucaro teamed up with longtime mentor and collaborator Anders Osborne and recorded a collection of freshly penned songs in a single six-hour session. Bucaro adandoned the project, however, immediately after laying the tracks to tape, the personal nature of the material weighing heavy on him. Soon thereafter, he would head west to Los Angeles to find new direction before eventually settling a year later in New York City. After the 2008 release of his critically acclaimed 'Til Spring, Bucaro decided to open up the material from the "New Orleans" session, going on to complete it and now share it for release.

The final results are 10 intimate songs that range from the sweet syncopated soul of "Let Me Let Go of You" to the skewed rocker "The Other End," the pleading gospel-tinged "Light in Your Eyes" to the intimate ballads "Matter of the Heart," "On My Coast" and "Abandoned Mine." The warm tone of the recording paired with Bucaro's love worn lyrics and heartfelt delivery call to mind artists like Jackson Browne and Van Morrison, but never impeding on his uniqueness as an artist.

Luther Dickinson & The Sons Of Mudboy - Onward adn Upward

2010-01-08T12:06:00.000+01:00

" I refuse to celebrate death. My life has been a miracle of more than I ever expercted or deserved. I have gone father and done more than I had any right to expect. I leave behind a beautiful family and many beloved friends. Take reassurance in the glory of the moment and the forever promise of tomorrow. Surely there is light beyond the darkness as there is dawn after the night. I will not be gone as long as the music lingers. I have gladly given my life to memphis music and it has given back a hundredfold. It has been my fortune to know truly great men and hear the music of the spheres May we all met again at the end of the trail."
May God bless and keep you.
World boogie is coming,
James Luther Dickinson

Three days after the death of his father, Memphis (and Muscle Shoals and Miami) music legend Jim Dickinson, Luther Dickinson opened the doors to the family’s Zebra Ranch studio in Independence, Mississippi and recorded Onward and Upward, an album of gospel songs and hymns over the course of a few hours. Luther, one third of the North Mississippi All-Stars and now a member of The Black Crowes, was joined by an ad hoc group dubbed “The Sons of Mudboy” (an homage to his late father’s influential rock band Mudboy and the Neutrons) who were all close to Dickinson the elder and wished to address his loss in a musical way. The Sons of Mudboy include two veterans of the original Mudboy: Sid Selvidge (guitar, vocals) and Jimmy Crosthwait (washboard, vocals). Also on the session were Jimbo Mathus (guitar, mandolin, banjo, vocals) formerly of the Squirrel Nut Zippers and of the South Memphis String Band, Steve Selvidge (guitar, dobro, vocals) and Paul Taylor (washtub bass) as well as vocalist Shannon McNally.

Inspired by Dickinson pater familias, Luther and company duplicated the sound of mid-Century era reel-to-reel filed recordings, using only two microphones plugged directly into a two-track ½ inch tape recorder: no mixing after the fact. Ardent’s John Fry and Larry Nix mastered the tracks directly from the two track to the lacquer masters. Most of the songs were nailed in just one take with just a few exceptions and those were completed in no more than three takes. “That’s just how we do it,“ Luther muses.

The songs are part of Luther’s musical heritage. He grew up hearing “Softly and Tenderly” and “Leaning on the Everlasting Arms” at the Second Avenue Baptist Church in Memphis where his paternal grandmother played piano. He learned “His Eye Is On The Sparrow” from a hymnal that his father shared with him – his mom, Mary Lindsay Dickinson, actually sang it to him in the hospital where her husband was being treated during his last days. Mississippi Fred McDowell’s album “Amazing Grace” is the source of both “Back Back Train” and “Keep Your Lamp Trimmed and Burning” and Luther had been known to perform them with the late Otha Turner who closed every show with “Glory Glory,” also included on Onward and Upward. “Let It Roll” is an original that sprang to Luther’s mind at the moment he was loading in the analog tape machine on the day of the recordings. Another original, “Up Over Yonder” was written the day Luther’s grandmother passed away.

The inspiration for the album’s title came from the legendary Sam Phillips who wrote a heartfelt ode to Luther’s dad a while back:

“Shade of anticipation is the ever present glint in Jim D’s eye.
Hearing strange noises that others let pass by.
Music that make you shout walk the backs of gospel benches,
Makes you moan yes, even cry
it be could – it may be
it is Jim D’s soul of sound bouncing off the sky.”

David Essig - Rebel Flag ( Ap 072 )

2010-01-05T13:09:00.001+01:00

DAVID ESSIG was introduced to Canadian audiences in 1971 as a "talented newcomer" at the legendary Mariposa Folk Festival. Now, over 30 years later, he is considered one of Canada's finest interpreters of original, contemporary folk music. Always paying homage to his roots in Bluegrass and Country Blues, David uses these traditions to create new songs that are both timely and timeless. His intense energy and incisive wit have made him a favourite with audiences around the world...

David is highly respected as a thoughtful and intelligent songwriter, with Canadian folk standards like “Albert’s Cove” and “High Ground” to his credit. His work moves from pieces as contemporary as today’s news, to songs that sound as if they were rediscovered from old country blues 78’s. These are songs that tell stories and paint portraits that will start you laughing and leave you crying.

Equally renowned as an instrumentalist and traditional performer, David is a master of the blues and slide guitar. Whether on the lap-style Weissenborn or the electric Godin guitar, his spontaneous style crosses all the borders between country, blues and the avant-garde. And with his 5/8” socket and a sound that could peel the petunias off your mother’s porcelain, he is considered one of Canada’s great slide guitarists.

David's masterful songwriting is the theme of A Stone in My Pocket, the milestone double CD project released in 2004 by Pacific Music in Canada and IRD in Europe. For this album, David recorded fresh new versions of 30 of the most popular and moving songs from his 35 years of writing, including 2 new songs recorded here for the first time. He was joined on this project by renowned musicians Oliver Schroer on violin and Tobin Frank on bass. With David adding nearly 100 guitar parts to the original trio sessions, A Stone in My Pocket has received critical aclaim as a landmark in Canadian roots music.

Julie Fowlis - Uam ( From Me )

2009-11-27T11:47:00.001+01:00

The title of this album "Uam" means "from me" in English. The idea of passing a song, a tune or a story from one person to another is a common one throughout Gaelic Scotland, and I often feel being given a song is like being given a gift. One you can use and enjoy yourself, but one which ultimately must be passed on to someone else. The song is always more important than the singer and must be passed on to survive.

This album represents much of my own background, upbringing and musical experiences over the last few years. It also repreents the sound that people have come to expect from our concerts over recent times - the backbone duo of myself and my husband, Eamon Doorley, with lyrical highland fiddler Duncan Chisholm, driving guitarist Tony Byrne from Dublin plus the rhythmic beats of Martin O'Neill's bodhran playing. I am very pleased to welcome some long term friends and extraordinary musicians to the album too - Phil Cunningham, Mary Smith, Eddi Reader, Allan MacDonald, Jerry Douglas, Sharon Shannon and Ewen Vernal, plus of course our own family members Tom Doorley and Michelle Fowlis.

So here we are !
Julie

Since being presented with her award as BBC Radio 2 Folk Singer of the Year 2008 by KT Tunstall, the Daily Telegraph's prediction that "Fowlis could be the first Scottish Gaelic crossover star in the making" has seemed increasingly prescient.

Indeed Julie Fowlis is no stranger to awards and distinctions, winning Gaelic Singer Of The Year & Album Of The Year at the Scots Trad Music Awards 2007 and nominated for the third year in a row as BBC Radio 2 Folk Singer of the Year (the first ever Scottish Gaelic singer to win this prestigious award when given the title in 2008). Her single 'Blackbird' was also playlisted on BBC Radio 2, the first Scottish Gaelic artist to be playlisted in such a manner. She was also the first Scottish Gaelic artist to appear on the legendary show 'Later…with Jools Holland” in 2007.

She is perhaps most proud of her award as Scotland's Gaelic Ambassador - "Tosgaire na Gàidhlig", bestowed by the Scottish Parliament in 2008, the first person to ever receive this honour.

Since the release of her award-winning album 'cuilidh' in 2007 Julie has spent much time developing her own sound with a top-class touring band including husband Éamon Doorley, Dublin's Tony Byrne, Highlander Duncan Chisholm and bodhrán champion Martin O'Neill. This formidable line-up has become synonymous with emotive, expressive and high energy live shows.

Still finding time for collaborations with other musicians, Julie has recently worked with artists as diverse as Bill Whelan, John McCusker, Eddi Reader, Jayme Stone, and Salsa Celtica. She recently worked with Bill Whelan (Riverdance, Timedance) to produce a new piece of music, the World Premiere of which was on St Patrick's Day in Belfast 2009. As part of the internationally acclaimed Transatlantic Sessions 4 series, she has also been honoured to sing with James Taylor, Martha Wainwright, Stuart Duncan, Ronan Browne, Allan MacDonald, Liam O' Maonlai (Hothouse Flowers), Maireád Ní Mhaónaigh (Altan), Mike McGoldrick, Phil Cunningham, Tim O'Brien and Karen Matheson (Capercaillie).

In addition to having one of the busiest music touring schedules in Scotland, Julie has now delved into the world of broadcasting, presenting her very own show 'Fowlis and Folk' on BBC Radio Scotland for the second year running and also presenting regularly for television on Scotland's new Gaelic digital channel, BBC ALBA.

In the last year Julie has also worked on two other acclaimed recordings – the 'dual' project – an exploration of musical connections between Gaelic Scotland and Ireland with her husband Éamon Doorley, Irish songstress Muireann Nic Amhlaoibh and Lochaber's Ross Martin, and 'Under One Sky', John McCusker's ambitious crossover project featuring the likes of John Tams, Iain MacDonald, Graham Coxon (Blur) and Norman Blake (Teenage Fanclub).

Julie is currently also studying for a Masters degree through Scotland's only Gaelic College 'Sabhal Mòr Ostaig' in 'Material Culture and the Environment', exploring in depth the culture and social history of the Highlands and Islands of Scotland, in it's European context.

For Julie is a passionate torchbearer for the culture of her native Western Isles. And, coupled with her extraordinary talent, it is this quiet determination to celebrate the music of the Outer Hebrides and Highlands of Scotland on its own terms that ensures that Scots Gaelic music is reaching a wider audience than ever before.

Ricordiamo che il cd
Julie Fowlis - Uam ( From Me )
è distribuito in Italia da Ird spa
Sito web : www.ird.it

Kantango - Ida Y Vuelta ( Mircocosmo Edizioni )

2009-11-26T15:31:00.001+01:00

kantango invite you to a journey, under the guise of a tango, a journey of "ida y vuelta" – a “round trip” to those who do not speak spanish – as well as the title of their new album, a journey to and from the tango, and from the thousand nations of the world from which come the many artists who have helped to release this new project, a trip to and from the testing (linked to tango, but also disconnected from it).

and here's the places that are the secret map of this new album, the places and people that bring them in and who have put their own in this project alongside kantango same: the france of richard galliano and the peru of susana baca (which for the first time they play togheter to a reworked version of “canzone ‘e sotto ‘o carcere”, of the straight napolitan raffaele viviani), the cape verde of lura of that in "canta um tango” weaves with his voice exotic and valuable canvasses, the tunisia of marzouk mejri that turns "k4dark" in a colorful suk, or the u.s. of rupa which lends her voice to the persuasive and beautiful hybrid "orphaline". but amada also, who in "dejame" invites us, through a milonga, to a sunny and superb summer.

to seal all, a large string orchestra accompanies kantango through original songs or great masterpieces like "la chanson des vieux amants" by jacques brel.

discovered and produced by joe barbieri, the kantango - here, you see - invite you to leave. take a suitcase that is big and generous.
the journey begins...

Ricordiamo che il cd
Kantango - Ida Y Vuelta
è distribuito in Italia da Ird spa
Sito web : www.ird.it

Tracklist

01. erabundo (
02. dejame (feat amada)
03. rain
04. canta um tango (feat lura)
05. la chanson des vieux amants brel
06. milonga
07. k4dark (feat marzouk mejri)
08. canzone 'e sotto 'o carcere (feat susana baca and richard galliano)
09. la influencia del principe de las piernas cortas
10. orphaline (feat rupa)
11. naranjas

2009-11-23T13:02:00.001+01:00

“You can tell immediately that John’s approach to jazz is both new and refreshing; showing great respect for both the melody and the lyric — a rare thing among jazz vocalists. I’ll bet that Chet Baker is looking down on John saying, ‘Yeah, John, go for it’.”

-- William Claxton (Jazz photographer)

“This introduction to young, talented John Proulx does a great job of showing us what he is about: Strong musicianship, great intonation, mellow swing and a soothing, almost vibrato- less Chet Baker like tone quality. Bravo, John!”

-- John Clayton (3-time grammy nominated bassist, composer, and conductor)

"It's takes a lot of imagination as well as natural talent to make jazz standards sound fresh and vital. John sings and plays so beautifully and is an outstanding songwriter as well. He's simply a joy to hear"

-- Michael Feinstein

John's latest CD on MAXJAZZ, "Baker’s Dozen-Remembering Chet
Baker” is a tribute to the late trumpet player and vocalist. It features
legendary musicians Chuck Berghofer, Joe LaBarbera, and special
guest, Dominick Farinacci on trumpet. John’s 2006 debut CD, “Moon
and Sand”, has garnered national and international acclaim, and his
fan base is quickly growing. In addition to his own trio, John has
performed with the likes of Anita O'Day, Natalie Cole, and Marian
McPartland.

John is also a Grammy-winning composer. Jazz legend, Nancy Wilson,
recorded "These Golden Years", a song that John co-wrote with lyricist
D. Channsin Berry, for her 2006 Grammy-winning CD, Turned to Blue.
Jazz singer, Mary Stallings, also recorded "Stuck in a Dream", a tune
John co-wrote with lyricist K. Lawrence Dunham, on her 2005 release,
Remember Love.

John began his formal musical education at the age of 3 in Grand
Rapids, MI on Suzuki violin, but quickly switched to classical piano
lessons. His grandfather, Clyde Proulx, was a jazz guitarist who
introduced him to the world of jazz. Hooked on the freedom of
improvisation, his education took him to Chicago to study at Roosevelt
University’s Chicago School of Performing Arts. In 2001, John moved
to Los Angeles to further his musical pursuits. He has emerged as a
young talent on the Los Angeles jazz scene and loves the wide-range
of opportunities the city has to offer.

Ricordiamo che il cd
John Proulx - Baker's Dozen
è distribuito in Italia da Ird spa
Sito web : www.ird.it

Guy Clark - Somedays The Song Writes You

2009-11-19T11:54:00.001+01:00

When Guy Clark discusses the art and craft of songwriting, people listen. He has, after all, been writing songs of uncommon quality for nearly four decades, songs like “L.A. Freeway,” “Desperados Waiting For a Train,” “The Randall Knife,” and “Texas, 1947.” Some of them have been snatched up and recorded by other distinctive artists, many of whom are no slouches in the songwriting department themselves (“She’s Crazy For Leaving” by Rodney Crowell, “New Cut Road” by Bobby Bare, “Let Him Roll” by Johnny Cash and “Heartbroke” by Ricky Skaggs, to name just a few), while others have filled out the ten studio albums bearing Clark’s name, beginning with his 1975 debut, Old No. 1. He’s just added an eleventh entry to his enduring body of work, Some Days the Song Writes You.

Songwriting legend Guy Clark doesn't merely compose songs; he projects images and characters with the kind of hands-on care and respect of a literary master. Clark works slowly and with strict attention to detail, and has produced an impressive collection of timeless gems, leaving very little waste behind. The emotional level of his work, as well as the admiration and esteem of his peers, consistently transcends sales figures and musical genres. Using everyday language to construct extraordinary songs for more than 35 years, Clark continues to be the type of songwriter whom young artists study and seasoned writers, as well discriminating listeners, revere.

Born in Monahans, Texas, on November 6, 1941, Clark grew up in a home where the gift of a pocketknife was a rite of passage and poetry was read aloud. At age 16 he moved to Rockport, on the Texas Gulf Coast. Instructed by his father's law partner, he learned to play on a $12 Mexican guitar and the first songs he learned were mostly in Spanish.

Moving to Houston, Clark began his career during the "folk scare" of the 1960s. Fascinated by Texas blues legends like Mance Lipscomb and Lightnin' Hopkins and steeped in the cultural sauce piquante of his border state, he played traditional folk tunes on the same Austin-Houston club circuit as Townes Van Zandt and Jerry Jeff Walker. "It was pretty 'Bob Dylan' in the beginning," Clark said. "Nobody was really writing." Eventually, Clark would draw on these roots to firebrand his own fiddle-friendly and bluesy folk music, see it embraced as country and emerge as a songwriting icon for connoisseurs of the art.

Moving to San Francisco in the late 1960s, as social unrest was erupting through racial and generational fissures, Clark worked briefly in a guitar shop, returned to Houston for a short time, and then moved to the Los Angeles area, where he found work building guitars in the Dopyera Brothers' Dobro factory and signed a publishing agreement with RCA's Sunbury Music before pulling up stakes and relocating to Nashville in 1971.

The following year, country-folk singer-songwriter Jerry Jeff Walker, then newly ensconced in Austin, released an eponymous album featuring the Clark composition "L.A. Freeway," which became an FM radio hit. In 1973, Walker released Viva! Terlingua, recorded live in a Texas dance hall and including Clark's ballad "Desperados Waiting for a Train." As much as any others, these two Clark songs may arguably be said to have set the tone for a musical revolution that was first known as progressive country. By 1975, many of the revolutionaries would be defined as the Outlaws. Like the Bakersfield sound of the 1960s, the new sounds were a reaction to the formulaic rigidity and paternalism of Nashville's record producers and label executives.

In this alternative musical world of the late 1960s, inspired by the storytelling poems of Robert Frost and Stephen Vincent Benet, Clark began to write what he knew "with a pencil and a big eraser." "L. A. Freeway," for example, blueprints his fish-out-of-water experience in Los Angeles. "Desperados Waiting for a Train" is based on his memory of an oilfield worker who was a resident of his grandmother's hotel. Like almost all his songs, then and now, these two early masterpieces are expressions of personal memory and experience, further characterized by words that have a melody all their own.

Clark's move to Music City, one of three cities where Sunbury had offices and where his pal Mickey Newbury would make him welcome, proved fortuitous. Clark and his wife, Susanna, would become the axis for a groundbreaking fraternity of singer-songwriters for whom Nashville felt like "Paris in the '20s." Among them were Newbury, Van Zandt, Rodney Crowell, Billy Joe Shaver, Steve Earle, Dave Loggins and David Allen Coe. Bonded by their egalitarianism, the troupe's favored sidewalk cafe was the Clark's dining room table, where they gathered frequently for "guitar pulls" and show-and-tell song swapping sessions, and where they celebrated their successes and facetiously threatened to kill whoever had presented the best new song. Susanna Clark, a talented painter, tossed her brushes aside for awhile, joined the invasion and began writing hit songs herself.

In 1975, after using his big eraser on his first try at cutting an album, Clark made his recording debut on RCA Records with Old No. l, ten critically applauded originals built to last, including "L. A. Freeway," "Desperados Waiting for a Train," "Texas, l947," "Instant Coffee Blues," "Rita Ballou," "She Ain't Goin' Nowhere," "Let Him Roll," "A Nickel for the Fiddler," "That Old Time Feeling" and "Like a Coat From the Cold." On the cover, the songwriter is pictured with his wife's painting of his chambray "work shirt," customary attire emblematic of his values. During the next 20 years, Clark would continue to record albums that worked like a stun gun on other artists in search of new songs. The weaponry included Texas Cookin' (1976), Guy Clark (1978), The South Coast of Texas (1981), Better Days (1983), Old Friends (1989), Boats to Build (1992), Dublin Blues (1995), Keepers - a Live Recording (1997), Cold Dog Soup (1999) and The Dark (2002). The recordings include numerous collaborations with old and new friends such as Crowell, Emmylou Harris, Vince Gill, Albert Lee and Rosanne Cash.

Nashville legend Johnny Cash, who then had been topping the charts for 20 years, was among the first Nashville recording artists to embrace Guy Clark's music. His interpretation of "Texas, 1947" was a 1975 chart hit, followed in 1977 by Clark's "The Last Gunfighter Ballad." In 1987, Cash would also cover Clark's "Let Him Roll." In 1982, famed songsmith Bobby Bare made it to the country Top Twenty with Clark's "New Cut Road." That same year, bluegrass icon Ricky Skaggs escalated his mainstream trajectory with Clark's "Heartbroke," a #1 song that permanently established Clark's reputation as an ingenious songwriter. Among the many others who have gilded their careers with Guy Clark songs are Vince Gill, who took "Oklahoma Borderline" to the Top Ten in 1985; the Highwaymen, who introduced "Desperados Waiting for a Train" to a new generation that same year; and John Conlee, whose interpretation of "The Carpenter" rode into the Top Ten in 1987. Steve Wariner reached the Top Five with the Clark cover "Baby I'm Yours" in 1988, and the same year Asleep at the Wheel charted with his "Blowin' Like a Bandit." Crowell was Clark's co-writer on "She's Crazy for Leavin'," which in 1989 became the third of five straight #1 hits for Crowell. More recently Brad Paisley covered Clark's "Out in the Parking Lot" on his Time Well Wasted CD, and parrotheads are listening to Jimmy Buffett's interpretation of Clark's "Boats to Build."

Masterful and charismatic in live performance, Clark has built a devout U.S. and international following through years of touring prestigious clubs and concert halls. In 1990, Guy Clark was the catalyst for a series of Marlboro Music festival performances introducing the "guitar pull" to wider audiences. In various combinations of four singer-songwriters including Lyle Lovett, John Hiatt, Joe Ely, John Prine and Mary Chapin Carpenter, Clark and his colleagues mesmerized SRO audiences with their humor, spontaneity, storytelling and songs. As a result, guitar pulls became a new tradition in clubs like New York's Bottom Line, and popular understanding of the depth and breadth of the music made in Music City has deepened. Clark, Ely, Hiatt and Lovett continue to perform as the Songwriter Tour, taking "guitar-pulls" to prestigious venues across the country.

Guy Clark remains a national treasure and folk icon, crafting masterful, poignant melodies and insightful lyrics. Tough, bare-boned and dryly sentimental, his beautiful songs reflect the man himself and display an old-fashioned masculinity that emphasizes honesty, integrity and carefully chosen words. His craggy, wistful story-songs, and plain-spoken delivery are also indicative of his persona. Inducted into the Nashville Songwriters Foundation's Songwriters Hall of Fame in 2004, Clark was honored with the Americana Music Association's Lifetime Achievement Award for Songwriting in 2005. The following year, the Country Music Hall of Fame and Museum named Guy Clark as its prestigious 2006 Artist-In-Residence. Workbench Songs (2006), released to universal critical acclaim and the delight of his worshipful fans, was nominated for the 2007 Grammy award as Best Contemporary Folk/Americana Album.

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Guy Clark - Somedays The Song Writes You
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Ben Sidran - Dylan Different

2009-11-18T12:40:00.001+01:00

"I met Bob Dylan once, a long time ago. He was an electrified wolf pressed up against the back of a booth at the Marigold Ballroom in Minneapolis. I saw him from the stage and told my Albert Grossman joke : "Here's a man whose last name should have been hyphenated."
After the set I went over to the booth and said "Bob you influenced me a lot."
Bob saiad "Oh, yeah ?"
Speaks were coming off of him. I passed Bob Dylan on a stairway once, fifteen years ago. He was coming down and I was going up. His security guy was walking in front of him, like he was clearing the road of lepers, and he said to me, "Get Back!".
Bob was looking down at his feet. He never looked up.
Under his hood, he looked just like a ghost. I dreamed about Bob Dylan once. It was just last year. I was standing in this long line. And everybody in the line had a stack of cards with writing on 'em and we were all just waiting to go into this big room and justify our lives by putting the cards in order.
And I had a plan.
I was gonna turn all my cards over so they looked like they were blank and I was gonna hand them in that way. And there was a long line of people coming out of that big room too and one of them was Bob Dylan. And he said, "Ben, what are you gonna do ?" And I showed him my cards and he handed me a pencil and said, " Man, you better get busy !"
I wrote a song for Bob Dylan, just hte other day. The chorus goes like this :
"We are the tears of a man in Thailand that wash up on a distant shore
We are the wings of a butterfly in China that started the oceans' roar
We are the straw that broke the camel's back, the bull in the china store
We are here but for a minute and gone for a whole lot more"
I never played it and maybe I never will.
But I know one thing.
If I ever meet Bob Dylan again, I'm not gonna bring it up. "

Ben Sidran

Ben Sidran has been a major force in the modern day history of jazz and rock & roll having played keyboards with or produced such artists as Steve Miller, Mose Allison, Diana Ross, Boz Scaggs, Phil Upchurch, Tony Williams, Jon Hendricks, Richie Cole and Van Morrison.
It's been a long and varied journey for Ben Sidran—from playing boogie woogie piano as a six year old in Racine, Wisconsin, leaning into his jazz records, listening to a Blue Mitchell solo "literally like an Eskimo huddled around a fire", to growing up to play boogie woogie piano around the world and, eventually, recording with Blue Mitchell on his first solo album. Despite the reality that Sidran is better known in Europe and Japan than in America—a fact of life for most jazz musicians—Ben Sidran is an American success story.

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Ben Sidran - Dylan Different
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Track List

Everything Is Broken
Highway 61 Revisited
Tangled Up In Blue
Gotta Serve Somebody
Rainy Day Woman
Ballad of a Thin Man
Maggie's Farm
Knockin' On Heaven's Door
Subterranean Homesick Blues
On The Road Again
All I Really Want To Do
Blowin' in the Wind

Ben Sidran — Vocals, Piano, Wulitizer, Hammond B3, Fender Rhodes

Alberto Malo — Drums and Percussion

Marcello Giuliani — Acoustic and Electric Bass

Rodolph Burger — Guitar, Vocal on "Blowin' in the Wind"

Bob Malach — Tenor Saxophone, Flute, Bass Clarinet

Michael Leonhart — Trumpet, Flugelhorn

Amy Helm — Background Vocals

Georgie Fame — Vocal and Organ on "Rainy Day Woman #12 & 35"

Jorge Drexler — Vocal on "Knockin' on Heaven's Door"

Leonor Watling & Luca — Backgroiund Vocals on "Knockin' on Heaven's Door"

Enrico Pieranunzi - Wandering ( Cam Jazz )

2009-11-05T16:46:00.002+01:00

Not only is Enrico Pieranunzi considered the best jazz composer and pianist in Europe, he is also regarded as an amazingly prolific artist. The ideas and the music never stop. Perhaps that creative restlessness is why he named his third release of 2009, Wandering. The recording is his 14th for the acclaimed Italian jazz label, CAM Jazz, which will release the new music in the United States on October 13, 2009 in digital form only.
Pieranunzi’s release of three recordings this year presents a unique opportunity to understand his diverse influences and distinctive voice in light of these very different discs. With Enrico Pieranunzi Plays Domenico Scarlatti , the fearless Roman took on an unprecedented challenge: improvising on the sonatas of the famous classical composer Domenico Scarlatti. He followed that with the ephemeral Dream Dance, the seventh album he’s recorded with his long-time American partners, bassist Marc Johnson and drummer Joey Baron.
Now with Wandering, he returns to solo form such as on Scarlatti, but returns to his own evocative compositions and mastery of his own personal process. As always, Pieranunzi plays elegantly and with such astute technical ability that it heightens the tension for the listener. He also captures the emotional undercurrents of the music expertly, stoking our imaginations.

Writes Paul Benkimoun in the liner notes,
“Harmonic and melodic progressions appear as events in the course of the stories told in Wandering… ‘Fermati A Guardare Il Giorno’ has this evocative power. Who knows why ‘Wandering 2,’ as ‘Dark,’ engender black and white images…With its repeated bass vamp, ‘Improstinato 2’ too recalls a dark menace…A master in creating atmospheres, Enrico Pieranunzi allows us to hear all of the tenderness which he is capable of in the tune ‘Rosa Del Mare’; … ‘For My True Love’ finds its intensity in the delicacy with which Pieranunzi exposes in different ways the same thing: words of love…Through the multiple facets which make up each of its pieces, Wandering yields a portrait of Enrico Pieranunzi. Thanks to a magnificent pianistic mastery, to an extended dynamic and to the amplitude of his sound palette, the artist manages not to be repetitive albeit remaining himself in every instant.”

Ricordiamo che i cd
Enrico Pieranunzi - Wandering
Enrico Pieranunzi - Plays Scarlatti
Pieranunzi - Johnson - Baron - Dream Dance
sono distribuiti in Italia da Ird spa
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John Gorka - So Dark You See

2009-10-29T12:13:00.003+01:00

"this is the real deal" - All Music Guide

"Nobody turns a phrase like John Gorka...engaging melodies...captivating lyrics." - CMT.com

"I think of this record as a little folk festival with many voices and more than one style of music." - John Gorka

The album looks back to his roots in traditional folk music with a contemporary feel. As one of the premier songwriters in music, this album shines light on timeless stories of love and war with catchy melodies and soulful vocals.

Godfrey Daniels is one of the oldest and most venerable music institutions in eastern Pennsylvania. A small neighborhood coffeehouse and listening room, it has long been a hangout for music lovers and aspiring musicians, and, in the late 1970s, one of these was a young Moravian College student named John Gorka. Though his academic course work lay in Philosophy and History, music began to offer paramount enticements. Soon he found himself living in the club’s basement and acting as resident M.C. and soundman, encountering legendary folk troubadours like Canadian singer/songwriter Stan Rogers, Eric Andersen, Tom Paxton and Claudia Schmidt. Their brand of folk-inspired acoustic music inspired him, and before long he was performing his own songs - mostly as an opener for visiting acts. Soon he started traveling to New York City, where Jack Hardy’s legendary Fast Folk circle (a breeding ground for many a major singer/songwriter) became a powerful source of education and encouragement. Folk meccas like Texas’ Kerrville Folk Festival (where he won the New Folk Award in 1984) and Boston followed, and his stunningly soulful baritone voice and emerging songwriting began turning heads. Those who had at one time inspired him - Suzanne Vega, Bill Morrissey, Nanci Griffith, Christine Lavin, Shawn Colvin - had become his peers.

In 1987, the young Minnesota-based Red House Records caught wind of John’s talents and released his first album, I Know, to popular and critical acclaim. With unusual drive and focus, John hit the ground running and, when an offer came from Windham Hill’s Will Ackerman in 1989, he signed with that label’s imprint, High Street Records. He proceeded to record five albums with High Street over the next seven years: Land of the Bottom Line, Jack’s Crows, Temporary Road, Out of the Valley and Between Five and Seven. His albums and his touring (over 150 nights a year at times) brought new accolades for his craft. Rolling Stone called him “the preeminent male singer/songwriter of the new folk movement.” His rich multi-faceted songs full of depth, beauty and emotion gained increasing attention from critics and audiences across the country, as well as in Europe where his tours led him through Italy, Belgium, Scotland, Ireland, Holland, Switzerland and Germany.

Many well known artists have recorded and/or performed John Gorka songs, including Mary Chapin Carpenter, Nanci Griffith, Mary Black and Maura O’Connell. He also started sharing tours with many notable friends—Nanci Griffith and Mary Chapin Carpenter among them. All this has brought his music to an ever-widening audience. His video for the single “When She Kisses Me” found a long-term rotation on VH-1’s “Current Country,” as well as on CMT and the Nashville Network. John also graced the stage of Austin City Limits, appeared on CNN, and has been the subject of other national programming.

In 1998, after five successful recordings and seven years at Windham Hill/High Street, John felt the need for a change and decided to return to his musical roots at Red House Records. The choice was driven, in part, by the artistic integrity that the label represents in an industry where the business of music too often takes precedence. His 1998 release After Yesterday marked a decidedly different attitude towards making music for John, and his next release The Company You Keep held fast to John’s tradition of fine songwriting, yet moved forward down new avenues. Its fourteen songs displayed John’s creative use of lyrics and attention to detail. Andy Stochansky played drums and shared production credits with John and Rob Genadek. Ani DiFranco, Mary Chapin Carpenter, Lucy Kaplansky and Patty Larkin contributed stellar guitar work and vocals to this fan favorite. Old Futures Gone was informed by his life as husband and father of two young children and also contained the colorful experience of many hard years on the road. Writing in the Margins followed and was an engaging collection of sweet and serious songs that spanned many musical genres—folk, pop, country and soul— and featured guest vocalists Nanci Griffith, Lucy Kaplansky and Alice Peacock.

Now with this, his 11th studio album, he returns to his roots with So Dark You See, his most compelling and traditional album to date. In addition to his 11 critically acclaimed albums, John released a collector’s edition box featuring a hi-definition DVD and companion CD called The Gypsy Life. Windham Hill has also recently released a collection of John’s greatest hits from the label called Pure John Gorka. Many well known artists have recorded and/or performed John Gorka songs, including Mary Chapin Carpenter, Nanci Griffith, Mary Black and Maura O’Connell. John has graced the stage of Austin City Limits, Mountain Stage, etown and has appeared on CNN. His new song “Where No Monument Stands” is featured in the upcoming documentary Every War Has Two Losers, about activist Oregon Poet Laureate William Stafford (1914-1993).

The Jazz Tribe - Everlasting ( Red Records )

2009-10-26T18:40:00.000+01:00

The Jazz Tribe are :
Ray Mantilla
Bobby Watson
Jack Walrath
Xavier Davis
Curtis Lundy
Victor Lewis

The Jazz Tribe è un gruppo ideato da Alberto Alberti per un concerto organizzato nei primi anni 90 al festival jazz di La Spezia in cui riunì, per l'occasione e come amava fare spesso con abilità e talento, alcuni dei suoi musicisti preferiti: Bobby Watson, indiscutibilmente colui che ha spostato in avanti il linguaggio del sax alto con uno stile personale e innovativo; Ray Mantilla, percussionista di punta del Latin Jazz e della storia del jazz moderno, vantando innumerevoli collaborazioni sia con grandi maestri fra cui Art Blakey, Herbie Mann. Stan Getz, Max Roach sia come leader di suoi gruppi; Jack Walrath, per anni trombettista e arrangiatore di Charles Mingus, leader di suoi gruppi e musicista dallo stile personale e innovativo; il compianto Walter Bishop Jr. uno dei pianisti di Charlie Parker e della Be Bop era; Joe Chambers, batterista fra i più importanti della storia del jazz moderno; come ospite in alcuni brani, Steve Grossman, uno dei tenoristi più significativi della post Coltrane Age assieme a J. Bergonzi, M. Brecker, B. Berg, D. Liebam e pochi altri. Al basso c'era Charles Fambrough il quale per alcuni anni militò nei gloriosi Jazz Messengers di Art Blakey, nell'edizione che annoverava anche Wynton Marsalis e lo stesso Watson, e che, successivamente, è più o meno scomparso dalla scena ma il cui valore e spessore è assolutamente indiscutibile e dimostrato da alcuni CD registrati a suo nome.

Il concerto fu registrato e pubblicato nei primi anni 90 dalla Red Records, a futura memoria, con il titolo "The Jazz Tribe" collocandosi, allora come oggi, al crocevia delle espressioni più avanzate del mainstream jazz, ovvero, quelle confluenti con le esperienze latine e afrocubane che da sempre hanno alimentato una grande tradizione, a partire da Jelly Roll Morton, Mario Bauza, Dizzy Gillespie, Parker, Blakey, Silver, Dorham, Herbie Mann, Getz … che perdura e si allarga tutt'oggi a nuove esperienze: quella qui documentata è probabilmente una delle più significative e importanti di tutti i tempi.

All'inizio del nuovo secolo e millennio Ray Mantilla & Bobby Watson, di fatto i leaders di questo gruppo cooperativo, pensarono e proposero alla Red Records la registrazione di un nuovo Cd dal titolo "The Next Step" , quanto mai esplicativo, con materiale appositamente composto per l'occasione e una formazione aggiornata: Ronnie Mathews, un grande quanto sottovalutato pianista recentemente scomparso, al posto di Walter Bishop Jr. ; Victor Lewis, da sempre uno dei più assidui collaboratori di Bobby Watson, oltre ad essere uno dei batteristi di punta del jazz degli ultimi trent'anni e considerato da molti jazzisti come un grande musicista tout court; Curtis Lundy, collaboratore di Watson fin dai tempi dell'Università a Miami, fratello della cantante Carmen Lundy, suo bassista come anche di Betty Carter nonché leader di alcuni pregevoli registrazioni per la Sunnyside.

The Next Step non fu soltanto il nuovo capitolo di un gruppo ma fu anche l'indicazione della vitalità dell'innesto delle tradizioni afrocubane e latine in senso lato (si ascoltino, ad esempio, le influenze messicane e argentine nei due brani di Walrath) all'interno dell'alveo del grande jazz di tutti i tempi, proprio come a suo tempo avevano fatto altri grandi maestri. La tradizione in movimento, o meglio, innovare senza rivoluzionare adeguando temi, armonie e colori all'attualità del mondo contemporaneo. The Next Step fu indicato da molti come un capolavoro nel suo genere per eccellenza dei solisti, solidità del background, ritmiche innovative e di grande groove e inventiva melodica. Una delle caratteristiche della musica dei Jazz Tribe è quella di essere contemporaneamente molto fruibile dal pubblico ma anche estremamente complessa nell'esecuzione. L'innovazione consiste sia negli aspetti ritmici e armonici sia nella capacità di cogliere quella tendenza in atto del melting pot americano in cui le influenze latine sono sempre più evidenti nella società, a tutti i livelli, e si confrontano con le culture preesistenti. dando vita a nuove sintesi e a linguaggi che suonano veri e spontanei quanto nuovi e tradizionali in apparenza.
Dopo il successo della tournèe del 2007 che ha visto The Jazz Tribe suonare in diversi paesi europei riscuotendo ovunque un entusiastico apprezzamento delle platee, nell'aprile del 2008 i musicisti si sono riuniti in studio a New York per registrare le musiche che potete qui ascoltare e che erano già state rodate e collaudate precedentemente dal vivo sostituendo Ronnie Mathews, gravemente malato con il giovane e bravo Xavier Davis.
Successivamente mixato in uno studio di Kansas City da Bobby Watson con cura certosina per la qualità sonora, evidente nella chiarezza e pulizia dei suoni, questo lavoro brilla contemporaneamente per vitalità, originalità e continuità collocandosi nel novero non molto ampio di musiche che documentano il presente con profondità e sincerità esemplari e un alto livello artistico.

Sergio Veschi

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The Jazz Tribe - Everlasting
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Kris Kristofferson - Closer To The Bone

2009-10-11T22:54:00.001+02:00

Kris Kristofferson returns to the essentials of his finely honed craft on his New West album Closer to the Bone. Like the master singer-songwriter’s 2006 New West bow This Old Road, the new album is produced by Grammy Award winner Don Was. The previous collection – Kristofferson’s first recording in almost a dozen years – was hailed by critics as “one of the finest albums of his storied career” (Rolling Stone), “a stripped-down stunner” (Esquire), and “a return to his best work” (Q).

Kristofferson says, “I like the intimacy of the new album. It has a general mood of reflecting on where we all are at this end of life.”

Much like its predecessor, Closer to the Bone is a deftly observed, honestly executed work about love, separation, loss, and mortality. The subject matter ranges from the musician’s family (“From Here to Forever,” “The Wonder”) to Kristofferson’s late friend Johnny Cash (“Good Morning John”). Was views the new album as a sort of sequel to its much-acclaimed predecessor: “The recording conditions were a little more controlled, but it’s based around Kris singing and playing guitar, and nothing was to get in the way of that. If anything got in the way of it, we pulled it out. I think the two albums are completely of a piece. I love This Old Road. There’s something really immediate about it, and really profound. I personally think this is a better record, overall. It’s the songs.”

Some of the album’s songs were penned relatively recently, while others Kristofferson had never managed to successfully record. He laughs when he recalls a previous attempt to cut “Good Morning John” with Willie Nelson – like Cash and Kristofferson a member of the country supergroup the Highwaymen -- on harmony vocals: “I got to that line where I say, ‘I love you, John,’ and Willie sang, ‘He loves you, John.’ I said, ‘C’mon, Willie, you can say, ‘I love you, John.’ I guess it embarrassed him. Anyway, we ended up not putting it out then.” While the recording of Closer to the Bone doesn’t entirely replicate the off-the-cuff methodology of This Old Road – which was tracked with surround-sound equipment in a single session in the lounge of a Hollywood studio – the new album, made at the Village Recorder in West Los Angeles, aimed for the same earthy simplicity.

Most of the tracks were recorded live in the studio. Was says, “We tried to keep it as spontaneous as possible. There is some overdubbing on it, but for most of it we thought we’d try it with everybody playing.”

Was, who played bass on the sessions (as he had on the preceding album), once again drafted the other musicians who supported Kristofferson on This Old Road and a round of tour dates that followed its release: guitarist and backup vocalist Stephen Bruton (who also co-wrote the Closer to the Bone tracks “From Here to Forever” and “Let the Walls Come Down”) and drummer Jim Keltner. Rami Jaffee of the Wallflowers contributed piano and accordion overdubs.

Such searing, contemplative songs as “Closer to the Bone” and “Hall of Angels” gained a melancholy resonance in the days following the completion of sessions for the album. On May 9, 2009, Bruton – one of Kristofferson’s closest friends and musical associates for four decades – died in Los Angeles at the age of 60 after a long battle with throat cancer. The album is dedicated to his memory. “He was there while I was recording, and he was in great spirits at the time,” Kristofferson says of Bruton, who replaced Billy Swan in his band at the age of 20. “Stephen was more like a brother than a guy that worked with me. We went through a lot of years, a lot of laughter, a lot of heartache. I really felt close to Stephen. His spirit’s on the album.”

Was says of Bruton’s unique contributions to Kristofferson’s sound, “He and Kris just had a lock that Kris is never going to be able to get with anybody. It’s what comes from 40 years of playing together. They just had a way of weaving together.”

Kristofferson’s New West albums mark the culmination of a distinguished career that has encompassed the authorship of such classic American songs as “Me and Bobby McGee,” “Sunday Morning Coming Down,” and “Help Me Make It Through the Night”; stardom in such feature films as Pat Garrett & Billy the Kid and A Star is Born; honors including three Grammy Awards and a Golden Globe Award; and years of outspoken political and social activism. This November, he will be feted as a BMI Icon at the performing rights organization’s Country Awards.

In the wake of the rave reviews accorded This Old Road, the now 73-year-old performer has undertaken a vigorous schedule of international solo appearances.
Kristofferson says, “I was overseas doing a film when I got the opportunity to work in Ireland, and I didn’t have time to martial the troops. So I went out by myself, and it worked. I’ve been really surprised at selling out the shows everywhere. People are filling up the houses.

“Something was making a direct communication with the audience,” he adds, “and I guess it must be down to the essence of the songs. Because God knows, there’s better guitar players and singers. But it seems to be working with my material -- just me and the song.”

Kù

2009-10-11T22:53:00.001+02:00

Tom Ovans - Get On Board

2009-10-09T11:16:00.001+02:00

Gradito ritorno per questo songwriter di Boston, ricollocatosi ad Austin. “Get On Board” è il suo album più lirico ed intenso anche se pervaso di un pessimismo di fondo che vuole far pensare. Accompagnato dal fido cast di musicisti dei precedenti lavori, l’album è in presa diretta registrato in due giorni “live in studio”.

- Tom Ovans – Get On Board Feat. Larry Chaney (electric guitar) and Vicente Rodriguez (drums) Phil Ajjarapu, basso. Lou Ann Bardash, cori, DD Dagger e Mike Vasquez, fiati, e Jesse Hester, pianoforte.

>"a pessimistic prophet whose music is mostly stark, whose lyrics are fragmentary and poetic… the rough-hewn ballads carry a bleak beauty"
Paul Du Noyer The Word

From the industrial side of east Austin, recorded at a primitive analogue studio which shares a warehouse space with a concrete fabrication shop, comes Tom Ovans 12th album Get On Board (FW 036).

‘It's hard to find an edgy studio anymore’ says Ovans, yet the Sweat Box, owned and operated by Mike Vasquez for 16 years, fitted the bill. Walking around work benches, power tools, cement mixers and cables to get to the studio, Tom recorded the album live in 2 days with Larry Chaney (electric guitar) and Vicente Rodriguez (drums) returning from the Party Girl (2007) sessions.

They were joined by newcomer Phil Ajjarapu on bass. Additional sessions were used to record vocals by Lou Ann Bardash, a horn part by DD Dagger and Mike Vasquez, and a piano part by Jesse Hester.

The album closes with ‘Too Late Now’, one of the longest and most ambitious songs that Tom has ever recorded, a story that begins and ends at a fenced-in basketball court down in Greenwich Village on the corner of West 4th and 6th Ave known as ‘The Cage’.

BIOGRAPHY

Itinerant songman Tom Ovans has long been an outsider, a restless traveler on the spin. Born just outside of Boston, Massachusetts in 1953, he’s lived a life on the margins. If music has been his one constant, still he has always faced what had to be faced, done what had to be done – whether that be carpentry, painting or roofing, working in construction, factories or warehouses. Prissy, overwrought singer-songwriters everywhere, today as always, can talk the big talk, but craftsmen think with their hearts and work with their hands.

As a chronicler and troubadour, Ovans has trod a rough and ragged musical path across the States. In the early ’70s in New York City he walked the walk with a junked-out Tim Hardin and knocked-out loaded Phil Ochs. Over the years he has drifted, been homeless, stood proud, lain low, dug deep but always moved on. Following stints on the east coast, west coast, a short spell in New Orleans and 18 long years in Nashville, Tom Ovans landed in Austin, Texas, six years ago with his painter wife Lou Ann Bardash. Together, they continue to live on the edge, away from the spotlight, fame or glare. He only rarely gigs or tours.

A self-taught musician, Ovans released his first album, ‘Industrial Days’, in 1991. Attracting increasingly widespread respect and acclaim, an impressive series of raw and gritty, moving and inspired albums followed. ‘Dead South’ in 1997 was his first masterpiece, 1999’s ‘The Beat Trade’ was even better. ‘Tombstone Boys, Graveyard Girls’ in 2003 probably topped the lot. For Ovans, integrity counts over success. He don’t wave no flags for no-one, doesn’t preach to the choir, and never chooses easy, Sprawled across two CDs, and drawing hard on a long life lived in the shadow of the American Dream, 2005’s ‘Honest Abe and the Assassins’ is a fiercely personal and doggedly independent work. Tough and honest, bruised and bleeding, it reaches in and reaches out, hits hard and lingers long. It is Tom Ovans’ tenth album, and his best to date.

Richard Galliano - Paris Concert ( Theatre du Châtelet )

2009-09-23T11:48:00.000+02:00

"The story of a painter, a musician, a composer, an artist; music has never been as close to a pictorial work of art as the music of Richard Galliano. The maestro now stands in front of the white canvas, at the Foyer du Theatre du Châtelet..."

Theatre du Châtelet. The temple of Parisian music, just a short walk from the bakns of the Seine. There, in front of his audience, Richard Galliano makes his entrance with only the accordion. Double the responsibility yet double the joy to play in front of his own people.

A festive maze of sounds, that touches the form : jazz, tango French song...waills of blues emerge from the folds of his accordion. Travelling with his compositions, the ones that brought him to perform on stage throughout the world, without forgetting those of Astor Piazzolla, who he has always loved and celebrated in his own way. Yes, because Galliano knows how to shape the material to himself : the teaching of the composer from Mar de La Plata are well visible, but as a starting point, not as a landing place.

Moving, never taking for granted the solutions, always at the service of the melody and the rhythm - principle elements of dance - very attentive to the depth and the form; because, like few artists, Galliano joins technical skill and syntactical knowledge of the music from the 1900s with an uncommon emotionality.

Chat Pitre opens the album, one of the most beautiful pieces written by this accordion player from Cannes, and is followed by Gnossienne 1 and Gnossienne 2 by Erik Satie.

But there is a lot of Italy in his latest "Paris Concert", and not only for the italian label, Cam Jazz, that has realeased this work ( for which Galliano had already recorded the beautiful "L'Hymne à l' Amour", inviting vibraphonist Gary Burton ), but also for his tribute to a very popular Italian song, Caruso, which brought worlwide fame to Lucio Dalla.

And then "Round Midnight" by Thelonius Monk, an artist that Galliano is particularly attached and to whom he has rendered homage many times during his career: a version thought out in absolute respect for the Monkian concept.

If, as Virginia Woolfs writes, in solitude we give passionate attention to our lives, to our memories and the details around us, then this solo album gifts us with a Galliano in his most profound essence, as artist and as a man".

Buena Vista Social Club – Live at Carnegie Hall

2008-10-06T23:14:00.001+02:00

Buena Vista Social Club®, the album produced by Ry Cooder, is the biggest selling world music album ever, with over 8 million records sold.
Now for the first time comes the recording of the historic performance at New York's famous Carnegie Hall, which became the centre-piece of the hugely successful film directed by Wim Wenders. This is only the second album ever by the original Buena Vista Social Club®.

Produced by Ry Cooder, the album features brilliant and unrepeatable performances by legends including Ibrahim Ferrer, Compay Segundo, Ruben González, Eliades Ochoa, Omara Portuondo, Cachaíto López, and Guajiro Mirabal.

The original Buena Vista Social Club album was one of three projects recorded during the two-week session organized by World Circuit Records at EGREM Studios, Havana, Cuba, in March 1996. The session also produced Introducing Rubn Gonzlez and the Afro-Cuban All Stars' A Toda Cuba Le Gusta. The original concept for the Buena Vista Social Club was of a small guitar-based band, featuring Ry Cooder (who also acted as producer) playing alongside musicians from Mali and Cuba. However, this was abandoned after the two Malian musicians booked to play failed to arrive because of problems with their passports. The line-up for the session was finally comprised of musicians who had played on the Afro-Cuban All Stars album, including bolero vocalist Ibrahim Ferrer (b. 20 February 1927, San Luis, Cuba) and pianist Rubn Gonzlez (b. 26 September 1919, Santa Clara, Cuba, d. 8 December 2003, Havana, Cuba), plus others suggested by Cooder, such as veteran singers Compay Segundo (b. Maximo Francisco Repilado Munoz, 18 November 1907, Siboney, Cuba, d. July 2003, Havana, Cuba), Manuel "Puntillita" Licea Lamot (b. 4 January 1927, d. 4 December 2000) and Omara Portuondo (b. October 1930, Havana, Cuba), as well as Eliades Ochoa of Cuarteto Patria. The songs chosen for the session were a collection of Cuban classics, both old and new. The resulting album was gentle and folky but also passionate, with a variety of sounds and styles including piano instrumentals, acoustic ballads, dance tunes and a bolero sung by former lovers Portuondo and Segundo. Cooder described the recording session as "the greatest musical experience of my life" and he appeared happy to let the Cuban veterans take the spotlight, allowing his presence to be felt through his distinctive playing, as he had done three years earlier on Ali Farka Tour's Talking Timbuktu. The Buena Vista Social Club was released in June 1997, and was well received by the critics, featuring in many best world, Latin and folk album polls for that year. The album was awarded a Grammy for "best tropical dance album of 1997". It also appeared in many national album charts around the world and went on to sell millions, but earned Cooder a $100,000 fine from the US state department for breaching the embargo against Fidel Castro's communist regime.

Released two years later, Buena Vista Social Club Presents Ibrahim Ferrer, featured the venerable vocalist performing a varied programme of up-tempo dance tunes, swampy sounding Cuban-blues fusions and lush, string-laden boleros. Cooder again produced and played guitar. Other contributors to the first album, including Ruben Gonzalez, were again involved, alongside other well-known Cuban musicians. Ferrer promoted the album with tours of Europe and the USA. A documentary film, Buena Vista Social Club, was made in 1999 by German director Wim Wenders and was shown in cinemas and on television throughout the world. The third instalment in the series featuring Portuondo ("Cuba's Edith Piaf"), was released the following spring. Cooder recorded one further album in Cuba with local guitarist Manuel Galban, for which he was granted a special exemption from state department rules by outgoing US president Bill Clinton.

Ricordiamo che il cd

Buena Vista Social Club – Live at Carnegie Hall

è distribuito in Italia da Ird spa
Sito web : www.ird.it
Track List :

Disc 1
CHAN CHAN
DE CAMINO A LA VEREDA
EL CUARTO DE TULA
LA ENGAÑADORA
BUENA VISTA SOCIAL CLUB
DOS GARDENIAS
QUIZÁS, QUIZÁS
VEINTE AÑOS

Disc 2
ORGULLECIDA
¿Y TÚ QUÉ HAS HECHO?
SIBONEY
MANDINGA
ALMENDRA
EL CARRETERO
CANDELA
SILENCIO

Musicians :

Octavio Calderón - trumpet
Joachim Cooder - drums / percussion
Ry Cooder - guitars
Terry Domech - congas
Ibrahím Ferrer - vocals
Roberto García - bongos, cowbell, guiro
Hugo Garzón - vocals
Juan de Marcos González - bandleader, backing vocals, güiro
Rubén González - piano
Manuel 'Puntillita' Licea - vocals
Pío Leyva - vocals
Orlando 'Cachaíto López - bass
Manuel 'Guajiro' Mirabal - trumpet
Eliades Ochoa - guitar, vocals
Omara Portuondo - vocals
Jesús 'Aguaje' Ramos - bandleader to Ruben González, trombone
Salvador Repilado - bass
Compay Segundo - guitar, vocals
Benito Suárez Magana - guitar
Barbarito Torres - laoud
Alberto 'Virgilio' Valdés - maracas
Amadito Valdés - timbales

Reviews :

MOJO
29th September 2008
Thrilling live album from Cuban icons-in-the-making (4 stars)

The story of Buena Vista Social Club - ageing Cuban virtuosi assembled into a supergroup by visiting American producer Ry Cooder; sell eight million records; find fame outside of the island; win Grammy - remains remarkable 10 years after the fact. Now the names Compay Segundo, Rùben González, Ibrahim Ferrer (all deceased) and Omara Portuondo are considered world music elite, but when they and the other BVSC players stepped on-stage at a sold-old, ecstatic Carnegie Hall in 1998, less than a year after recording their album, they were still unknown to most Americans. For the show, 10 of the self-titled studio LP's tracks were reprised, often faithfully, but with more verve and panache. Six more meet that standard. Produced by Cooder, At Carnegie Hall, doesn't so much add to the legend as confirm the original was no studio-contrived fluke.

Jeff Tamarkin

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HMV Choice
29th September 2008
Tenth Anniversary memento of their legendary one-night-only Carnegie Hall show

In 1996, Worldcircuit boss Nick Gold went to Havana to meet guitarist/ producer Ry Cooder and bandleader/ talent scout Juan de Marcos González. The idea was to rendezvous with some Malian musicians also heading that way and record them collaborating with local artists. However, visa shenanigans meant the African contingent failed to show, so an alternative, improvised plan emerged. The result was a multi-generational group of acknowledged veterans, overlooked luminaries and younger players that became known as the Buena Vista Social Club.

Their eponymous album has since become the biggest selling word music album of all time, at eight million sales and counting. A year after its 1997 release, the group appeared at Carnegie Hall - one of the only three live shows they ever did. The occasion was immortalised in Wim Wenders' atmospheric documentary, and now this live double disc set commemorates that occasion.

Naturally, At Carnegie Hall has a different sound and energy from the mellow, intimate feel of Buena Vista Social Club in the studio. "Records are one thing and live music is to me a 110% different situation," Cooder told me when asked how the two albums differ. "You have a dynamic situation...something that unfolds dramatically, so that the audience is brought along."

To put it another way, these 77 minutes of music race by in a blur of fevered excitement, from the opening twin vocal intro of Eliades Ochoa and Compay Segundo on Chan Chan to the closing calm of Silencio, the diaphanous duet between Ibrahim Ferrer and 'Buena Vista Sister' Omara Portuondo. In between, we're reminded of just why they made such a global impact, with their unforgettable tunes and peerless music mastery.

Barbarito Torres steals the show early on with a gymnastic laoud solo El Cuarto De Tula. Their phenomenal pianist Rùben González is the next to grab the limelight on the brief but sweet La Engarñadora and the languid instrumental 'title' track, which finds him wandering around the keys with dizzying virtuosity. There are two other outings from his ravishing solo debut, in Mandinga and shortened version of the surreally beautiful danzón Almendra. And then there's Ferrer, fresh from recording his own solo debut, crooning through Dos Gardenias and showing a more fiery face on Candela.

'Gracias, Company Segundo, muchas gracias' Omara Portuondo murmurs the project's guiding light as she finishes singing Veinte Años with him. This was no empty platitude. It really sounds like she meant it.

Jon Lusk

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Uncut
27th September 2008

Watching Wim Wenders' Buena Vista Social Club film nowadays is rather like watching return of dad's Army - with only vampish Omara Portuondo and the cowboy Eliades Ochao surviving as the Clive Dunn and Ian Lavender on this ageing collective. This double-CD set captures the gang in their finest two hours at Carnegie Hall in 1998, and is probably better set than the Grammy-winning studio album. The complete recording reveals many (until-now) hidden delights that we can enjoy in full. They include Rùben González's terrific jazz flourishes on "Siboney" and 'Mandinga", the duelling guitars on "En Cuarto de Tula", the frenzied vocal duet on "Quizás Quizás" (known to Doris Day fans as "Perhaps Perhaps") and Ry Cooder's Duane Eddy guitar on the lovely "Silencio".

John Lewis

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Jazzwise
24th September 2008
The Buena Vista Social Club were an international phenomenon: a multi-generational group of Cuban musicians who won fame by stealth back in 1998, when their eponymous album rose like a Phoenix and went straight to the top of the charts. A decade and eight million album sales later comes this live 2-CD recording of their famed night at Carnegie Hall. Here are the foreign yet familiar sounding strains of such humalong tunes as 'Chan Chan', 'Dos Gardenias' and 'Quizas Quizas', arranged on a bed of acoustic guitars and related string instruments and made all the warmer by the circumstances. Backing musicians the calibre of the bassist Cachaito Lopez and Barbarito Tores provide a solid-rock foundation for vocalists including Ibrahim Ferrer and Compay Segundo - both of whom, like the jazz pianist Rùben Gonzalez, have passed away since. This inevitably imbues the disc with even more misty-eyed nostalgia. But here they all are: overjoyed, superbly talented and very much alive. Rated 4 stars.

Jane Cornwell

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Word
17th September 2008

"From oblivion to becoming The Beatles!"
Wim Wenders recalls the Buena Vista Social Club "fairytale"

It is the ambition of many to be name-checked in a song by Half Man Half Biscuit. In one of the tunes on their new album CSI: Ambleside there is a lyric that, when they played the song at the Cornbury Festival, provoked a ripple of recognition. It concerned the ubiquity in executive cul-de-sac land of the Buena Vista Social Club CD. Becoming a cliché of British social attainment: it isn't bad for a bunch of musicians who were all north of their eighties when they were finally, at last, gifted the worldwide recognition their skill deserved.

The Buena Vista Social Club was a place in Havana that in the 1940s served as a gathering place for Cuba's jazz performers. Soon after the revolution, it shut its doors and its beguiling soundtrack was lost for nearly half a century. In the early 1990s, the Cuban musician Juan de Marcos González and Ry Cooder found some of the original club members, got them together in the studio and recorded the result. It was phenomenal. Cooder then got the band together and took them to Amsterdam, where the German Director Wim Wenders filmed their efforts. He also took footage at their subsequent Carnegie Hall concert and interviewed some of the now very old original players. The concert has just been re-released in a lavishly extended CD package and the resulting movie was nominated for an Oscar in 1999. It was a movie that was impossible to watch without the feet tapping. And the eyes filling with tears at the joy the performers had at finally being able to play once more the music that had remained unheard for so long. For Wenders, it was a movie he still cherishes.

What do you remember of the occasion filming the concert? Can you describe the chemistry between performers, audience and director?

Everybody was so excited that the most difficult task was to keep a cool head. For some of the Cuban musicians, this was the very first stay in New York - or at least the previous one was, like, 50 years ago. And their visas were for two days only - a miracle in the first place that they got them. Anyway, it was mayhem. No real time for a rehearsal. A quick soundcheck only. And remember: this was not a real band! They had never played together expect this one time in Amsterdam, a month earlier. Ry Cooder had invented this band, they were his creation. These men, as old and experienced as they were, they were nervous like a high-school band before the gig. I had seen stage fright before, but this was more than just a fright. They seemed terrified. And there was a scary amount of rum being consumed. But then, when they finally got onstage, there were the coolest cats. As a filmmaker trying to film the event, I couldn't have been dealt a tougher deck of cards. My cameramen and women were not allowed to carry headphones or even a walkie-talkie. I was unable to be in touch with them. I couldn't even place them during soundcheck. All of that was against some absurd union rules. So I placed my three cameras as good as I could and tried to run from one to the other. I was dripping wet after a while. I made gestures to them over the heads of the audience. I climbed on chairs to give them signals. It was miserable. We were not allowed onstage with any of our cameras but at the end of the show, at the last encore, I told my director of photography to just storm on to the stage and shoot the hell out of it. All they could do was throw us off. The greatest thing was what happened afterwards. We all ended up in some remote bar in New Jersey, and all the musicians jammed with some local Cubans until dawn. Then they had to get on a bus and drive to the airport. Their visas didn't allow them to stay.

Did you appreciate the concert's significance at the time?

Yes, somehow. It dawned on me that night in New York that what we had witnessed with our cameras, during the weeks in Havana, the subsequent and surprising concert in Amsterdam and now during the culmination in Carnegie Hall, was in no way a simple music documentary. We had actually followed - and lived - a fairytale! The path of these men - from being totally forgotten, from shining shoes in the streets of Havana, to world stardom had happened inside the parameters of our film! We had been so utterly lucky to accompany them coming out of oblivion and becoming The Beatles! It was very touching to watch Ry during the Carnegie Hall concert. He was so essential to the project; without him nothing would have happened, neither the CD nor the movie, and yet he was trying to hide onstage, in order to leave centre stage for the old men.

Your movie introduced the group to the world. Did you feel like an evangelist? Was you motive to give them the exposure they deserved?

I loved the music when Ry played it to me the first time, long before it ever came out. And making the music reach as many people as possible was the only aim. But when we planned the shoot, nobody could possibly predict the success of the film. Music documentaries were out; no such movie had had a major and successful release any more for at least a decade. Documentaries were practically no longer happening in cinemas. Buena Vista Social Club was going to change all that, against all odds. But did these "super-avuelos" deserve that? Nobody in front of my camera, in 40 years of filmmaking, deserved it that much!

Many of the guys have died - are you still in touch with any of those still around? Have you seen them playing recently?

I saw them all performing for years, in all sorts of places all over the world. And then one after the other they died. First Compay [Segundo, the guitarist] in 2003, who was 95. Then Rùben [González in the same year], who was 83. Then finally Ibrahim [Ferrer, the singer] in 2005, when he was 78. They are just starting to tour again, the remaining band, but I have not seem them yet. I shot a little thing with Pio Leyva in Havana - that was fun. I saw one of Compay's last concerts and he sent me a huge bouquet of flowers. I almost cried when I saw who they were from.

What effect did you film have on their lives?

Compay said to me, a couple of years after the film came out, "This is the best time of my life." He was way in his nineties then...Can you possibly have more effect on somebody's life? But the success didn't change their hearts. They waited so long. It was not going to ruin them.

Are there other equally unknown groups out there you would like to do the same with?

I made a film about the blues, produced by Martin Scorsese, called The Soul Of A Man about three forgotten Blues giants: Blind Willie Johnson, JB Lenoir and Skip James. But these men were long dead, so the film couldn't have any impact on their lives any more. But my heroes certainly reappeared out of out of oblivion thanks to the film.

The film kick-started a wave of interest in Cuban music - do you consider yourself a trendsetter?

Profession: "trendsetter". I'll write that on my registration next time I'm checking into a hotel. No, nobody could foresee that "Cuban trend." Out film just hit a right nerve at the right time.

It's a favourite movie of so many people. At what point in the process did you appreciate you had something special on your hands?

In the editing room. When I slowly found out what emotional impact the film had. First on myself and my editor, and then on my wife and the friends who visited us in the cutting room. When we saw out first finished print, even the colourist and the projectionist were dancing...

The band members seemed very relaxed but also quite unworldly in the movie. Did you ever wonder about what you might be unleashing on them?

No. We shot fast and furious, and the musicians got used to having us around. We lived in the moment, during the studio recordings, in Havana, in Amsterdam and also in New York. I didn't feel uneasy, neither before not afterwards because these men so much appreciated the attention, ours and the later world's.

How does it fit into your canon of work?

As a director, I don't judge my films by their acceptance or "success". I remember them for the experience, or the daily satisfaction during the making. And as such, BVSC remains a unique and utterly joyful time in my life. It never felt like work, neither the shoot nor the editing.

Jim White

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Salon
13th July 1998

Cuba's Buena Vista Social Club made its United States debut at Carnegie Hall last week, and the stage fairly ached under all the stories. Consider that singer Ibrahim Ferrer, who's been singing for more than 50 years, had been shining shoes on the streets of Havana when he was recruited to help record the collection of traditional Cuban songs that became "Buena Vista Social Club." And that retired pianist Rubén González, 78, had to chase away the effects of arthritis as his fingers rediscovered their old paths around the keyboard. At Carnegie Hall, a playful González couldn't stop blowing kisses to the adoring audience.
And then there was Compay Segundo, an active musician and prolific songwriter since the 1920s and a living incarnation of the folkish style of music known as "son." Segundo, who is 91, helped to shape the sound of son by inventing a seven-stringed instrument called the "armónico," which doubled the guitar's "D" string to produce a cross between the Spanish guitar and the Cuban tres. At Carnegie Hall, he spun out the kind of sweetly lyrical solos that can come only from caressing steel and wood for the better part of a century.
The concert ended with a bolero titled "Silencio," and the duet partners, Ferrer and Omara Portuondo, spent the instrumental portion dancing in slow romantic circles. The moment was calculated, corny and, like most of the evening, altogether irresistible. It was the kind of cerebral fish-out-of-water scene that you might imagine in a Wim Wenders film -- he was there, in fact, with cameras running.
"The Buena Vista Social Club," which has already sold nearly a million copies around the world, is the hip hit of the season among the older demographic that I think of as the "midrock" crowd, and which guitarist Ry Cooder, who produced and played on the album, has been known to call the "Jeep Cherokee set." These are often affluent, well-educated music buyers in their 30s and 40s who don't often relate to the rap, rock and pop that dominates the youth-driven pop charts. This is an audience more likely to take its cues from NPR than MTV, and whose interests are often piqued by a sense of the exotic. And these days, Afro-Cuban music has become as sweetly seductive as the smoke of a contraband cigar.
Still, the success of "Buena Vista Social Club" is far beyond that of most world music releases. Language is often the toughest barrier to widespread acceptance of international artists. Part of the reason that Bob Marley became not just the biggest star in reggae but the most widely heard world-music artist is that he sang in English. "Buena Vista Social Club" includes a lavish booklet with informative liner notes and translated lyrics, but for those like me who are linguistically challenged, the vocals are destined to be heard more as musical sounds than literal language.
The mostly son-based music of "Buena Vista Social Club" manages to sound both foreign and familiar, with arrangements that are thick with a folkish bed of guitars and related stringed instruments. The collection's sweet, almost pastoral vibe is established by its first track, a haunting, minor-key tune by Segundo called "Chan Chan." Cooder's no novice at such hands-across-the-water collaborations. He's already won Grammy Awards for recent collaborations with Rajastanian guitarist Vishwa Mohan Bhatt ("Meeting by the River") and Mali's Ali Farka Touré ("Talking Timbuktu"). And he's long enjoyed a reputation as a highly tasteful musicmaker, with his early albums introducing many to the music of such gifted artists as Blind Blake, Joseph Spence, Flaco Jimenez and Sleepy John Estes.
The challenge for the midrock (or Jeep Cherokee) listener is where to go after "Buena Vista Social Club." A logical next step is "A Toda Cuba le Gusta" by the Afro-Cuban All Stars, which includes many of the same players as "Buena Vista Social Club" but focuses on Afro-Cuban jazz, with bold horn lines and quicker tempos imbuing the music with Latin swing. González, who helped develop the mambo and brought jazz harmonies to Cuban music, is featured on both albums as well as on a solo effort, "Introducing ... Rubén González." Though his playing is consistently inventive, this collection of Cuban tunes in the "descarga" (jam session) is less distinctive than the other two discs.
Expanding my Latin horizons beyond the traditionalist world of these albums proved to be a bit bewildering. What I was looking for was propulsive percussion and inspired instrumentalists. Browsing through the various-artist compilations in a number of large, well-stocked record stores, I was confronted by hundreds of discs on unfamiliar labels that were filled with artists beyond my limited knowledge. Consequently, I gravitated to collections on labels known for authoritative reissues.
Rhino, whose extensive reissue catalogue has long managed to mix the monumental with the marginal, has lately moved into the Latin market with a variety of compilations. "El Rey Del Timbal!" is a splendid disc dedicated to Tito Puente, the veteran band leader and timbale player best known to old rock fans as the composer of an early Santana standard, "Oye Como Va." Tracks stretching over nearly 40 years reveal Puente to be a master of creating dynamic interplay between syncopated horn lines and percolating percussion. Finding that one disc was just not enough. I also picked up a compilation on Concord of tracks from the '80s and '90s, "Oye Como Va! The Dance Collection." Frankly, now I've got enough Tito, but then, that's the way a midrocker dabbles.
If you're looking to imagine yourself dancing the night away with mobsters in a Havana nightclub before the arrival of Fidel Castro, then you might enjoy "Mambo Mania!" The collection is filled with swinging moments, but there's also a campy element to these vintage dance tunes that is driven home by the inclusion of a tune by Desi Arnaz, who became the best-known of all Cuban musicians by becoming the sitcom straight man for his wife, Lucille Ball.
"The Original Mambo Kings" (Verve) predates "Mambo Mania!" and focuses on the New York jazz world of the late-1940s. The disc is dominated by the work of a pair of seminal Havana-born musicians, trumpeter Mario Bauza and a vocalist known as Machito. Besides tracks by Machito and his Afro-Cuban Orchestra, the collection also includes an "Afro-Cuban Jazz Suite" with Charlie Parker on alto sax, and one of trumpeter Dizzy Gillespie's epic excursions into Latin jazz, "The Manteca Suite."
As my Latin collection grew, it became clear that I preferred music that tended toward Afro-Cuban jazz than more pop-oriented tunes that took clear aim at the dance floor. This distinction was sharpened by another pair of Rhino compilations, "Salsa Fresca! Dance Hits of the '90s" and "Sabroso! The Afro-Latin Groove." The former is a good introduction to the slick and rhythmic sounds of contemporary salsa, but it also suggests that in these global days, the highly polished sounds and techniques of commercial dance music crosses the boundaries of different musical genres. Consequently, much of "Salsa Fresca!" strikes me as no deeper nor more memorable than a collection of yesterday's English-language dance tracks.
By contrast, "Sabroso!" breathes the kind of Latin fire that'll appeal to rockers raised on the sounds of Santana. The majority of the tracks are from the 1960s, and while the instrumental improvisations are clearly inspired by the sounds of jazz, the rhythmic grooves also show the influence of rhythm & blues and funk. It's not the title of tunes like Willie Bobo's "Fried Neck Bones and Some Home Fries" and Mongo Santamaria's "Sweet 'Tater Pie" that makes "Sabroso!" a most delicious musical meal. It's the deep rhythmic grooves that left me searching for the ultimate albums by artists like Joe Cuba and Mongo Santamaria.
Another explanation for preferring "Sabroso!" over "Salsa Fresca!" could be that while my introduction to Latin music has included familiarizing myself with these and a few dozen other discs, it's yet to include a night of dancing. That is where the hips will finally meet the beat, an image that puts fear into the heart of somebody who came of age during the days of free-form hippie dancing. Maybe that's why I was so charmed by those dancers shuffling slowly around the stage of Carnegie Hall. Looking at those swinging senior citizens, it was almost possible to believe that a midrocker still had time to learn how to really dance.

John Millward

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The New York Times
3rd July 1998

POP REVIEW; Ceiling Fans, Courtly Men And a Whiff Of Old Cuba
The Buena Vista Social Club basked in the latest wave of Cubaphilia when it performed on Wednesday night. The concert was more than a musical occasion. Musicians from Cuba in their 70's, 80's and 90's, some emerging from retirement, were making their United States debuts at no less than Carnegie Hall.
They had been rediscovered by an English recording company, World Circuit, and an American guitarist, Ry Cooder, who produced and played on their Grammy-winning album, ''Buena Vista Social Club'' (Nonesuch). Wim Wenders was filming the concert, and a largely non-Hispanic audience gave an uproarious welcome to songs that date back as far as the 1920's.
With the bittersweet delicacy of a classic bolero, the Buena Vista Social Club simultaneously celebrated the vitality and virtuosity of its musicians and mourned the era they embody. The concert began with ''Chan Chan,'' an elegiac, minor-key love song in an old rural style; it ended with ''Silencio,'' a bolero with the singers Ibrahim Ferrer and Omara Portuondo dancing cheek to cheek. In a love song about an unforgettable old flame, the 91-year-old guitarist Compay Segundo sang, ''Hoy represento el pasado'' (''Today I represent the past'').
Some of the featured musicians were side men for the great Cuban innovators of the 1940's and 1950's. Mr. Ferrer, who had been shining shoes for a living before the Buena Vista sessions in 1996, sang alongside Beny More; Ruben Gonzalez, who had retired in 1991, played piano with Arsenio Rodriguez and with Enrique Jorrin. Working with members of a younger traditionalist group, Sierra Maestra, they preserve an era when Latin music was danceable but not frenetic, restrained yet puckish, and sensual but not blatant. Mr. Ferrer and Mr. Segundo sang with sweet, rounded tones, less cutting than current salsa singers, as the lyrics reveled in passion or reminisced about lost love.
The concert toured old Cuban styles: the son, with its spider webs of fingerpicked guitars (partly lost in Carnegie Hall's acoustics), and the danzon, with an almost stealthy pace and, in Mr. Gonzalez's hands, some grand Romantic piano flourishes. There were also ebullient cha-chas and mambos that turned into descargas (jam sessions).
Octavio Calderon and Manuel Mirabal made their trumpets beg and tease; Barbarito Torres, on the laoudc (12-string lute) played whizzing lines and jabbing dissonant chords. Mr. Segundo's guitar solos were gleaming and languid, lazing behind the beat and then sprinting.
Mr. Cooder, the best-known musician to the United States audience, stayed discreetly in the back row onstage, now and then adding a hint of countryish guitar. He emerged to play alongside Mr. Segundo in the ragtime-flavored ''Orgullecida,'' adding jazzy slide-guitar chords that suggested Western swing. In the bolero, ''Y Tu Que Has Hecho?,'' Mr. Segundo, who has spent his career singing second, or harmony, vocals, sang lead in a baritone full of ardor and authority. Mr. Gonzalez was the group's most determined crowd pleaser, splashing across the piano with two-handed chords, ending phrases with sweeping glissandos and quoting Liszt during a danzon. In one tune, he carried a solo up to the top of the keyboard and beyond, playing the air while the audience cheered.
The music was rich with tenderness and nostalgia, suggesting a world of tropical ease and prerevolutionary innocence. Part of Cuba's new appeal to the outside world is the notion, partly illusory, that its isolation has made it a time capsule, maintaining styles that have been overrun by hectic commerciality elsewhere. But these Cuban musicians, an apparition made possible by shifts in politics, ambition and taste, are not disappearing again. Mr. Gonzalez, Mr. Ferrer and other core members of the Buena Vista Social Club will be touring the United States in the fall, keeping Cuba's past in the present.

Jon Pareles

GIOVANNI GUIDI - “The House Behind This One” ( CamJazz)

2008-09-10T18:18:00.003+02:00

“The House Behind This One” è il secondo album di Giovanni Guidi per la CAM Jazz, dopo “Indian Summer”, disco che ha messo pienamente in luce le qualità del giovane pianista umbro, al punto da favorirne la vittoria nel “Top Jazz 2007” del mensile Musica Jazz, nella categoria riservata ai nuovi talenti. Guidi è dunque già più che una promessa e la sua nuova fatica discografica lo prova compiutamente: al suo fianco ci sono due dei musicisti che lo hanno coadiuvato nel primo lavoro per la CAM Jazz, il sassofonista statunitense Dan Kinzelman (del quale la stessa etichetta ha dato alle stampe “Goodbye Castle”) e il batterista portoghese Joao Lobo, mentre il ruolo di contrabbassista è passato da Francesco Ponticelli a Stefano Senni. “In un gruppo anche il cambiamento di un solo elemento può portare a prendere diverse strade musicali”, afferma Giovanni Guidi, “Il nuovo disco è più suonato del precedente: abbiamo cercato di ricreare in studio un’atmosfera più prossima possibile a quella dei concerti. Credo, quindi, che vi si possa cogliere una maggiore energia”.

Pur agendo nell’ambito del jazz, Guidi è tutt’altro che impermeabile ad altre musiche: “Anche alla luce delle mie ultime esperienze, per esempio la partecipazione alla Cosmic Band di Gianluca Petrella, penso siano più evidenti le influenze del rock e della musica elettronica”. Il pezzo che rimanda più direttamente all’immaginario del rock è Frankie Bear: “L’ho dedicato al sassofonista Francesco Bearzatti: nonostante sia un jazzista, a me dà l’impressione di essere un vero rocker”. L’elettronica fa invece capolino nella traccia conclusiva, You Are Here, del dj londinese Nathan Fake: “L’ho scoperto su My Space. Benché faccia musica dance, Fake ha uno spiccato gusto melodico e mi sembra molto aperto verso l’improvvisazione. Mi piace molto la sua vena lirica, tipicamente nordeuropea. L’uso dell’elettronica che ho fatto in You Are Here potrebbe preludere a una nuova fase del mio percorso artistico”. Un’altra “intrusione” extrajazzistica è Quizas Quizas Quizas del compositore cubano Osvaldo Farres: “Ho riascoltato questo pezzo pochi giorni prima di entrare in studio e mi è sembrato adatto al clima generale dell’album. Fa parte della colonna sonora di due film che mi piacciono molto, La Mala Education di Pedro Almodovar e In The Mood For Love del cinese Wong Kar-wai”. E come avvenuto in “Indian Summer”, anche nel nuovo album Guidi ha incluso una pagina di Ornette Coleman, Peace Warriors: “Tendenzialmente in tutti i gruppi con cui suono c’è in repertorio un brano di Ornette Coleman. Anche i jazzisti delle ultime generazioni amano molto la sua musica”. Ci sarebbe da parlare delle altre composizioni dello stesso Guidi, ma forse si toglierebbe il piacere di ascoltarle attentamente, di scoprire come questo musicista riesca a tradurre in musica le proprie emozioni con grande naturalezza. La piena sintonia di intenti che mostrano i suoi partner è un’altra delle carte vincenti di “The House Behind This One”, molto più che il classico album delle conferme.

Nato a Foligno nel 1985, Giovanni Guidi si è inizialmente accostato alla batteria, per poi avvicinarsi al pianoforte e quindi, sotto la guida di Ramberto Ciammarughi, al jazz. Dopo aver studiato con, fra gli altri, Danilo Rea e Rita Marcotulli, ha partecipato ai seminari di Umbria Jazz e di Siena Jazz. Del luglio 2004 è l’avvio del fortunato sodalizio con Enrico Rava, con il quale ha inciso un CD registrato dal vivo alla Casa del Jazz di Roma e pubblicato nella collana de L’Espresso. In questi primi anni di attività, Giovanni Guidi si è anche segnalato come componente di altri gruppi e attualmente suona nei quartetti di Mauro Negri e di Lello Pareti, oltre che nella Cosmic Band di Gianluca Petrella.

Dicono di Lui :

"Uno dei migliori album di jazz da noi ascoltati negli ultimi anni"
(Marco Crisostomi - Audioreview) DISCO JAZZ DEL MESE - AUDIOREVIEW SETTEMBRE 2008

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Giovanni Guidi - The House Behind This One ( English Version )

Giovanni Guidi Q.tet - Indian Summer

Dan Kinzelman - Goodbye Castle

ENRICO PIERANUNZI - “Enrico Pieranunzi Plays Domenico Scarlatti” (CamJazz )

2008-07-01T16:53:00.002+02:00

Enrico Pieranunzi firma il suo dodicesimo album realizzato per la CAM Jazz nelle vesti di leader o co-leader. Dopo varie prove soprattutto in trio e in duo, il pianista romano affronta un’impresa unica, mai compiuta prima: comporre-improvvisando sulle sonate di un illustre autore classico, Domenico Scarlatti. In “Enrico Pieranunzi Plays Domenico Scarlatti” si assiste alla mirabile fusione tra due mondi, tra la sensibilità interpretativa e creativa di uno dei migliori pianisti jazz cui l’Europa ha dato i natali e l’ingegno del più originale compositore-improvvisatore per clavicembalo del Barocco.

Quest’album è “una tappa importante e da molto tempo cercata”, racconta Enrico Pieranunzi nell’intervista rilasciata ad Andrea Scaccia e inclusa nel booklet del CD, “Ho sempre coltivato il piano classico parallelamente al jazz, due strade che in pubblico ho però tenuto a lungo separate. Ora, grazie a Scarlatti, sono riuscito a fondere in un unico doppio discorso le due vie che hanno sempre caratterizzato la mia vita musicale”. La scelta di dedicarsi all’opera di Domenico Scarlatti è stata praticamente naturale: “Scarlatti è un musicista che ho sempre profondamente amato, i libri con le sue sonate sono sempre stati accanto al mio pianoforte. Potrei elencare molte ragioni per spiegare questa sorta di “innamoramento”: fantasia formale, vitalismo ritmico, passionalità, mediterraneità. Dentro i suoi suoni ci sono i colori del nostro cielo e del nostro mare, la voglia di vivere e di amare e lo struggimento di un attimo…”

Nel suo approccio alla musica di Scarlatti Pieranunzi ha evitato accuratamente ciò che di primo acchito potrebbe apparire naturale per l’ascoltatore, cioè rivisitare in chiave jazz la musica del compositore napoletano: “Credo che le cosiddette operazioni di “jazzificazione” siano del tutto fallimentari sia rispetto al jazz sia nei confronti del materiale classico che si utilizza”. C’è, però, qualcosa che accomuna Scarlatti al jazz: “La sua è una musica umorale, cangiante, piena di movimento, le sue linee sono inscritte nel flusso della vita, come quando si improvvisa jazz. E lui, è ben noto, era uno straordinario improvvisatore. In più il suo linguaggio, anche se fissato sulla carta, condivide col jazz una grande, pagana “fisicità”. Lo si percepisce chiaramente da moltissimi dei suoi geniali spunti tematici. Sono disegni ritmici, nuclei melodici, a volte semplici intervalli non pensati a tavolino ma creati direttamente dalle sue mani sulla tastiera e poi elaborati e sviluppati”.

Nel vasto catalogo della CAM Jazz “Enrico Pieranunzi Plays Domenico Scarlatti” si aggiunge ai sei album incisi dal pianista con Marc Johnson e Joey Baron (i due volumi dedicati a Morricone, “Current Conditions”, “Ballads”, vincitore del Premio della Critica del mensile Musica e Dischi, ”Live In Japan” e il recente “As Never Before”, con Kenny Wheeler ospite), a “Jazz Roads”, che raccoglie incisioni del 1980, a “Doorways” (in duo con Paul Motian più il sassofonista Chris Potter in alcuni brani), a “Special Encounter” (in trio con Charlie Haden e lo stesso Motian), a “Fellini Jazz” (con Wheeler, Potter, Haden e Motian) e a “Duologues”, registrato in coppia con Jim Hall.

ANTONELLO SALIS - JOEY BARON - “Keys And Skins” ( CamJazz)

2008-07-01T16:52:00.002+02:00

Un’altra perla preziosa si aggiunge alla già ricca collana della CAM Jazz: “Key And Skins”, album che documenta l’incontro di due fra le menti musicali contemporanee più aperte e fantasiose, Antonello Salis e Joey Baron. Entrambi sono ben conosciuti dai cultori del jazz e da chi specificatamente segue l’attività dell’etichetta discografica italiana: per la CAM Jazz, il pianista italiano ha inciso nel 2005 l’album “Pianosolo”, mentre il batterista statunitense, componente assieme al contrabbassista Marc Johnson di quello che Enrico Pieranunzi ama definire “il trio del mio cuore”, si ascolta nei due volumi dedicati dal pianista romano alle musiche di Ennio Morricone, in “Current Conditions”, “Ballads”, ”Live In Japan” e nel recentissimo “As Never Before”, dove la rodata formazione è ampliata alla magica tromba di Kenny Wheeler.

“Key And Skins” è stato registrato il 14 e 15 marzo 2007 all’Artesuono Recording Studio di Cavalicco (Udine), uno degli studi di incisione prediletti dalla CAM Jazz, che da sempre presta massima attenzione alla qualità sonora delle proprie produzioni. L’album rispecchia fedelmente l’estro di due musicisti che sono innanzitutto degli straordinari improvvisatori, sempre disponibili al confronto, al dialogo. E “Key And Skins” si regge proprio su un dialogo serrato, che non conosce mai il minimo calo di tensione: l’intesa tra Salis e Baron è semplicemente perfetta e si manifesta attraverso continue invenzioni che segnano nel profondo ognuna delle 11 tracce del CD. Altre parole non servono per descrivere un album che rappresenta una appassionante, intensa esperienza di ascolto. Più che un semplice disco, si potrebbe però definire “Key And Skins” un autentico manifesto dell’arte dell’improvvisazione: un’arte affascinante ma nel contempo ricca di insidie che sia Antonello Salis che Joey Baron conoscono bene e sanno affrontare con grande lucidità creativa.

Nato a Villamar, in provincia di Cagliari, Antonello Salis è protagonista sin dai primi anni Settanta di un personalissimo percorso espressivo scandito dalla militanza nei Cadmo, prima, e da numerosissime collaborazioni, poi, che lo hanno visto via via a fianco di Don Cherry, Art Ensemble of Chicago, Don Pullen, Pat Metheny, Cecil Taylor, Richard Galliano, Billy Cobham, Han Bennink, oltre che dei connazionali Enrico Rava, Stefano Bollani, Gianluca Petrella e Paolo Fresu. Significative sono anche le incursioni nel campo della migliore canzone d’autore (Pino Daniele, Ornella Vanoni, Vinicio Capossela, Teresa De Sio), della danza, del teatro e del cinema.

Originario di Richmond, Virginia, Joey Baron si è definitivamente imposto sulle scene musicali internazionali negli anni Novanta a fianco di Bill Frisell, dopo aver collezionato innumerevoli collaborazioni con, tra gli altri, Jim Hall, Carmen McRae, Dizzy Gillespie, Chet Baker, Art Pepper. Ma un altro dei suoi sodalizi più duraturi e importanti resta quello con John Zorn, testimoniato dalla partecipazione al gruppo Naked City e al quartetto Masada, del quale è tuttora membro. Stilisticamente diversa, ad ulteriore attestazione della non comune versatilità di Joey Baron, è la collaborazione con Enrico Pieranunzi. Nelle vesti di leader il batterista ha fondato il trio Barondown.

FLAVIO OREGLIO E I LUF - Giu'

2008-05-21T14:53:00.002+02:00

Sulla scia del successo del recente spettacolo “Non è stato facile cadere così in basso”, riscrittura teatrale dei temi contenuti nell’omonimo libro di Oreglio, uscito a ottobre 2007 per Bompiani e messo in scena al Teatro della Cooperativa di Milano lo scorso gennaio, FLAVIO OREGLIO e “I LUF” hanno realizzato il CD “GIU’ – non è stato facile cadere così in basso”, dando nuova linfa al connubio tra teatro e musica, nel solco aggiornato del teatro-canzone, di cui Flavio Oreglio è riconosciuto esponente.

In questo nuovo lavoro musicale, scritto da Oreglio in collaborazione con Dario Canossi e Luca Bonaffini (arrangiamenti a cura dei “Luf”), sono contenute le canzoni dello spettacolo teatrale.

Ballate che trattano temi importanti come la guerra (“KABUL”), la religione (“LA FIERA DELLE FOLE”), la filosofia (“IL PENSIERO”), l’isolamento (“MURO”), la politica (“BASTA!”), l’egoismo (“L’ABITO DEGLI ALTRI”) e la speranza (“ANIMA POPOLARE”); a cui si aggiunge “VORREI”, dedicata a Felicia, madre di Peppino Impastato ucciso dalla mafia nel 1978 e di cui ricorre quest’anno il trentennale, (recentemente celebrato con una “veleggiata antimafia”, da SanRemo a Cinisi, di cui il brano ha rappresentato la sigla) e una rilettura della canzone “UN’ IDEA” di Giorgio Gaber, presentata alla TV Svizzera nel marzo 2008 in occasione dello speciale “Io mi chiamo G” dedicato al grande attore/cantautore scomparso.

L’album, mette in corto circuito la profondità satirica di Flavio Oreglio con le sonorità ruvide dei “Luf”, la folk – rock band camuna di Dario Canossi da tempo dedita alla ricerca sulla musica e sulla canzone popolare, trovando attraverso questo binomio artistico, il «coraggio per un passo altrove … cercando di raccogliere l’urlo disperato di chi lancia uno sguardo non superficiale al mondo», come dichiara lo stesso Flavio Oreglio, qui attratto dall’energia ‘grezza’, (quasi montanara) e profondamente rock, che il gruppo “combat-folk” della Val Camonica esprime; un suono estremamente funzionale ai testi, graffianti e ironicamente sferzanti, con cui Flavio Oreglio si inserisce nel mondo della canzone “civile”, riuscendo a fondere la forza d’urto della band con la sua ironia tagliente.
«Questo CD è frutto di un incrocio un po’ “bastardo” - ribatte Dario Canossi – dove mondi diversi nuotano verso un orizzonte di allegria e di impegno. Una perfetta sintesi di un repertorio da combattimento, ma armato di tanta ironia».

In questo disco, registrato in presa diretta per mantenere lo spirito del “live” e le sue fresche sonorità, hanno lasciato la loro impronta: FLAVIO OREGLIO (voce e chitarra); DARIO CANOSSI (voce e chitarra); SERGIO ‘JEIO’ PONTORIERO (basso, chitarre acustiche, percussioni); RANIERI ‘RAGNO’ FUMAGALLI (baghet, flauto, ocarine); FABIO BIALE (violino, mandolino); SAMMY ‘CHUPA’ RADAELLI (batteria); PIER ZUIN (highland bag pipe, bombarda,flauti, cucchiai); CESARE COMITO (chitarra acustica, banjo); STEFANO CIVETTA (fisarmonica e voce); SILVIA OREGLIO (cori in “Vorrei”).

Del progetto è in allestimento un tour che porterà la numerosa band a “graffiare” le assolate (e spesso, appisolate) piazze dell’estate italiana.

Si presentano così, simpaticamente, i componenti del gruppo Lombardo “I LUF”, a sottolineare l'essere formazione aperta al contributo di tanti musicisti riuniti dal piacere di suonare per divertire e divertirsi. "Avevamo una manciata di canzoni in cui avevamo sputato anima e cuore ed un gruppo di amici che volevano suonarle. Purtroppo alcuni di loro non avevano la possibilità di seguire progetto in modo continuativo, ma non volevano assolutamente lasciare il branco". "Abbiamo allargato l'organico aprendolo a tutti quelli che hanno deciso di divertirsi con noi, chi vuole impara i brani e quando c'è da suonare chi c'è suona". Il gruppo nasce alcuni anni fa quando il camuno Dario Canossi, oggi voce e leader de “I Luf”, conclude l'avventura con il gruppo “De Sfroos”. Dopo quella esperienza a cui Dario avevo contribuito fortemente, prende forma una nuova direzione musicale, con un repertorio di composizioni originali suonate insieme ad amici musicisti delle Lecchese e della Brianza. Ecco quindi “I Luf” ( lupi in dialetto Bresciano), della cui musica vivace e dalla grande comunicativa, la vitalità del rock si incontra con la tradizione e i ritmi della tradizione. A testimoniare ci.. accanto a chitarra, basso, batteria, lo strumentario comprende violino, fisarmonica, flauti etnici e Baghet, la tipica cornamusa delle valli lombarde. Se le musiche de “I Luf” creano un'atmosfera gioiosa, i testi delle canzoni, taluni in dialetto della Val Camonica, sono ricchi di riferimenti all'attualità Nel 2002 il gruppo Dà alle stampe il CD “Ocio ai Luf”, ottimamente recensito dalla stampa specializzata. Sempre maggiore in questi ultimi tempi il seguito di pubblico de i Luf: lo testimoniano le decine di concerti spesso a sostegno di associazioni di volontariato e solidarietà internazionali. La musica dei LUF è intrisa di folk e bagnata di rock, è allegria e ballo, colpisce contemporaneamente al cuore e alle gambe senza comunque cadere nella banalità dei testi che, nella tradizione di Dario Canossi, sono pieni di riferimenti all'attualità e all'impegno sociale.

MICHEL GODARD LES MUSICIENS DU LOUVRE - “Archangelica” - (Cam Jazz)

2008-05-05T14:20:00.001+02:00

Dopo “Cousins Germains” (2005) e “Impertinance” (2006; in trio con Franck Tortiller e Patrice Héral), Michel Godard firma il suo terzo album per la CAM Jazz: “Archangelica”. Questa volta il musicista francese presenta un progetto particolarmente suggestivo che lo vede affiancato da Les Musiciens Du Louvre, formazione specializzata nel repertorio barocco che ha la propria sede a Grenoble, e da altri musicisti di rilievo: la vocalist Maria Pia De Vito, il chitarrista Gerard Marais, il vibrafonista Franck Tortiller, il batterista Patrice Héral, il clavicembalista Freddy Eichelberger e l’organista Mirella Giardella, responsabile anche della direzione dell’assortito ensemble. Godard imbraccia i suoi abituali attrezzi del mestiere di cui è virtuoso, la tuba e il curioso serpentone.

I presupposti e i contenuti musicali di “Archangelica” sono ben esplicitati dalla scrittrice Nancy Huston nelle note di copertina del CD: “Come tutti sappiamo, un arcangelo è un angelo di grado superiore. Archangelica, comunque, è anche il nome latino dell’angelica, un’erba diffusa nel sottobosco e ben nota per le sue proprietà medicinali ... il che ci conduce direttamente nell’oscuro mondo della stregoneria, il regno del diavolo. Realtà che sono apparentemente opposte e riescono a trovare un punto di incontro e a convivere perfettamente: questa è l’audace ipotesi del disco. Quando la musica barocca e il jazz fondono temi e impostazioni, la magia contemporanea si allaccia alla sacralità del passato e le ombre svelano la loro luce. Ho visto questo miracolo avverarsi sotto i miei occhi. È successo a Grenoble nel 2006. In occasione di uno spettacolo basato sul mio romanzo Instruments of Darkness, la cui l’ambientazione si sposta tra la Manhattan di oggi e la Francia centrale della fine del XXVII secolo. Mirella Giardelli aveva chiesto a Godard e Eichelberger di dare un tocco più attuale a Leçons des ténèbres di Marc-Antoine Charpentier, eseguita dai Musiciens du Louvre, il suo gruppo di musica barocca. Inizialmente i due gruppi sono rimasti arroccati ciascuno nel proprio territorio, suonando una musica coerente con i frammenti testuali del proprio tempo e ascoltando i colori del desiderio dell’altro. A poco a poco, però, ponti di note hanno iniziato a mettere in comunicazione, come tanti arcobaleni, i due universi musicali e, un magico giorno, ho visto negli occhi dei musicisti barocchi l’incredulità davanti ai suoni che fluivano dai loro strumenti. Santo cielo, stavano suonando jazz! E i jazzisti musica barocca! L’euforia dilagò. Come la pioggia. Questo miracolo è possibile perché, al di là della lunga parentesi della musica classica, i due stili condividono un elemento essenziale: l’improvvisazione.”

Musicista di rara versatilità, Michel Godard agisce con pari naturalezza sia nel campo della musica improvvisata e che della musica classica. Nel primo ha collaborato con Michel Portal, Louis Sclavis, Henri Texier, Kenny Wheeler, Pierre Favre e molti altri, mentre sul secondo fronte si è distinto come componente e solista dell’Orchestre Philarmonie de Radio France, de L’Ensemble Musique Vivante, de l’Ensemble Baroque La Venice e di altre formazioni. Tra i suoi tanti altri progetti vanno ricordati almeno Le Chant Du Serpent e Castel del Monte, dedicato al celebre maniero fatto costruire in Puglia da Federico II.

STANLEY JORDAN - “State of Nature” - (Mack Avenue)

2008-05-05T14:16:00.001+02:00

Uno dei più innovativi esponenti della chitarra jazz e fusion contemporanea torna a farsi ascoltare con un album di alto livello inciso su etichetta Mack Avenue e distribuito in esclusiva italiana da I.R.D.: con “State of Nature” Stanley Jordan ritrova infatti la sua vena espressiva migliore, gettando un ponte ideale fra diversi mondi musicali. Registrato in uno studio della California del Nord, “State of Nature” vede accanto al chitarrista, che episodicamente siede al pianoforte, il bassista Charnett Moffett e, a rotazione, i batteristi David Haynes e Kenwood Dennard. La scaletta alterna brani originali a classici del jazz (All Blues di Miles Davis e Song For My Father di Horace Silver) e della musica brasiliana (Insensantez di Tom Jobim e Vinicius De Moraes), a incursioni nella musica classica (l’Andante dal Concerto per pianoforte n. 21 di Mozart, eseguito da Jordan in completa solitudine) e nel pop più sofisticato (Steppin’ Out di Joe Jackson). Ci sono inoltre tre brevi pezzi intitolati Mind Games, per i quali il chitarrista si è ispirato agli Earth Wind & Fire. Nell’insieme “State of Nature” è un album dalle molte facce ma tutt’altro che disomogeneo, raffinato senza essere lezioso. Un album che permette di apprezzare al meglio le doti di uno dei massimi specialisti del tapping style, ma anche un musicista dalle ampie vedute che crede nella musica come autentico linguaggio universale, tramite il quale diffondere messaggi chiari e forti.

“Parte dei motivi che mi hanno spinto a realizzare questo album sono state le cose che ho scoperto nella mia ricerca di essere una persona migliore”, racconta Stanley Jordan, “Le altre ragioni stanno nella mia presa di coscienza delle problematiche inerenti l’ambiente in cui viviamo, per esempio il riscaldamento climatico, il deterioramento del nostro pianeta a causa di certe scelte operate dall’uomo. Quando ero un ragazzo, vivevo con la mia famiglia in quella zona oggi conosciuta come Silicon Valley, che un tempo era popolata di fattorie e frutteti”. Conclude quindi il chitarrista: “L’idea di fondo di questo mio lavoro sta dunque nell’esigenza dell’uomo di un nuovo rapporto con la natura. Il che significa che l’uomo ha bisogno di evolversi intellettualmente, spiritualmente e politicamente. Dobbiamo dunque tornare a rapportarci con l’ambiente in cui viviamo in modo più consapevole. Ciò che oggi mi spinge è il desiderio di fare musica che non sia solo intrattenimento, ma che possa essere fonte di ispirazione per chi la ascolta”.

Nato a Chicago il 31 luglio 1959, Stanley Jordan si è prepotentemente imposto sulle scene musicali nella metà degli anni Ottanta, grazie a un non comune virtuosismo strumentale che gli ha consentito di padroneggiare il tapping style, ovvero l’uso indipendente delle due mani facendo agire le dita a mo’ di martelletti sulle corde della chitarra. L’album di debutto, “Magic Touch” (Blue Note), lo ha quindi proiettato ai vertici del panorama chitarristico del periodo: a quel primo saggio prodigioso sono seguite altre incisioni, fra cui “Standards Volume 1” (1986), “Flying Home” (1988), “Cornucopia” (1990) e “Bolero” (1994). La disaffezione nei confronti delle regole imposte dal music business ha poi portato Stanley Jordan a un rallentamento della propria produzione discografica e, nel contempo, alla scoperta della musicoterapia, mantenendo il contatto con il pubblico attraverso una costante attività concertistica.

DAN KINZELMAN - “Goodbye Castle” - (Cam Jazz)

2008-05-05T14:08:00.001+02:00

Goodbye Castle” è l’album d’esordio nelle vesti di leader di Dan Kinzelman, giovane sassofonista e clarinettista che il pubblico italiano ha già avuto modo di apprezzare in qualità di componente del quartetto del pianista Giovanni Guidi, vincitore del “Top Jazz 2007” del mensile Musica Jazz come “miglior nuovo talento italiano”, grazie alla visibilità ottenuta con “Indian Summer”, disco nel quale figura lo stesso musicista di origine statunitense. Inserito come “Indian Summer” nella collana “Cam Jazz Presents”, dedicata ai giovani talenti, “Goodbye Castle” vede accanto a Kinzelman i connazionali Landon Knoblok (pianoforte), Joseph Rehmer (contrabbasso) e Austin McMahon (batteria), tutti ben sintonizzati sulla lunghezza d’onda di un jazz per nulla scontato, nonostante la giovane età dei suoi artefici. Lungo le dieci tracce del CD, tutte composte dal sassofonista con l’unica eccezione del traditional irlandese Spancihill, si coglie una libertà creativa che oggi non è facile rintracciare tra i musicisti delle ultime generazioni, troppo spesso condizionati da modelli scolastici e da inclinazioni tecnicistiche. Kinzelman e compagni, invece, mostrano di possedere freschezza di idee e lucidità espressiva a sufficienza per prendere le distanze da quei cliché che viziano buona parte del jazz attuale. Nel CD non mancano i riferimenti al passato, ma il tutto è filtrato da una sensibilità ben radicata nel presente e proiettata idealmente verso il futuro. Come scrive Federico Scoppio nelle liner notes, “I quattro giovani sono finiti a rivolgersi al jazz, travolti dal fascino indiscreto di questa fusione attiva e vigorosa, tra consuetudini contemporanee e schegge di folklore. Un mondo da scoprire, un universo sonoro adamantino dove la musica non è ostica e indigeribile, nonostante richiami alle avanguardie e momenti di free siano all’ordine del giorno. È invece qualcosa che vive vicino alla gente, va a braccetto con i giovani. Sì, perché chi la realizza ha capito di doversi confrontare con l’esserci, dando vita ad una letteratura di straordinaria forza espressiva”.

Dan Kinzelman è nato nel 1982 a Racine, nel Wisconsin. Ha cominciato a suonare il sassofono quando aveva 13 anni e a 18 ha vinto una borsa di studio per frequentare l’Università di Miami. E durante la sua permanenza in Florida si è aggiudicato tre Down Beat Student Music Awards. Successivamente ha suonato accanto a jazzmen del calibro di David Liebman, James Moody e Joe Lovano. Dopo il trasferimento in Italia, ha collaborato con Gianluca Petrella, Stefano Battaglia, Giovanni Guidi e altri.

Landon Knoblock è originario del Sud della Florida e ha frequentato l’Università di Miami, dove si è laureato. Durante gli anni formativi ha ricevuto due Down Beat Student Music Awards e ha avuto l’opportunità di suonare con Kurt Elling, Claudia Acuna e John Riley.

Joseph Rehmer è nato Chicago nel 1984 ed è quindi cresciuto respirando l’atmosfera musicale della Windy City. Laureatosi nel 2006 all’Università di Miami, ha suonato con Jim Black, Bob Mintzer, James Moody e Danny Gottlieb.

Austin McMahon proviene dal Massachussets e si è messo in luce collaborando con Joe Lovano, David Liebman, Jim McNeely, James Moody, Bob Mintzer, Carmen Lundy e con i New York Voices.

Martial Solal - Longitude ( CamJazz )

2008-05-05T14:04:00.001+02:00

“Longitude” è il terzo album inciso su etichetta CAM Jazz da Martial Solal, dopo “Rue De Seine” (2006; in duo con il trombettista statunitense Dave Douglas) e “Solitude” (2007). Questa volta uno dei pilastri del pianoforte jazz, non solo a livello europeo, è circondato da due partner a lui abituali: i fratelli François (contrabbasso) e Louis (batteria) Moutin, entrambi musicisti di provato valore. Il CD è stato registrato a Parigi i primi di aprile del 2007 e include principalmente brani composti dallo stesso musicista franco-algerino, più alcuni immancabili standard, tre per l’esattezza: Here’s That Rainy Day, Tea For Two e The Last Time I Saw Paris della premiata ditta Hammerstein-Kern. C’è, poi, una bella dedica dei due Moutin al leader, Solalitude. Ma al di là del materiale tematico, ogni disco di Solal è una sorpresa continua, tale è la fantasia che questo sommo pianista, improvvisatore e compositore, riesce sempre a mettere in campo. “Longitude” non fa eccezione.

Come scrive nelle note di copertina il noto critico e studioso americano Dan Morgenstern: “Per un appassionato di jazz pochi piaceri risultano più intensi nella vita di quello che si prova ascoltando la musica di Martial Solal. È un mago della tastiera. 45 anni or sono, parlando di lui, Duke Ellington disse: “Brilla di freschezza”. Un’osservazione tuttora attuale. Ancor di più, perché sembra che a 80 anni Solal provi una tale gioia nel creare la sua arte straordinaria e trasmetta all’ascoltatore proprio una tale sensazione di scoperta come mai nella sua lunga e brillante carriera”. Per esempio, aggiunge Morgenstern: “The Last Time I Saw Paris è saturo di vivacità sbarazzina e Solal stipa più idee in tre minuti di quelle che alcuni musicisti riescono a tirar fuori in un intero album. È puro piacere”.

Nato nel 1927 in Algeria, dove trascorse l’infanzia ed ebbe modo di fare la conoscenza del jazz quando aveva 13 anni, Solal è sempre rimasto profondamente legato al linguaggio moderno di questa musica, ma nello stesso tempo vi ha apportato quella componente prettamente europea ravvisabile anche nel suo essere musicista disponibile ad affrontare imprese diverse. Dal piano solo all’orchestra, passando per i più svariati tipi di formazioni intermedie, anche anomale e talvolta persino in avanti sui tempi (nel 1970, per esempio, non era cosa da tutti ideare un trio per pianoforte e due contrabbassi), Solal non si è mai tirato indietro anche davanti alle sfide più rischiose, uscendone sempre vincitore. In Francia, dove si trasferì nel 1950, è ovviamente considerato una vera e propria istituzione, al punto che da parecchi anni viene organizzato un prestigioso concorso pianistico internazionale che porta il suo nome. E nel 1999 lo stesso pianista è stato insignito in Danimarca del Jazzpar, sorta di premio Nobel del jazz. Nell’arco della sua brillante carriera, Solal ha suonato con illustri jazzmen provenienti da oltre oceano, quali Sidney Bechet, Kenny Clarke, Stan Getz, Lucky Thompson, Art Farmer e Lee Konitz, stabilendo proprio con quest’ultimo un sodalizio protrattosi nel tempo e scandito da numerosi momenti di grande intesa creativa, inclusi i due album del 1968 “European Episode” e “Impressive Rome” pubblicati dalla CAM Jazz. Ma non vanno dimenticate le collaborazioni con i migliori colleghi transalpini, da Stephane Grappelli ad un uomo d’avanguardia come Michel Portal. E grazie al suo poliedrico talento, Solal ha avuto più volte anche occasione di cimentarsi col mondo del cinema, lavorando anche con il capofila della nouvelle vague, Jean-Luc Godard.

OTIS TAYLOR - “Recapturing The Banjo” - Telarc

2008-03-31T15:04:00.000+02:00

Definito dall’autorevole Guitar Player “il più importante bluesman del nostro tempo”, Otis Taylor firma il suo quinto lavoro per la Telarc, dopo “Truth Is Not Fiction” del 2003, “Double V” del 2004, “Below The Fold” del 2005 e “Definition of A Circle” del 2006. Il nuovo album si intitola “Recapturing The Banjo” e non è solo un omaggio a uno degli strumenti tipici della tradizione musicale a stelle e strisce: come la stessa intestazione del CD lascia trasparire, Otis Taylor ha voluto ricondurre il banjo alle sue più autentiche radici, quelle africane, e alle musiche da esse derivate, prima fra tutte, ovviamente, il blues. Afferma lo stesso Otis Taylor: “Il banjo è solitamente associato ai folk singer e ai suonatori di bluegrass e col tempo ha quindi perso il legame con le proprie origini. La mia idea era di fare un album che rimettesse le cose a posto, che riportasse il banjo a contatto con la cultura che lo ha generato, ma che non fosse una lezione di storia”. E all’ascolto di “Recapturing The Banjo” non c’è alcun dubbio che Otis Taylor abbia centrato in pieno l’obiettivo, grazie anche al fattivo contributo di altri illustri musicisti e chitarristi che col banjo hanno parecchia confidenza: Guy Davis, Corey Harris, Alvin Youngblood Hart (impegnato anche alla lap steel guitar), Keb’ Mo’ e Don Vappie. Insomma, una vera parata di stelle (cui vanno aggiunti il trombettista Ron Miles e la bassista e cantante Cassie Taylor) che dona al CD un’aura di straordinarietà. Fra composizioni originali e traditional arrangiati per l’occasione (ma c’è anche la mitica “Hey Joe”, che i più ricordano come uno dei cavalli di battaglia di Jimi Hendrix), “Recapturing The Banjo” è un concentrato di negritudine, ma è anche e forse prima di tutto una dichiarazione poetica di grande intensità.

Nato a Chicago, nel 1948, Otis Mark Taylor cresce a Denver dopo che i genitori hanno lasciato la Windy City a seguito di un grave lutto familiare (l’assassinio dello zio di Otis). “Sono cresciuto in mezzo a musicisti di jazz”, racconta Otis Taylor, “Mio padre lavorava nella ferrovia e conosceva un sacco di jazzisti. Aveva idee socialiste ed era un seguace dei beboppers”. La madre, Sarah, anche lei impegnata socialmente, ha invece un debole per Etta James e Pat Boone. Il piccolo Otis passa gran parte del proprio tempo libero di adolescente al Denver Folklore Center, dove familiarizza con il suo primo strumento, il banjo. Successivamente impara a suonare la chitarra e l’armonica e costituisce la Butterscotch Fire Department Blues Band: i modelli di questo periodo formativo sono Mississippi John Hurth, Junior Wells e Muddy Waters. In seguito è la volta della Otis Taylor Blues Band e, alla fine degli anni Sessanta, di un breve soggiorno in Inghilterra, dove il musicista statunitense cerca di incidere un disco per la Blue Horizon. La cosa non va in porto e Otis riprende la strada di casa: nel 1977 decide di abbandonare le musica attiva, dedicandosi al commercio di oggetti antichi e diventando allenatore di una squadra dilettantistica di ciclismo. Per il ritorno sulle scene musicali di Otis Taylor bisognerà attendere il 1995: due anni dopo esce “Blue Eyed Monster”, seguito nel 1998 da “When Negroes Walked The Earth” e nel 2001 da “White African”, disco che ottiene quattro W. C. Handy Award nominations e che rappresenta un momento cruciale nella carriera di Otis Taylor. Così come lo sarà poco dopo l’entrata nella scuderia della Telarc.

DENA DE ROSE - MARVIN STAMM - The Nearness of Two - GoFour

2008-03-31T14:49:00.022+02:00

Ecco un disco ideale per chi ama il jazz più intimista e colloquiale: ne sono splendidi protagonisti la cantante e pianista Dena De Rose e il trombettista Marvin Stamm, colti dal vivo il 14 luglio 2006, durante la loro applaudita esibizione nell’ambito del festival “Ancona Jazz Summer”. Il CD riconsegna fedelmente la magica atmosfera di quella serata: “Né io né Dena sapevamo al momento che cosa avremmo fatto della registrazione del concerto. Ma poi, ascoltandola, ci siamo resi conto che la qualità della performance era talmente elevata da sorprendere prima di tutto noi stessi”, scrive nelle note di copertina di “Nearness of Two” Marvin Stamm, solista eccellente che da anni ha trovato in Dena De Rosa una partner artistica particolarmente congeniale. “Io e Dena suoniamo spesso assieme. Ma suonare in duo può essere molto rischioso, perché entrambi i musicisti sono totalmente esposti. Non ti puoi nascondere, senza l’aiuto del basso e della batteria. I concerti in duo possono però essere facili se i due musicisti sono disponibili ad ascoltarsi reciprocamente e a mettere in campo tutta la propria sensibilità”, aggiunge il trombettista, “Dena possiede queste qualità: per me suonare con lei è sempre fonte di grande gioia”.

Lungo gli oltre 70 minuti di “Nearness of Two” si viene irrimediabilmente catturati dall’empatia che accomuna i due protagonisti: standard di ieri e di oggi – come There Is No Greater Love, How Deep Is The Ocean, The Nearness of You, parafrasato per dare il titolo al CD, il monkiano Straight, No Chaser, Corcovado di Jobim, Joy Spring di Clifford Brown e Imagine di John Lennon – sono il terreno sul quale è fiorito un dialogo paritario, prezioso, che ha emozionato il pubblico in sala ed emoziona ora l’ascoltatore casalingo.

Dena De Rose ha cominciato la carriera musicale come pianista. Un malanno alle mani l’ha però costretta ad interrompere per due anni la pratica del suo strumento. Durante questo periodo di forzata inattività, si è scoperta anche cantante e, rimesse le dita sulla tastiera, si è rivelata adeguata accompagnatrice di se stessa. Critica e pubblico hanno quindi accolto bene i suoi album solistici e molti musicisti l’hanno coinvolta nei propri gruppi.

Marvin Stamm vanta una lunga carriera come sideman. Negli anni Sessanta ha fatto parte dell’orchestra di Stan Kenton, suo scopritore, e successivamente ha suonato con le big band di Woody Herman, Thad Jones e Mel Lewis, Duke Pearson. Ha anche collaborato con Benny Goodman, Frank Sinatra, Bob Mintzer e, in tempi più recenti, con Maria Schneider. A lui si sono rivolti anche artisti pop del calibro di Barbra Streisand, Paul McCartney e Paul Simon. Ultimamente ha intensificato l’attività come leader e attualmente guida un quartetto che schiera il pianista Bill Mays, il contrabbassista Rufus Reid e il batterista John Riley.

EMANUELE BASENTINI - CARLO ATTI - The Best Thing For You - Red Records

2008-03-31T14:49:00.021+02:00

Pochi ma buoni: dopo aver attraversato i decenni seguendo una linea artistico-editoriale che via via si è concentrata sulle tendenze più vicine alla strada maestra del jazz, la Red Records ha diradato negli ultimi tempi la propria produzione, senza tuttavia venire meno ai principi di qualità che da sempre contraddistinguono l’etichetta milanese. Alla recente “scoperta” del sassofonista settantenne Vittorio Gennari, che col suo “The Sound” ha riscosso ampi consensi di critica e pubblico, segue adesso un altro album che incontrerà sicuramente i favori di chi ama il jazz più sanguigno. Il CD si intitola “The Best Thing For You” e ha come principali protagonisti il chitarrista Emanuele Basentini, abituale partner di Renzo Arbore, e il sassofonista tenore Carlo Atti.

“Atti e Basentini, sui rispettivi strumenti, sono al top”, scrive nelle note di copertina di “The Best Thing For You” Sergio Veschi, anima e motore della Red Records, “Questo è noto già da tempo a tutti i musicisti che li hanno sentiti e/o hanno collaborato con loro, nonché a tutti i conoscitori e appassionati che non si fanno abbindolare dalle mode”. “Di Carlo Atti si parla dalla fine degli anni Ottanta: mi capitò più volte di sentirlo al Capolinea di Milano, spesso con l’altro bolognese Piero Odorici”, continua Veschi, “Emanuele Basentini vinse una delle prime edizioni del Premio intestato a Massimo Urbani: Franco D’Andrea, che faceva parte della giuria, me ne parlò in termini entusiastici. Anche altri musicisti me ne parlarono benissimo e, per vie traverse ma più che affidabili, ebbi modo di sapere che Pat Metheny lo aveva ascoltato in un club di Roma e ne era rimasto folgorato”.

Alla realizzazione di “The Best Thing For You”, registrato a Roma fra marzo e aprile 2007, hanno preso parte musicisti attivi nel circuito jazzistico della capitale e nazionale: i pianisti Pietro Lussu (impegnato in un brano all’organo) e Leonardo Borghi, i contrabbassisti Pietro Ciancaglini, Vincenzo Florio e Giuseppe Talone, i batteristi Lorenzo Tucci e Marco Valeri. Tutti ben sintonizzati sulla lunghezza d’onda di un jazz vibrante, spumeggiante, coinvolgente, memore della lezione dei grandi maestri del jazz moderno ma nel contempo attualissimo. In scaletta prevalgono gli standard (due soli i temi originali: Smoker’s di Basentini e Red’s Time di Ciancaglini), ma la personalità e l’autorevolezza con cui vengono affrontati dona a ogni brano una palpabile freschezza interpretativa. Insomma, un disco in purissimo stile Red Records.

Nato a Potenza nel 1971, Emanuele Basentini ha abbandonato gli studi al Conservatorio della sua città per dedicarsi interamente all’approfondimento del linguaggio jazzistico. Questa scelta di campo lo ha portato a farsi valere accanto a Massimo Urbani, Franco D’Andrea, Steve Grossman, Daniel Humair, Tony Scott e tanti altri. Nel 1997 si è aggiudicato il Premio Nazionale “Massimo Urbani” di Urbisaglia e, grazie alla militanza nell’orchestra di Renzo Arbore, ha in seguito partecipato a numerosi programmi televisivi.

Originario della provincia di Bologna, classe 1968, Carlo Atti a suonato con, fra gli altri, Massimo Urbani, Larry Nocella, Sal Nistico, Steve Grossman. Con il collega di strumento Piero Odorici ha stabilito un proficuo sodalizio, testimoniato anche dall’adesione di entrambi al Nuovo Sestetto Italiano” (con Gianni Cazzola alla batteria)statunitense. Per la Red Records ha inciso l’album Suite Beat Blues, accreditato anche al pianista Hal Galper.

ERIC BIBB - Get Onboard - Telarc

2008-03-31T14:49:00.020+02:00

“Non ho dubbi ad affermare che si tratta di uno dei progetti più coinvolgenti della mia carriera”: così Eric Bibb definisce “Get Onboard”, suo quinto album dato alle stampe dalla Telarc. “È un’ulteriore esplorazione di quel luogo musicale in cui il blues incontra il gospel e il soul. E con questo disco voglio trasmettere un messaggio semplice ma molto diretto: vorrei che la gente mi seguisse, non solo in quanto artista, e condividesse lo spirito che guida l’album, uno spirito di unità”, aggiunge il cantante e chitarrista, sorta di moderna e autorevole reincarnazione dei grandi folk-bluesmen del passato.

Registrato a Nashville fra la primavera e l’estate del 2007, e poi ultimato in fase di post-produzione in Svezia, “Get Onboard” vede la partecipazione straordinaria di Bonnie Raitt, alla slide guitar in If Our Hearts Ain’t In It, brano di chiara matrice gospel, e di Ruthie Foster, protagonista di un emozionante duetto vocale con lo stesso Bibb in Conversation. Oltre alle due illustri ospiti, vanno ricordati, tra coloro che hanno contribuito fattivamente alla riuscita del disco, almeno il tastierista e produttore Glen Scott, il chitarrista e bassista Tommy Sims e il batterista Lemar Carter. E in aggiunta ai brani citati, meritano particolare menzione Spirit I Am, energica apertura del CD, The Promised Land, intriso dello spirito dei grandi bluesmen del Delta, la title track, insaporita dai deliziosi arpeggi della chitarra acustica di Bibb, e Stayed On Freedom, splendida chiusura in chiave acustica (solo voce, chitarra e armonica) di un album sfaccettato, ricco di fragrante musicalità, che ritrae al meglio il suo principale artefice.

Nato a New York nel 1951, Eric Bibb è cresciuto in una famiglia dove la musica era di casa: il padre, Leon Bibb, è stato negli anni Sessanta personalità di rilievo del circuito folk, oltreché noto per le sue esperienze teatrali e televisive (a 16 anni Eric sarà al suo fianco nello show televisivo “Someone New”). E il pianista John Lewis, artefice del celebre Modern Jazz Quartet, era suo zio. Alla musica Eric Bibb si è perciò avvicinato molto presto: all’età di sette anni imbraccia la chitarra per la prima volta. Le influenze musicali formative si chiamano Bob Dylan, Joan Baez, Pete Seeger, Odetta, Richie Havens, Judy Collins. Nel 1969 Eric Bibb suona la chitarra con la Negro Ensemble Company: di lì a poco si trasferisce in Europa, trascorrendo gli anni Settanta prima a Parigi e poi in Svezia. Al ritorno a New York, si inserisce nella scena musicale della città suonando come “spalla” di Sonny Terry, Brownie McGhee, Tania Maria, Etta James e dei Persuasions. L’attività discografica in proprio prenderà avvio nella seconda metà degli anni Novanta: di questo periodo sono due album per l’etichetta svedese Opus 3, “Good Stuff” (1997) e “Spirit & The Blues” (1999). Seguono, tra gli altri dischi, “Painting Signs” (2001) e “Natural Light” (2003). L’entrata nella scuderia Telarc avviene nel 2004 e segna un decisivo passo in avanti nella carriera di Eric Bibb: la nuova fase viene inaugurata da “Sisters and Brothers” (2004), forte di ospiti come Rory Block e Maria Muldaur, e prosegue con “Friends” (2004), realizzato con l’apporto di illustri amici quali Taj Mahal, Odetta, Guy Davis e Charlie Musselwhite, con “A Ship Called Love” (2005), altra gemma di sensibilità espressiva cui non sono da meno il successivo “Diamonds Days” (2007) e lo stesso “Get Onboard”.

CARIBBEAN JAZZ PROJECT - Afro Bop Alliance - Heads Up

2008-03-31T14:48:00.011+02:00

A due anni di distanza dall’album precedente, “Mosaic”, la Heads Up pubblica un nuovo lavoro del Caribbean Jazz Project, ovvero uno dei marchi che meglio rappresentano oggi il composito universo del latin jazz e dietro il quale c’è da sempre il vibrafonista Dave Samuels. Il CD prende il nome dalla formazione che Samuels ha stavolta coinvolto, l’Afro Bop Alliance, altra significativa realtà contemporanea del più schietto jazz di impronta latina. Diretta dal batterista e percussionista Joe McCarthy e per l’occasione ampliata ad altri musicisti, sino ad assumere la configurazione di una sontuosa big band, l’Afro Bop Alliance si è messa al servizio di Samuels per confezionare un disco che alterna temi composti dallo stesso vibrafonista e classici del jazz, ovviamente riletti alla maniera del Caribbean Jazz Project. La scaletta include infatti Naima di John Coltrane, Stolen Moments di Oliver Nelson, Bemsha Swing di Thelonious Monk, cui si aggiunge Soul Sauce di Dizzy Gillespie, uno dei maestri del jazz che più ha flirtato con il mondo musicale caraibico.

“L’idea del Caribbean Jazz Project è sempre stata quella di esplorare la ricchezza della musica fuoriuscita dall’ampio bacino della cultura caraibica, evolutasi a contatto con l’Africa e l’Europa”, racconta Dave Samuels, “Quando il gruppo si è formato, il suo sound ruotava soprattutto attorno alla combinazione fra i miei due strumenti, vibrafono e marimba, sassofono e steel drums. Poi l’aggiunta di flauto e chitarra ha donato nuove sfumature alla nostra musica”. E sul nuovo album dice: “Mi è sempre piaciuto reinventare gli standards. È una specie di sfida arrangiare un brano in una chiave diversa ma che nello stesso ne mantenga intatta la riconoscibilità”. Tra i brani selezionati per “Afro Bop Alliance”, quello che desterà maggiori sorprese è sicuramente Naima: l’inedita versione latina della splendida composizione coltraniana è uno dei punti forti dell’album e suffraga le parole di Samuels, musicista dal vasto bagaglio di esperienze e per questo motivo in grado di mescolare al meglio ingredienti musicali diversi. Che è poi appunto la stessa filosofia che sta alla base del Caribbean Jazz Project e di un CD che incontrerà sicuramente i favori di chi ama il latin jazz più inventivo e ritmicamente scoppiettante.

Costituito nel 1993 in occasione di un concerto speciale tenutosi al Central Park Zoo, il Caribbean Jazz Project ha via via consolidato la propria identità, arrivando a collezionare un Grammy Award (con l’album “The Gathering” del 2001) e due Nomination, andate rispettivamente ai successivi “Birds of A Feather” (2003) e “Here And Now - Live In Concert” (2005). La ricca discografia del gruppo (in tutto nove album, sei su etichetta Concord e tre su Heads Up) testimonia l’adesione all’idea di Dave Samuels da parte di altri musicisti di valore quali il sassofonista cubano Paquito D’Rivera, lo specialista di steel drums Andy Narell, il flautista Dave Valentin, il chitarrista Steve Khan. Oltre che col Caribbean Jazz Project, e grazie al suo approccio innovativo al vibrafono e alla marimba, Dave Samuels si è distinto al fianco di Gerry Mulligan, Pat Metheny, John Scofield, Frank Zappa, e in qualità di componente di gruppi quali gli Spyro Gyra, i Double Image (nei quali interagiva con il collega di strumento Don Friedman) e i Timepiece.

Novita' Nu Bop Records

2008-03-05T17:56:00.002+01:00

Matthew Shipp - Guillermo E. Brown

“Telephone Popcorn”

The Sabir Mateen Quartet
“Other Places Other Spaces”

Dopo aver dato alle stampe i CD del duo Paolo Angeli – Hamid Drake (“Uotha”) e del trio formato dal pianista Alberto Braida, dal contrabbassista Lisle Ellis e dal batterista Fabrizio Spera (“di terra”), l’etichetta italiana Nu Bop Records pubblica ora altri due CD, che stavolta hanno come esclusivi protagonisti figure preminenti delle attuali avanguardie afro-americane: “Telephone Popcorn” di Matthew Shipp e Guillermo E. Brown e “Other Places Other Spaces” del quartetto del sassofonista Sabir Mateen.

“Telephone Popcorn” vede all’opera due musicisti che hanno consolidato la propria collaborazione grazie alla comune militanza nel quartetto del sassofonista David S. Ware. Mentre Matthew Shipp siede all’abituale pianoforte, Guillermo E. Brown ha messo invece da parte piatti e tamburi per presentarsi in qualità di alchimista elettronico. “Matt e io abbiamo suonato sino ad oggi in molteplici situazioni, ad iniziare dal quartetto di David e dal trio dello stesso Matt. Siamo quindi molto uniti sia come musicisti, sia come amici”, dice Guillermo E. Brown. “Questa volta, però, abbiamo voluto fare qualcosa di completamente diverso: l’album si basa sull’interazione tra il mio pianoforte e le macchine elettroniche programmate da Guillermo”, aggiunge Matthew Shipp. Il risultato può essere spiazzante ma, superato l’iniziale disorientamento, si viene catapultati in una dimensione sonora sospesa nel tempo e nello spazio che sovente si ricollega idealmente alle esplorazioni sonore di Sun Ra, al quale è dedicato l’episodio più lungo del CD, The Everlasting Sun. L’album è stato registrato il 20 giugno 2005 all’Avery Arts Center di Abnnandale-On Hudson (New York).

In “Other Places Other Spaces” Sabir Mateen (sax tenore e contralto, flauto, clarinetti) è affiancato dal pianista Raymond A. King, dalla contrabbassista e violoncellista Jane Wang e dal batterista e percussionista Ravish Monim (la registrazione del CD è stata effettuata nei Parkwest Sudios di Brooklyn il 28 giugno 2006). Con all’attivo importanti collaborazioni con Cecil Taylor, Sunny Murray, Alan Silva, Henry Grimes e William Parker, Sabir Mateen è oggi uno degli uomini del jazz d’oltre Atlantico più impegnati nel mantenere alta la gloriosa bandiera del free. E lo fa tenendo in debito conto le indicazioni dei maestri di questo stile (con una predilezione per Albert Ayler e l’ultimo John Coltrane, ma anche per lo stesso Sun Ra) ma aggiungendovi un’energia e un’incisiva espressive che sono farina del suo sacco. L’album reca la dedica al trombettista Raphe Malik, scomparso nel 2006.

PIERANUNZI - JOHNSON - BARON FEAT. KENNY WHEELER - “As Never Before” - (CAM Jazz )

2008-03-05T17:55:00.004+01:00

Enrico Pieranunzi e Kenny Wheeler, due magnifici solisti e altrettante colonne portanti del sempre più ricco catalogo della CAM Jazz, sono di nuovo insieme: dopo aver partecipato nel 2003 alla realizzazione di “Fellini Jazz”, il trombettista e flicornista anglo-canadese è coprotagonista assieme al pianista romano e ad altri due musicisti di assoluto valore come il contrabbassista Marc Johnson e il batterista Joey Baron di “As Never Before”, album di limpida, rara eleganza espressiva.

“I suoni di Wheeler, la sua musica così intensa, profonda, ricca di spazio e di uno speciale, malinconico lirismo, irruppero nel mio mondo musicale molti anni fa, attraverso un disco, “Gnu High”, che tuttora rimane, secondo me, una delle massime opere d’arte realizzate in ambito jazz e non solo”, afferma Enrico Pieranunzi, “E non ho difficoltà ad ammettere che quella musica mi influenzò fortemente e che probabilmente contribuì in maniera decisiva a darmi il coraggio di modificare radicalmente il mio modo di comporre. Nel 1997 io e Kenny ci incontrammo per la prima volta su un palco per un concerto insieme: fu la realizzazione di un sogno. Ora, con questo nuovo CD, diventa realtà un sogno nel sogno: quello di un intero programma di mie composizioni interpretate proprio da Wheeler”.

Registrato il 30 novembre e il 1° dicembre del 2004 nei rinomati Bauer Studios di Ludwigsburg, in Germania, “As Never Before” presenta nove tracce, sette composizioni dello stesso Pieranunzi più due improvvisazioni collettive che illustrano ulteriormente l’elevato grado di affiatamento tra i quattro musicisti: Johnson e Baron costituiscono, come ben noto, quello che Pieranunzi ama definire “il trio del mio cuore”. Affiatamento che lungo tutto l’album si traduce in una musica di grande senso lirico, di profondo respiro melodico, ricca di felici invenzioni collettive e individuali. “Come il titolo giustamente suggerisce”, aggiunge Pieranunzi, “As Never Before è per varie ragioni qualcosa di assolutamente unico, mai accaduto prima”.

Oltre che con i dischi incisi con Marc Johnson e Joey Baron (i due volumi dedicati a Morricone, “Current Conditions”, “Ballads” e ”Live In Japan”) Enrico Pieranunzi è presente nel catalogo della CAM Jazz con “Jazz Roads”, che raccoglie registrazioni del 1980, “Doorways” (in duo con Paul Motian più il sassofonista Chris Potter in alcuni brani), “Special Encounter” (in trio con Charlie Haden e lo stesso Motian), “Fellini Jazz” (con Kenny Wheeler, Potter, Haden e Motian), e “Duologues”, in coppia con Jim Hall. Kenny Wheeler ha invece firmato per la CAM Jazz “Where Do We Go From Here?”, in duo con il pianista John Taylor, “What Now?”, insignito nel 2005 di una prestigiosa Grammy Nomination nella categoria “Best Jazz Instrumental Album”, “It Takes Two!” e il recentissimo “Other People”, nel quale il trombettista è affiancato da un quartetto d’archi.

KENNY WHEELER - “Other People” - (CAM Jazz)

2008-03-04T12:50:00.007+01:00

“Other People” è il terzo album della CAM Jazz completamente a nome di Kenny Wheeler, dopo “What Now?”, insignito nel 2005 di una prestigiosa Grammy Nomination nella categoria “Best Jazz Instrumental Album”, e “It Takes Two!” (2006), ai quali vanno aggiunti “Where Do We Go From Here?”, registrato in duo con John Taylor, e “Fellini Jazz” di Enrico Pieranunzi.

Musicista la cui longevità creativa è davvero fuori dal comune, il trombettista e flicornista ha affrontato in occasione della sua nuova fatica discografica una di quelle sfide che in passato hanno affascinato e continuano tuttora ad affascinare numerosi jazzisti: suonare con un gruppo di archi. Per realizzare “Other People” Kenny Wheeler ha infatti coinvolto uno dei più rinomati quartetti d’archi attualmente in attività: l’Hugo Wolf String Quartet. Ospite del CD è, poi, colui che da decenni è il più assiduo e congeniale partner del musicista anglo-canadese: il pianista inglese John Taylor, altro artista di punta del sempre più nutrito catalogo della CAM Jazz.

Come osserva nelle note di copertina Simon Spillett, “Wheeler, come da sua consuetudine, non ha lavorato in modo autoreferenziale, ma ha messo la sua musica al servizio dei musicisti con cui ha collaborato, favorendo in questo modo il dialogo fra il quartetto d’archi, se stesso e John Taylor”. E in questo ha dimostrato ancora una volta quella modestia che, unitamente a tutte le numerose altre qualità che gli sono proprie, ne fa un grande artista, capace di confrontarsi con ambiti stilistici ed espressivi diversi, mantenendo inalterata la propria identità.

Per “Other People” Kenny Wheeler ha scritto otto composizioni che esaltano il suo naturale, mirabile lirismo. In due di esse, Nita 3 e String Quartet N. 1, poste al centro del CD, l’autore si è tenuto volutamente in disparte, lasciando il campo ad esclusivo appannaggio degli archi, che si sono appropriati con sensibilità interpretativa del dinamico disegno compositivo di Wheeler. Lungo gli oltre 13 minuti di String Quartet N. 1 si coglie tutta la fragranza melodica di un compositore che sa bene come tradurre in musica le proprie emozioni: l’ascolto di questo pezzo rivela una tale padronanza di scrittura che sembra impossibile possa trattarsi della prima esperienza di Wheeler con un quartetto d’archi. Ma tutto l’album è ricco di una musicalità tanto rara quanto preziosa. E quando soffia nella tromba o nel flicorno, Wheeler fa volare la sua immaginazione e quella dell’ascoltatore, letteralmente rapito da tanta purezza e bellezza sonora. In sintonia con il clima generale sono, ovviamente, gli interventi di John Taylor, altro solista di finissima classe che non manca mai di offrire prove degne della sua fama di elegante improvvisatore.

“Other People” è un disco importante, non solo perché propone all’ascolto un Kenny Wheeler inedito: in ogni nota del CD si coglie appieno il raffinato mondo sonoro di un artista che è prima di tutto un poeta straordinario. Uno che riesce a far cantare i suoi e gli altrui strumenti in modo ineguagliabile e, quindi, a comunicare un profondo senso di umanità.

JOHN TAYLOR - “Whirlpool” - (CAM Jazz)

2008-03-04T12:50:00.005+01:00

John Taylor si conferma artista di spicco della CAM Jazz firmando “Whirlpool”, secondo album inciso in trio con il contrabbassista Palle Danielsson e il batterista Martin France, dopo “Angel of The Presence” del 2005. Oltre che con questi due lavori, il pianista inglese è presente nel catalogo dell’etichetta italiana con il solitario “Songs and Variations” e con “Where Do We Go From Here?”, in duo con Kenny Wheeler, figurando anche in due dischi a nome dello stesso trombettista e flicornista anglo-canadese, “What Now?”, insignito nel 2005 di una Grammy Nomination, e del nuovissimo “Other People”. Da segnalare è, inoltre, “Pure And Simple”, intestato alla Guildhall Big Band e interamente costituito da composizioni di John Taylor, che vi compare come special guest.

“Whirlpool” riporta inevitabilmente alla mente il celebre trio di Bill Evans con Scott La Faro e Paul Motian: a quello storico gruppo, oltre che allo stile pianistico dello stesso Evans, John Taylor fa esplicito riferimento, ma mettendoci parecchio di suo, ad iniziare dalla classe cristallina con cui sfiora i tasti del suo strumento. Tre delle otto composizioni del CD sono di Kenny Wheeler (Consolation, Nicolette e Everybody’s Song But My Own) e altrettante del pianista (la title track, For Aida e The Woodcocks). Completano il quadro la gershwiniana I Loves You Porgy, di cui Bill Evans regalò memorabili interpretazioni, e il canto natalizio In The Bleak Midwinter di Gustav Holst. E proprio partendo dal materiale tematico selezionato per l’occasione, “Whirlpool” è un concentrato di sensibilità musicale: il leader e i due partner costituiscono un’entità inscindibile, così come lo era il grande trio di Bill Evans. Una menzione doverosa va alla qualità della registrazione, effettuata nell’ottobre 2005 ai Bauer Studios di Ludwigsburg: come osserva giustamente Thomas Conrad nelle note di copertina, “la bellezza di Whirlpool non può essere separata dal calore, dalla chiarezza e dall’immediatezza della sua resa sonora”.

Nato a Manchester nel 1942, John Taylor ha iniziato a distinguersi nel vivace scenario jazzistico britannico sul finire degli anni Sessanta, suonando nei gruppi dei sassofonisti Alan Skidmore e John Surman. Nei primi del decennio successivo ha accompagnato la cantante Cleo Laine e costituito un proprio sestetto. Sempre di quegli anni sono i primi dischi nelle vesti di leader, “Pause and Think Again” (1971) e “Decipher” (1973), nonché la collaborazione con il sassofonista Ronnie Scott. Nel 1977 John Taylor ha quindi fondato il trio Azimuth, assieme a Kenny Wheeler e a Norma Winstone. Seguiranno numerose incisioni sotto varie leadership (Wheeler, Surman, Jan Garbarek, Miroslav Vitous, Peter Erskine) e da ricordare è pure il fecondo sodalizio con la nostra Maria Pia De Vito.

Non da adesso lo svedese Palle Danielsson è uno dei massimi esponenti del contrabbasso jazz, non solo a livello europeo: tra le sue innumerevoli collaborazioni spiccano quelle con Keith Jarrett, Charles Lloyd e con Peter Erskine, in un trio completato dallo stesso John Taylor. Martin France si è messo in luce negli anni Ottanta come componente dei Loose Tubes e poi dei gruppi del tastierista Django Bates. Ha suonato anche con Lee Konitz, Dave Holland, Ralph Towner, Nils Petter Molvær e altri.

DUE GRAMMY NOMINATION ALLA CAM JAZZ

2008-03-04T12:49:00.002+01:00

DUE GRAMMY NOMINATION ALLA CAM JAZZ
CON 1000 KILOMETERS DEGLI OREGON

Per il terzo anno consecutivo la CAM Jazz ha ottenuto una prestigiosa nomination ai Grammy Awards...anzi due. L’album che questa volta – dopo "What Now?" di Kenny Wheeler e "Viva" di Diego Urcola - ha conquistato l’attenzione della giuria della 50° edizione di quelli che sono considerati gli Oscar della musica è "1000 Kilometers" degli Oregon, che ha appunto ottenuto due nomination: la prima nella categoria "Best Jazz Instrumental Solo" per l’assolo di Paul McCandless nel brano che dà il titolo al CD, la seconda nella categoria "Best Instrumental Composition", grazie a Deep Six del batterista Mark Walker.
Per la CAM Jazz si tratta di un risultato importantissimo, ulteriore riconoscimento della qualità che da sempre contraddistingue le produzioni dell’etichetta discografica italiana, che ormai non necessita più di molte presentazioni. Riconoscimento che viene per merito di un gruppo che da oltre 35 anni riflette una visione musicale a 360°, naturale punto di incontro fra suoni diversi e altrettante culture. Quella del quartetto statunitense è, infatti, una vera musica senza confini, mirabile fusione fra jazz, atmosfere cameristiche e profumi folklorici provenienti da varie latitudini e longitudini. Dopo tanti anni di attività insieme, il chitarrista Ralph Towner, il fiatista Paul McCandless e il contrabbassista Glen Moore, membri fondatori degli Oregon ai quali si è unito nel 1996 il batterista/percussionista Mark Walker, continuano dunque a creare una musica ricca di fascino e di espressività: le due Grammy Nomination per "1000 Kilometers", secondo album degli Oregon per la CAM Jazz dopo "Prime" del 2005, sono più che una conferma.

STANLEY CLARKE - Toys of Men - (Heads Up)

2008-03-04T12:35:00.010+01:00

Preceduto nei mesi scorsi dal DVD “Night School: An Evening With Stanley Clarke & Friends”, nel quale il principale protagonista divide la scena con altre forti personalità musicali come Stevie Wonder, Stewart Copeland e Marcus Miller, esce adesso l’atteso album di Stanley Clarke per la Heads Up, che con l’entrata nella propria scuderia del formidabile bassista acquisisce così un altro nome di prestigio. Il CD si intitola “The Toys of Men” e si configura come una sorta di concept album ispirato dalla follia della guerra: “Se si studia la storia e nello specifico la storia della guerra, si ritrovano sempre alcune semplici dinamiche”, osserva Stanley Clarke, “Quando ci sono dissapori e dispute tra paesi, la gente riprende i propri “giocattoli” e pensa a come può usarli per intimorire gli avversari. Questo ci rimanda ai giorni in cui si combatteva con le spade e gli scudi, con le pietre e i bastoni. Fa parte della natura umana, specialmente del genere maschile. Ed è un concetto base al quale ci si appiglia quando si vuole conquistare qualcuno o qualcosa. In questi momenti della storia, quando si è in guerra o sull’orlo della guerra, l’idea di concedere qualcosa non esiste più”. Stanley Clarke ha tradotto il suo pensiero nelle 13 tracce di “The Toys of Men”, tutte esplicative di altrettanti stati d’animo, ad iniziare dalla stessa title track, concepita come una suite suddivisa in sei parti: “In questo pezzo si possono cogliere differenti emozioni”, spiega Clarke, “C’è paura, confusione, caos, e tutte queste cose sono associate con la guerra e la distruzione. Ma alla fine, c’è posto per la speranza”.

Musicalmente “The Toys of Men” rispecchia una tale varietà di stimoli, passando da momenti in cui vengono recuperate storiche esperienze del jazz elettrico (Mahavishnu Orchestra, Return To Forever) ad altri prossimi al funk (Come On), al pop più sofisticato (All Over Again, con sugli scudi la voce di Esperanza Spalding), alla musica brasiliana (La Cancion De Sofia). Lungo il CD Stanley Clarke si ritaglia alcuni notevoli siparietti solistici incisi nello studio di casa col contrabbasso: “Negli ultimi due anni ho suonato parecchio il contrabbasso, approfondendo diverse modalità tecniche ed espressive, molte della quali derivano dalla mia collaborazione con Jean-Luc Ponty e Al Di Meola nel gruppo Rite of Strings. Lavorando con loro ho potuto sviluppare un approccio al contrabbasso inteso come vero strumento solista”, afferma Clarke, che con “The Toys of Men” offre un completo ritratto di sé, sia come eccellente strumentista, sia come ingegnoso compositore.

Nato a Philadelphia il 30 giugno 1951, Stanley Clarke è apparso prepotentemente sulle scene musicali nei primissimi anni Settanta, mettendosi in luce appena ventenne accanto a musicisti navigati come Horace Silver, Art Blakey, Joe Henderson e Stan Getz. L’attenzione su di lui si è focalizzata in modo particolare nel momento in cui Chick Corea lo ha invitato ad entrare nei Return To Forever, gruppo con il quale il bassista ha inciso otto album. Parallelamente Stanley Clarke ha dato avvio alla propria carriera solistica, registrando nel 1974 il primo album a proprio nome, al quale ne sono seguiti diversi altri. Tra le numerose imprese portate a termine si ricordano anche la costituzione del Clarke/Duke Project assieme al tastierista George Duke, le collaborazioni con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Jeff Beck, Keith Richards, Billy Cobham, Al Di Meola e Jean-Luc Ponty.

TOM HARRELL - DADO MORONI - Humanity - (Abeat)

2008-03-04T12:35:00.008+01:00

Dopo il pregevole “Live Conversations” inciso con il collega di strumento Enrico Pieranunzi, Dado Moroni è nuovamente al centro di un altro progetto discografico degno di doverosa attenzione. Questa volta il pianista genovese si fa ascoltare in coppia con lo statunitense Tom Harrell, tra i migliori trombettisti da anni in circolazione. E anche stavolta l’incontro è propiziato dalla Abeat, piccola ma intraprendente etichetta che, grazie alla crescente qualità delle sue produzioni, si sta guadagnando consensi sempre più ampi.

L’album firmato da Tom Harrell e da Dado Moroni si intitola “Humanity”: titolo azzeccatissimo che riflette in pieno lo spirito di cui il CD è pregno. Dice in proposito lo stesso Enrico Pieranunzi, chiamato a redigere brevi ma appassionate note di copertina: “Mi piace molto il titolo di questo CD. È una dichiarazione, un auspicio, una speranza. Ed è bellissimo che questo titolo si riferisca a un CD di jazz. Non c’è realmente musica più humana del jazz, di questa espressione del corpo e della fantasia che, improvvisando coi suoni, dicono della vita nel suo accadere. Tom Harrell e Dado Moroni raccontano di sé, semplicemente. Cantano il loro essere più interno usando il linguaggio cosiddetto mainstream…ma questo in fondo non è poi così importante. Quello che conta è il feeling profondo che c’è tra i due musicisti, un’intesa silenziosa e commossa che attraversa tutto il CD; contano le emozioni che arrivano da brani come Humanity, appunto, o The Nearness Of You, ma anche dalle altre tracce, che svelano una toccante possibilità di bellezza. È in casi come questi che il jazz arriva ad essere la più umana delle espressioni d’arte”.

Oltre alle composizioni citate da Pieranunzi, la prima delle quali scritta da Dado Moroni, l’album include altri memorabili standard: Lover, della premiata ditta Rodgers e Hart, I Hear A Rapsody, Darn That Dream e Poinciana. Ovunque si coglie l’intesa davvero simbiotica fra Tom Harrell e Dado Moroni, due musicisti che suonando insieme lasciano trasparire grande stima reciproca. Dice il trombettista americano: “Ho un grande rispetto per Dado per l’incredibile energia creativa e per il suo feeling. Spero che la nostra collaborazione continui così in futuro”. Gli fa eco il collega italiano in una affettuosa lettera: “Caro Tom, ti conosco e suoniamo insieme da due decenni e, nonostante tutto questo tempo, ancora riesci a sorprendermi ogni volta che facciamo musica insieme! Celebro la tua amicizia, il tuo senso dell’umorismo, la tua integrità, il tuo talento superbo e voglio ringraziarti per essere una continua fonte di ispirazione, sempre. Tu sei musica pura”.

“Humanity”, registrato in uno studio milanese il 6 aprile 2007, è la fotografia di un momento magico: uno di quei momenti che solo jazzisti di purissima razza, quali sono Tom Harrell e Dado Moroni, sanno regalare.

SIMPHIWE DANA - The One Love Movement On Bantu Biko Street - (Skip Records)

2008-03-04T12:35:00.006+01:00

È la nuova stella della musica africana: lo si può affermare senza timore di venire smentiti. Si chiama Simphiwe Dana e viene dal Sud Africa, terra musicalmente feconda che ha dato i natali a tanti grandissimi artisti. Ad attestarne il talento, basti dire che all’indomani della pubblicazione di “Zandisile”, suo esordio discografico, Simphiwe Dana è stata salutata come “la cosa migliore dopo Miriam Makeba nella Afro-Soul Music”. “Zandisile” – pubblicato in Sud Africa nel 2004 – ha riscosso un enorme successo di pubblico e critica: nel 2005, al SAMA (South African Music Awards, i Grammy sudafricani), Simphiwe Dana è stata proclamata “Esordiente dell’anno” e “Migliore cantante jazz”, ricevendo inoltre nomination come “Migliore autrice” e “Migliore artista femminile”.

Ora è la volta di “The One Love Movement On Bantu Biko Street” che si è già portato a casa ben tre SAMA 2007 nelle categorie “Album of The Year”, “Best Contemporary Jazz Album” e “Best Vocal Jazz Album”, mentre la stessa Simphiwe si è aggiudicata le sezione “Best Female Artist”. Un vero trionfo!

“The One Love Movement On Bantu Biko Street” è dunque molto più del classico album delle conferme: rispetto al debutto rappresenta un sensibile passo in avanti, testimoniando ancor più compiutamente l’ampio range stilistico all’interno del quale Simphiwe Dana agisce in gran scioltezza con la sua voce intensa, magnetica, potente e nel contempo duttile. Musicalmente, la cantante è capace di sintetizzare in maniera personalissima diversi generi musicali, dal soul al jazz, dall’afro-pop al reggae, senza ovviamente tralasciare richiami alla più autentica tradizione del suo Paese. Gli arrangiamenti strumentali delle 12 canzoni del CD sono curatissimi, con preziosi inserti di fiati e archi su incalzanti tappeti ritmici. E come avvenuto in “Zandisile”, una grande importanza l’hanno i testi, cantati in Xhosa, lingua madre di Simphiwe, che per scrivere le sue canzoni si ispira a tematiche sociali, all’amore, alla famiglia, ma soprattutto alla lotta che gli oppressi devono condurre quotidianamente per conquistare e mantenere la propria libertà. Dice Simphiwe Dana a proposito della canzone che dà il titolo all’album: “Bantu Biko Street è l’unica strada lastricata con le nostre speranze e i nostri sogni, la nostra strada dorata che prima di tutto deve esistere nelle nostre menti”.

Nativa di un villaggio chiamato Ccuwa e cresciuta a Lusikisiki, Simphiwe Dana ha cominciato a cantare nei cori delle chiese dell’East Cape. Con l’abolizione dell’Apartheid, ha potuto dedicarsi allo studio, interessandosi inizialmente di graphic design e moda. Trasferitasi quindi a Johannesburg, culla dell’industria musicale sudafricana, Simphiwe ha intrapreso il percorso che in breve l’ha portata a conquistarsi l’attenzione di noti musicisti e produttori e poi alla realizzazione di “Zandisile” e di “The One Love Movement On Bantu Biko Street”. Tra le proprie influenze, Simphiwe Dana indica jazz singer del calibro di Sarah Vaughan e Lena Horne e leggende della musica africana come Dorothy Masuka, ma anche nomi del mondo del reggae, del jive e della musica tradizionale Xhosa.

CAROL WELSMAN - “Carol Welsman” - (Justin Time )

2008-03-04T12:34:00.003+01:00

Canadese. Bionda. Una bellezza acqua e sapone. Una voce che seduce al primo ascolto. Dita che accarezzano i tasti del pianoforte per regalare note cristalline. È l’identikit di Carol Welsman, non l’ultima di tante promesse della scena musicale al femminile, ma un’interprete e musicista che ha già dato prova di talento e versatilità. In patria è una star, ma anche a livello internazionale il suo nome circola insistentemente da tempo e il suo nuovo album, il settimo in carriera e il primo per la Justin Time, ha tutte le carte in regola per consolidarne la fama. Intitolato semplicemente “Carol Welsman”, l’album è stato realizzato con il fattivo contributo nelle vesti di produttore e strumentista di Jimmy Haslip, bassista dei gloriosi Yellowjackets.

“Da tempo avevo nel cassetto il sogno di realizzare un album di musica latina, e soprattutto di cantare in lingue diverse, compreso lo spagnolo. Da quando frequento il mondo della musica popolare sono cresciuta a contatto con la cultura spagnola, e recuperare alcuni suoi classici è stato facile. L’aggiunta di un sentimento latino a canzoni che magari non lo possedevano, è stato l’obbiettivo che mi ero prefissata. Volevo lavorare con un gruppo di jazzisti e realizzare un disco il più acustico possibile”, dice Carol Welsman, che oltre a Jimmy Haslip ha coinvolto per l’occasione il batterista e percussionista cubano Jimmy Branley e il chitarrista franco-canadese Pierre Coté. A questo nucleo di musicisti si sono aggiunti in alcuni brani i sassofonisti Eric Marienthal e Vern Dorge e il chitarrista John Acosta. La scaletta del CD include canzoni di varia provenienza, da Brazasia di Oscar Castro Neves a Eu Vim de Bahia di Gilberto Gil, da Dans Chette Chambre di Gordon Lightfoot a Dans Mon Ile di Henri Salvador, da What A Fool Belives di Kenny Loggins a Live To Tell di Madonna. Il finale del CD è riservato a Ora, canzone cantata in italiano, lingua che Carol Welsman conosce molto bene avendo vissuto in Italia per qualche tempo. Ma anche col francese, portoghese e spagnolo se la cava egregiamente, a testimonianza che il suo canto non ama i confini espressivi e linguistici. Il risultato è un album sofisticato al punto giusto, ricco di sfumature, che mescola la comunicativa del pop con le raffinatezze del jazz.

Carol Welsman è cresciuta con la musica nel sangue e nell’anima. La sua passione per il jazz l’ha portata negli anni Ottanta a frequentare il Berklee College of Music di Boston, dove si è diplomata in pianoforte. Successivamente ha soggiornato in Europa, studiando canto con Christiane Legrand (sorella del compositore Michel Legrand). A Parigi ha incontrato Romano Musumarra (produttore di Celine Dion e Pavarotti) che l’ha invitata a tradurre in inglese alcune sue canzoni. Forte di queste esperienze, Carol Welsman è quindi rientrata in Canada e dato avvio alla propria carriera solistica: l’album di esordio, “Lucky To Be Me” (1995), viene salutato da una nomination agli Juno Awards (i Grammy canadesi) nella categoria “Best Contemporary Jazz Album”. Lo stesso fortunato destino segnerà anche “Inclined” (1997) e “Language of Love” (2003), nel quale figura una versione di Senza fine di Gino Paoli. Nel 2006 Carol Welsman è stata eletta pianista dell’anno nei Canadian Smooth Jazz Awards.

ALAIN CARON - “Conversations” - (Cream Records)

2007-11-02T22:07:00.000+01:00

Alain Caron, uno dei massimi virtuosi in circolazione del basso elettrico, firma il suo settimo album nelle vesti di leader, “Conversations”. Il formidabile musicista canadese, noto per essere stato una delle colonne portanti degli Uzeb, ha voluto realizzare un lavoro caratterizzato da sonorità acustiche – egli stesso imbraccia un basso acustico MF – e, come indica esplicitamente il titolo del CD, dal dialogo a due voci. Allo scopo ha coinvolto alcuni musicisti particolarmente adatti al progetto: il vibrafonista Jean St-Jacques e i pianisti Otmaro Ruiz, Lorraine Desmarias, François Bourassa e Oliver Jones.

“Conversations” è costituito da 12 duetti, altrettanti gioielli di musicalità che rivelano una spiccata inclinazione a un dialogo pacato, intimo, giocato sul continuo scambio di idee fra i vari protagonisti. Tutte le composizioni sono dello stesso Caron, ad eccezione di uno dei brani più classici di Charlie Parker, Confirmation, e di Setembro (Brazilian Wedding Song), che reca il sigillo di una delle più grandi firme della musica brasiliana, Ivan Lins. Dal canto suo, Alain Caron si conferma anche in occasione di “Conversations” strumentista di altissimo livello tecnico ed è capace, anche con la spina staccata, di trasmettere un feeling tanto naturale quanto contagioso.

Nato a Saint Éloi, nel Quebec, il 5 maggio 1955, Alain Caron si è avvicinato alla musica da autodidatta all’età di 11 anni. Nei primi anni Settanta ha preso la via di Montreal, dove ha intrapreso gli studi musicali e iniziato a suonare, diventando un habitué dei jazz club della città e dei suoi dintorni. Successivamente si è iscritto al Berkley College of Music e durante la sua permanenza a Boston ha avuto modo di suonare con Jerry Bergonzi, Tom Harrell e Bob Moses, solo per fare qualche nome. Nel 1977 è avvenuto l’incontro con il chitarrista Michel Cusson. Incontro che ha rappresentato la base della costituzione di un gruppo destinato a un crescente successo internazionale nell’ambito della musica fusion: gli Uzeb. Accompagnata da numerosi riconoscimenti, la carriera degli Uzeb si è snodata attraverso 10 album: “Live In Bracknell” (1981), “Fast Emotion” (1982), “You Be Easy” (1984), “Between The Lines” (1985), “Live à l’Olympia” (1986), “Absolutely Live” (1986), “Noisy Nights” (1988), “Live In Europe” (1988), “Uzeb Club” (1989), “World Tour ‘90” (1990). Il concerto d’addio degli Uzeb, tenuto davanti al pubblico di casa il 6 luglio 1991, è documentato sul DVD “The Last Concert”. La fine del gruppo ha praticamente coinciso con l’avvio della carriera solistica di Alain Caron: il primo passo in questa direzione è stato l’album “Le Band” (1993), seguito da “Rhythm’n Jazz” (1995), “Play” (1997), “Call Me Al!” (2000), “ 5” (2003), “5 Live” (2006) e adesso da “Conversations”. In tutti questi anni Alain Caron si è anche prodotto come sideman, collaborando con Didier Lookwood, Mike e Leni Stern, Gino Vannelli, Frank Gambale e altri ancora.

DAVE BRUBECK - “Indian Summer” - (Telarc)

2007-10-22T13:07:00.005+02:00

“Alla bella età di quasi 88 anni (è nato a Concord, California, il 6 dicembre 1920), Dave Brubeck continua a sfiorare i tasti del suo strumento con immutata classe e maestria: “Indian Summer” è il suo diciottesimo album per la Telarc, etichetta alla quale è legato dal 1994. Questa volta l’anziano ma sempre lucidissimo pianista si è seduto alla tastiera per realizzare in completa solitudine un album dal sapore particolare, una sorta di autoritratto in musica.

Racconta lo stesso Dave Brubeck nell’intervista rilasciata al produttore Russell Gloyd e inserita nel booklet del CD: “È stato Bob Woods, Presidente della Telarc, a suggerirmi di registrare un album di piano solo da intitolare Indian Summer. Così, cominciai a pensare ai brani più adatti allo svolgimento di questo tema. Iniziai col riandare con la memoria ai miei amici indiani del Nord della California, dove sono cresciuto e dove ho tenuto il mio primissimo concerto. Mi ricordo che in quegli anni andavo al cinema con una mia compagna di classe che si chiamava Ramona e con la quale sono rimasto buon amico fino alla sua morte, avvenuta nel 2000. Il disco stava quindi prendendo una strada diversa da quella che Bob Woods aveva in mente. Mia moglie Iola mi disse che l’idea di Bob aveva dei risvolti filosofici: si riferiva all’estate indiana della mia vita. Continuando io a suonare e comporre, Bob riteneva che questa fase della mia vita fosse paragonabile alla fioritura di colori propria dell’Estate Indiana, prima dell’arrivo dell’autunno e dell’inizio dell’inverno. Così, dopo la tipica discussione tra marito e moglie, mi rimisi a ripensare all’album nei termini in cui mi aveva indicato Iola”.

“Indian Summer” è, dunque, una meditazione sulla vita fatta sullo sfondo di una accurata selezione di standard e di composizioni originali: Brubeck appare ovunque concentratissimo, ispiratissimo, a tratti malinconico, mai però travolto dalla nostalgia per i tempi andati. L’album si apre con You’ll Never Know, un brano che a Brubeck rammenta i giorni in cui, giovane soldato in partenza per la Seconda Guerra Mondiale, dovette lasciare la moglie: “Quando finii di registrare questo pezzo”, racconta Brubeck, “mi avvicinai a Iola, che era in studio con me, e le disse che l’avevo suonato per lei”. Nelle due composizioni originali Autumn In Our Town e So Lonely, invece, il passato si confonde con il presente: “Le ho scritte dopo aver visto alla televisione i nostri soldati in partenza per l’Iraq e l’Afganistan: i loro tristi saluti a mogli e figli hanno fatto riaffiorare in me i sentimenti che provavo quando, nel 1944, stavo oltreoceano per la guerra”. E riguardo alla title track dice: “La prima volta che ho registrato Indian Summer è stato più di cinquant’anni fa. Adesso, in questo momento della mia vita, mi sembra sia più appropriata…una specie di Indian summary”.

Registrato nei rinomati Avatar Studios di New York l’8 e 9 marzo 2007, “Indian Summer” è un disco che non può non rendere partecipe l’ascoltatore, il quale vi ritroverà il miglior Brubeck, un uomo e un artista che continua ad esprimere le proprie emozioni attraverso la musica.

ANTONIO SANCHEZ - “Migration” - (CAM Jazz)

2007-10-22T13:07:00.003+02:00

“Migration” è l’album di debutto nelle vesti di leader di uno dei batteristi più in vista del momento: Antonio Sanchez. A pubblicarlo è la CAM Jazz, etichetta costantemente protesa verso nuovi traguardi e che proprio grazie al musicista di origine messicana può fregiarsi dell’entrata nella propria orbita di due star del jazz contemporaneo quali Chick Corea e Pat Metheny. Il pianista e il chitarrista, nel cui gruppo Antonio Sanchez milita da tempo, sono infatti ospiti di “Migration”, la cui piena riuscita si deve anche al contributo offerto da Scott Colley, uno dei contrabbassisti oggi più apprezzati e richiesti, e da Chris Potter e David Sanchez, tra i migliori sassofonisti attualmente in circolazione.

Ascolto dopo ascolto, “Migration” rivela tutto il suo spessore artistico: è un disco fatto di jazz ad alto tasso energetico ma nel contempo ricco di sfumature espressive, nel quale il fantasioso, dinamicissimo drumming di Antonio Sanchez svolge un ruolo propulsivo determinante, senza tuttavia eccedere in protagonismo; e in questo senso il batterista mostra qualità di autentico leader, capace com’è di condurre i compagni lungo personali, variegate traiettorie sonore e di trarre da loro il meglio. Il cuore dell’album, registrato a New York nel gennaio 2007, è rappresentato dai quattro brani in quartetto (Did You Get It?, Challenge Within, Greddy Silent, firmati dallo stesso Sanchez, più Inner Urge di Joe Henderson), dove i due sassofonisti, entrambi al tenore, dominano la scena alternandosi sotto i riflettori e dando anche luogo a roventi, spettacolari scambi di battute (Potter si ascolta sul canale sinistro, David Sanchez sul destro). In Sand si aggiunge al nucleo di base la chitarra di Pat Metheny, che in questa sua ariosa e lirica composizione, scritta appositamente per l’occasione, si ritaglia un assolo costruito con sapiente senso architettonico. Ballade, altro tema di Sanchez, è quindi riservato a un trio con Potter, che anche al soprano si conferma solista sopraffino. In trio è anche il brano di apertura del CD, One For Antonio, omaggio al batterista scritto da Chick Corea, che nella circostanza regala una delle sue prove più convincenti degli ultimi anni. Il finale è invece affidato a un faccia a faccia tra Sanchez e Metheny sulle celebri note di Solar di Miles Davis: il modo migliore per concludere un disco che dall’inizio alla fine non conosce né cedimenti di gusto, né cali di tensione.

Nato a Mexico City il 1° novembre 1971, Antonio Sanchez ha scoperto la batteria quando aveva appena cinque anni. Dopo aver preso lezioni private, ha cominciato a frequentare ambiti musicali diversi, dal rock al jazz, alla musica latina. Completata la formazione al Conservatorio Nazionale della sua città, dove ha studiato pianoforte classico, al Berklee College of Music e al New England Conservatory di Boston, il batterista ha quindi dato avvio a una carriera professionale che in breve lo ha portato a collaborare con la United Nation Orchestra di Dizzy Gillespie e in seguito con Michael Brecker, Pat Metheny (sia nel Pat Metheny Group che nel trio completato dal bassista Christian McBride), con Charlie Haden, i pianisti Danilo Perez e Marcus Roberts e altri. Prima di registrare “Migration”, Antonio Sanchez ha partecipato alle realizzazione di altri due album della CAM Jazz: “Architect Of The Silent Moment” di Scott Colley e “Viva” del trombettista venezuelano Diego Urgola, insignito nel 2006 di una Grammy Nomination nella categoria riservata ai migliori album di latin jazz.

RASSEGNA STAMPA

“Antonio Sanchez guida sicuro la sua band attraverso un jazz modernissimo, ovviamente carico di forza ritmica ma con eccellenti squarci lirici”.

(Marco Crisostomi - AUDIOREVIEW) DISCO DEL MESE AUDIOREVIEW OTTOBRE 2007

Chick Corea e Pat Metheny “si producono generosamente nei tre brani in cui sono presenti, ma è soprattutto il quartetto base a convincere in questo Migration: gli scambi fra i sax sono spumeggianti, Colley si pone con originalità fra Dave Holland e Miroslav Vitous, mentre il leader scompone il tempo in maniera sempre appassionante”

(Claudio Sessa - CORRIERE DELLA SERA)

MANI PADME TRIO - “Depois (Later)” - (Red Records)

2007-10-22T13:07:00.001+02:00

“Depois (Later)” è il secondo album del Mani Padme Trio, il cui nome è preso a prestito dal mantra più sacro e importante del buddismo tibetano e che al suo debutto discografico, “A Rainy Day (um dia de chuva)” (2004), aveva destato ottima impressione, riscuotendo unanimi consensi di critica e pubblico. A pubblicarlo è ancora una volta l’italiana Red Records, al cui produttore Sergio Veschi va tutto il merito di aver scoperto e valorizzato l’eccellente formazione sudamericana, che nel frattempo ha visto l’entrata del contrabbassista Zeca Assumpção, uno dei più noti musicisti brasiliani, subentrato al collega di strumento Du Moreira. Le redini del trio rimangono ben salde nelle mani del pianista di origine cubana Yaniel Matos, responsabile di tutto il materiale compositivo. E al suo posto c’è sempre anche il batterista Ricardo Mosca. In “Depois (Later)” c’è, poi, un ospite di riguardo: il sassofonista e flautista Teco Cardoso, altro musicista brasiliano di lunga esperienza (ha suonato con Hermeto Pascoal, Edu Lobo, Joyce, Pau Brasil e Dori Caymmi, oltre che con jazzmen del calibro di Jim Hall e Toots Thielemans) e il cui contributo non altera minimamente i preziosi equilibri del Mani Padme Trio.

“Depois (Later)” non solo conferma la statura del Mani Padme Trio, ma rappresenta la naturale evoluzione di un discorso musicale che coniuga jazz e latinità in modo originalissimo. I brani del nuovo album, come osserva Marco Giorgi nelle note di copertina, “non sono solamente delle belle composizioni, ma fanno parte di un unico disegno globale, di un progetto artistico lucido e ben centrato”. Aggiunge Giorgi: “la musica del Mani Padme Trio si sviluppa senza interruzioni, senza accelerazioni, senza strappi, seguendo un percorso logico e naturale, tanto naturale da sembrare addirittura inevitabile”. Registrato in un studio di San Paolo nel marzo 2006, “Depois (Later)” cattura l’ascolto grazie all’intensità, al senso di poesia, alla fragranza espressiva che lo pervadono.

Yaniel Matos è da anni membro stabile della band di uno dei più geniali musicisti brasiliani, Carlinhos Brown. Quando viveva a Cuba ha collaborato con famosi esponenti della salsa come Isaac Delgado, Paulo F. G., Angel Bonne, Orlando Valles Maraca. Col jazz ha preso confidenza studiando con Chucho Valdéz, Wynton Marsalis e Antonio Hart.

Zeca Assumpção ha collaborato per vent’anni con il polistrumentista Egberto Gismonti, dopo aver maturato un’importante esperienza accanto ad Hermeto Pascoal. Strumentista ricercatissimo, ha suonato praticamente con tutte le star della canzone brasiliana, da Chiquo Barque a Elis Regina, da Caetano Veloso a Gal Costa.

Ricardo Mosca ha studiato al Musicians Institute di Los Angeles e al Collective di New York. In Brasile è diventato in breve uno dei batteristi più apprezzati, lavorando con l’Orquestra Municipal de Campinas e l’Octeto de Musica Brasileira, con Hermeto Pascoal, il pianista Wagner Tiso e molti altri. Ricardo Mosca è anche conosciuto e stimato per la sua attività di produttore e di ingegnere del suono: suo è il missaggio dei due dischi del Mani Padme Trio.

RASSEGNA STAMPA

“Il suono del Mani Padme Trio è inconfondibile, unico. Si dice che oggi, nel jazz, il successo si ottiene quando si ha da offrire al pubblico qualcosa di personale. Questa band l’ha fatto anche lavorando con passione e amore per la musica”.

(Marco Cisosostomi - AUDIOREVIEW) Voto 8

“La musica dei Mani Padme è sussurro e fruscio, allusione e racconto spiegato, mai banale”.

(Guido Festinese - ALIAS/IL MANIFESTO)

Tiziano Tononi & The Ornettians - Peace Warriors (Forgotten Children) - (Black Saint)

2007-08-23T12:49:00.000+02:00

Una dichiarazione d’amore”: così Pino Saulo, responsabile della programmazione jazzistica di RAI Radio Tre Suite, definiva “Peace Warriors”, primo album di Tiziano Tononi e dei suoi Ornettians dedicato alla musica di uno dei più grandi innovatori del Novecento, Ornette Coleman. E come aveva promesso, il batterista milanese, musicista da sempre in prima fila nel tenere alta, dalla prospettiva europea, la bandiera della grande musica nera, è tornato ad occuparsi del sassofonista e compositore texano ribadendo la propria dichiarazione d’amore, se possibile con ancora maggiore intensità. Il nuovo album, un doppio CD, pubblicato dal prestigioso marchio Black Saint, si intitola “Peace Warrios (Forgotten Children)” e affronta l’opera colemaniana da un’angolazione particolare: elettrica.

Registrato il 20 e 21 giugno del 2006, praticamente a quasi due anni esatti di distanza dal primo volume, “Peace Warrios (Forgotten Children)” vede nuovamente in campo accanto a Tononi i sassofonisti Daniele Cavallanti (al tenore, al baritono e al flauto ney), che con il batterista condivide da oltre vent’anni la fondamentale esperienza dei Nexus, e Achille Succi (al contralto e ai clarinetti) e il violinista Emanuele Parrini. Nuovi elementi degli Ornettians sono il trombettista Luca Calabrese e i chitarristi Simone Massaron e Roberto Cecchetto, inseriti in organico al posto dei due contrabbassisti Giovanni Maier e Piero Leveratto. In alcuni brani del CD interviene Tiziana Ghiglioni che, va ricordato, esordì nel 1981 con un disco che recava nell’intestazione una delle più famose composizioni di Coleman, Lonely Woman.

Come nel primo capitolo, vasto è l’arco temporale al quale Tononi ha fatto riferimento: nel CD compaiono, infatti, brani concepiti da Ornette Coleman in varie fasi del suo audace, coraggioso percorso artistico iniziato sul finire degli anni Cinquanta. Ci sono classici come Congeniality, la stessa Lonely Woman, Joy Of A Toy, Beauty Is A Rare Thing e Focus On Sanity; pagine forse meno note ma altrettanto importanti come Space Jungle (da “Crisis”), Forgotten Children e Macho Woman. Di suo pugno Tononi ha aggiunto tre composizioni: Imagine/Sounds, Walkin’ East (Buddha Groove) e Un4gotten Strings, che chiude il doppio album.

Nell’economia sonora di “Peace Warrios (Forgotten Children)” giocano ovviamente un ruolo rilevante le due chitarre di Massaron e Cecchetto: la loro presenza non solo giustifica la dimensione elettrica, ma fornisce una chiave di (ri)lettura inedita di molti brani di Coleman, sottolineata dalla conseguente assenza del contrabbasso. Quella creata da Tononi e dai suoi compagni di avventura è, in ogni caso, musica nuova, originale. Come scrive Pino Saulo per l’occasione: “Non si tratta di arrangiamenti più o meno ben fatti, partiture ricche di virtuosismi del pentagramma ben suonate da ottimi musicisti. Non è questo il punto. La grandezza di questa musica, per chi vuole e sa coglierla, è che non è possibile fotocopiarla, pena l’autosvalutazione umana: bisogna viverla”. E Tononi e gli altri l’hanno vissuta e la vivono fino in fondo, al punto da potersi permettere di reinvetarla.

RASSEGNA STAMPA

"La gemma del jazz italiano del 2007, da ascoltare e riascoltare".

(Enrico Bettinello - BLOW UP) Voto 8

OREGON - “1000 Kilometers” - (CAM Jazz )

2007-06-18T11:24:00.001+02:00

“Sono oltre 35 anni che gli Oregon incarnano un personalissimo modo fare musica che è il naturale punto di incontro fra suoni diversi e altrettante culture. Quella del quartetto statunitense è da sempre vera musica senza confini, avventurosa fusione fra jazz, atmosfere cameristiche, profumi folklorici provenienti da varie latitudini e longitudini. Ma quella degli Oregon è anche una musica in cui scrittura e improvvisazione trovano il giusto punto di equilibro, nel solco di quel profondo respiro melodico che nel corso del tempo è rimasto uno dei principali tratti distintivi del gruppo.

“1000 Kilometers” è il secondo album degli Oregon per la CAM Jazz, dopo “Prime”, pubblicato dall’etichetta italiana nel 2005 e salutato dalla critica internazionale come l’atteso rilancio discografico della gloriosa formazione. Tutte le tracce del nuovo CD sono inedite e recano perlopiù il sigillo autoriale del chitarrista Ralph Towner, che nell’occasione suona anche la synth guitar, pianoforte e tastiere. Ma c’è anche spazio per gli altri due membri storici degli Oregon, il fiatista Paul McCandless e il contrabbassista Glen Moore, e per il batterista/percussionista Mark Walker, nonché per due improvvisazioni collettive. Walker, entrato a far parte del gruppo in pianta stabile nel 1996, firma il brano che apre il CD, Deep Six, il cui ingegnoso disegno melodico poggia su incalzanti trame ritmiche. Seguono, From A Dream, gustoso siparietto classicheggiante, e Catching Up, altro episodio che racchiude il più autentico spirito di Ralph Towner e compagni. La lunga, evocativa title track è dedicata, come tutto l’album, a Thomas Stöwsand, che per più di trent’anni è stato il manager degli Oregon, oltre che grande amico loro e di tanti altri musicisti. Ma i momenti significativi di “1000 Kilometers” non si esauriscono certo qui, a testimonianza di una ritrovata vena creativa che ha riportato il gruppo ad esprimersi a livelli qualitativi elevati, peraltro già manifestati con il precedente “Prime”.

Per ricostruire il percorso storico degli Oregon bisogna riandare con la memoria fino agli anni Sessanta, al periodo in cui Ralph Towner e Glen Moore frequentavano l’Università dell’Oregon e diedero avvio al proprio sodalizio. Dopo aver soggiornato entrambi in Europa, approfondendo i rispettivi studi musicali, i due si unirono al cantautore Tim Hardin, con il quale si esibirono al festival di Woodstock. I successivi incontri con il polistrumentista Collin Walcott, prima, e con Paul McCandless, poco dopo, avrebbero poi portato alla costituzione degli Oregon, non prima della comune appartenenza al Paul Winter Consort. L’esordio ufficiale del nuovo quartetto avverrà nel 1971, sotto la sigla di Thyme-Music of Another Present Era, presto mutata su suggerimento del fiatista. Vanguard ed Elektra sono state le prime etichette a documentare le innovative intuizioni sonore del quartetto, che nei primi anni Ottanta inizierà ad incidere per la ECM. Nel 1984, l’improvvisa scomparsa di Collin Walcott, a causa di un incidente automobilistico, segnerà profondamente l’esistenza degli Oregon, che proseguiranno il loro cammino artistico assieme al percussionista indiano Trilok Gurtu. Dopo l’abbandono di quest’ultimo, Towner, Moore e McCandless registreranno due dischi in trio. L’arrivo di Mark Walker rimetterà i numeri a posto e gli Oregon riprenderanno vigore, incidendo alcuni album per la Intuition e quindi entrando nella sempre più folta e agguerrita squadra della CAM Jazz.

RICHARD GALLIANO QUARTET - “L’hymne à l’amour” - CAM Jazz

2007-06-18T11:23:00.002+02:00

“Il formidabile fisarmonicista francese Richard Galliano è entrato nella sempre più grande e prestigiosa famiglia della CAM Jazz: la notizia è di quelle che, non solo nel mondo del jazz, sono destinate a fare rumore, sia per la popolarità del musicista transalpino, sia per i meriti artistici conquistati da tempo sul campo dall’etichetta discografica italiana, che nei suoi soli sette anni di vita si è aggiudicata due nomination ai Grammy Awards. E l’entrata di Galliano nel catalogo della CAM Jazz promette il raggiungimento di nuovi, significativi traguardi.

L’album di Richard Galliano si intitola “L’hymne à l’amour” ed è stato registrato a New York il 26 e 27 agosto 2006, segnando l’avvio di un sodalizio davvero importante: quello con Gary Burton, autentico fuoriclasse del vibrafono e, come lo stesso Galliano, musicista di straordinaria sensibilità poetica. La ritmica è formata da un contrabbassista di lunga esperienza come George Mraz e da Clarence Penn, uno dei migliori batteristi delle ultime generazioni di jazzisti d’oltre Atlantico.

Racconta lo stesso Galliano a proposito della collaborazione con Gary Burton: “L’incontro con lui era, credo, inevitabile, addirittura forse anche scritto: mi è sempre piaciuto il vibrafono e naturalmente Gary Burton. La prima volta che ho sentito parlare dell’associazione fisarmonica-vibrafono è stato tanto tempo fa, quando avevo 12 anni. All’epoca, il mio insegnante mi fece scoprire un disco mitico: “Cocktail Capers” del quintetto di Art Van Damme. Fu uno choc indimenticabile che ha in qualche modo segnato il mio percorso musicale”. Punto di partenza dell’unione con Gary Burton è stato inevitabilmente il comune amore dei due musicisti per l’opera di Astor Piazzolla, con il quale il musicista statunitense ha proficuamente collaborato nel 1984. “È stato nel 2003, a Londra, durante un mio concerto col gruppo Piazzolla Forever, che al manager di Gary è venuta l’idea di metterci in contatto. Poco dopo, io e Gary ci siamo visti a Parigi e abbiamo deciso di realizzare l’album e di intraprendere una tournée insieme”.

In “L’hymne à l’amour” si ascoltano cinque brani del magnifico compositore e bandoneonista argentino: Milonga Is Coming, Triunfal, Soledad, Operation Tango e Romance del Diablo. Oltre alla splendida melodia che dà il titolo al CD, scritta da Edith Piaf assieme a Marguerite Monnot (ex allieva, come Piazzolla, di Nadia Boulanger), ci sono poi Waltz For Debby di Bill Evans, il bellissimo tema de Il Postino di Luis Bacalov e Para Jobim dello stesso Galliano. Completa un quadro così raffinato una pagina di Bach, tratta dalla Sinfonia n.11 in re minore.

Afferma ancora Richard Galliano: “Questo disco evoca, secondo me, un’emozione intensa con un sentimento profondo di Pace e di Amore in “chiaroscuro”, come avviene in un quadro di Rembrandt o in una poesia di Lamartine. Le lame del vibrafono di Gary Burton vibrano con quelle della mia fisarmonica e faranno, lo spero sinceramente, vibrare l’anima degli ascoltatori, grazie a questo hymne à l’amour che si erge, più che mai, contro la violenza, il terrorismo e la guerra”. Parole alle quali non è necessario aggiungerne altre.

GUILDHALL BIG BAND ( Special Guest John Taylor ) - “Pure And Simple” - Cam Jazz

2007-06-18T11:23:00.001+02:00

Dopo aver dato alle stampe i lavori di due tra i più interessanti esponenti delle nuove generazioni di jazzisti italiani, il pianista Giovanni Guidi (“Indian Summer”) e il chitarrista Walter Beltrani (“Piccoli numeri”), la “Cam Jazz Presents”, la collana della CAM Jazz nata con l’intento di dare visibilità a giovani talenti, dà voce a una formazione orchestrale proveniente dalla Gran Bretagna: la Guildhall Big Band. La Guildhall Big Band è, però, molto più di una semplice orchestra: è, infatti, diretta emanazione di una della più prestigiose e longeve istituzioni didattiche inglesi, la Guildhall School of Music & Drama, inesauribile fucina interdisciplinare di talenti fondata a Londra nel 1880.

Con già alle spalle alcune incisioni discografiche, la Guildhall Big Band, entra nel catalogo della CAM Jazz con “Pure And Simple”, album interamente dedicato alla musica di una delle personalità di maggior spicco del British Jazz, nonché uno degli artisti di punta della stessa etichetta discografica italiana: John Taylor. Sotto l’esperta direzione dello statunitense Scott Stroman, dal 1983 membro del corpo docente della storica scuola inglese, la Guildhall Big Band si è appropriata di sei composizioni del pianista, il quale è presente nel CD in qualità di graditissimo ospite. La freschezza e la modernità degli arrangiamenti sono degni del miglior jazz orchestrale contemporaneo e donano a brani noti come la stessa title track o Windfall una dimensione inedita. Oltre che per la solidità del suo collettivo, la Guildhall Big Band cattura l’attenzione grazie agli interventi dei suoi preparatissimi componenti. Tra loro vanno ricordati i sassofonisti Tom Law (tenore), Tom Challenger (tenore), Mike Chillingworth (contralto) e Rob Hutchinson (baritono), i trombettisti Joe Morris e Fulvio Sigurtà, i trombonisti Tom Wooley e Alan Hardiman, lo specialista del clarinetto basso Rob Downing, il chitarrista Johan Johansson. La dinamica sezione ritmica ha nel batterista Andrew Chapman il suo perno e punto di forza. Quanto a John Taylor, egli agisce dietro le quinte con discrezione e al momento opportuno irrompe in scena con la classe e l’eleganza che lo distinguono. Insomma, “Pure And Simple” è tutto meno che un compito in classe o un saggio di fine anno: la sicurezza con cui la Guildhall Big Band agisce all’interno di complesse strutture compositive è il frutto di un meticoloso lavoro didattico che unisce preparazione tecnica e valorizzazione della creatività individuale.

Scott Stroman è attivo nel campo del jazz, della musica classica e della world music. Trombonista, direttore di orchestre e cori, svolge da tempo anche un’intensa attività didattica. Come strumentista ha collaborato con Billy Cobham, David Liebman, Dizzy Gillespie, Randy Brecker, Kenny Wheeler e altri. Come direttore ha invece lavorato con la London Jazz Orchestra e con l’orchestra Opus 20, specializzata nel repertorio classico-contemporaneo. Da quando è responsabile dei corsi di jazz della Guildhall School of Music & Drama, Scott Stroman ha invitato a condividere la loro esperienza con i suoi allievi numerosi musicisti di fama, fra i quali Billy Cobham, Django Bates, John Taylor, Branford Marsalis, Mike Westbrook, Kenny Wheeler, John Patitucci e Peter Erskine.

PIERANUNZI - JOHNSON - BARON - “Live In Japan” - (CAM Jazz)

2007-04-16T10:24:00.005+02:00

“Il trio del mio cuore” ama definirlo Enrico Pieranunzi. Ma quello con il contrabbassista Marc Johnson e il batterista Joey Baron è innanzitutto uno dei migliori trii in assoluto che oggi si possano ascoltare a livello mondiale. La riprova - se ce ne fosse ancora bisogno – viene da “Live In Japan”, doppio CD inizialmente destinato solo al mercato nipponico e ora pubblicato dalla CAM Jazz, l’ottavo del formidabile terzetto, il quinto dato alle stampe dall’etichetta romana, alla quale il pianista è ora legato da un contratto esclusivo triennale.

“Live In Japan” è stato registrato durante una serie di concerti tenuti a Tokyo e a Yokohama tra il 18 e il 25 marzo 2004: l’ottima qualità della ripresa live esalta ogni dettaglio del fantasioso dialogo fra i tre musicisti, sorretto da quel costante interplay di cui il musicista italiano e i due partner americani sono maestri. Era la “prima volta” di Pieranunzi nella terra del Sol Levante e questo deve averlo particolarmente motivato, trovando il Giappone “un luogo stimolante e liberatorio”, come osserva acutamente nelle liner notes Thomas Conrad, collaboratore di Stereophile e Jazz Times. Scrive ancora Conrad: “Se da un lato contiene una musica libera e aggressiva come mai avevamo ascoltato da Pieranunzi, dall’altro Live In Japan ci offre il suo lirismo caratteristico, raffinato, luminoso. If Only For A Time e When I Think Of You incatenano alla sedia (gli assoli di Marc Johnson sono momenti di estasi). Come dimostrano questi pezzi, comporre melodie per Pieranunzi è così ineluttabile che l’assenza di standard in quest’album non rappresenta un problema”. Il disco conferma, inoltre, l’amore di Pieranunzi, e ormai anche dei due statunitensi, per la musica di Ennio Morricone: quattro i brani firmati dal grande compositore presenti lungo i due CD, Musashi e Nuovo Cinema Paradiso, arrangiati appositamente per il tour in Giappone, Mio Caro Dottor Gräsler e Ninfa Plebea, precedentemente incisi dal trio in “Play Morricone 1 e 2”. Largo spazio è poi dato alla pura improvvisazione. Osserva in proposito Conrad: “Sotto l’aspetto sia umano che artistico, Pieranunzi è così: coscienzioso, intelligente, elegante per natura. Perciò, quando si lascia andare, come in Impronippo, l’effetto è elettrizzante. Non ha mai registrato niente di simile a questa improvvisazione a tre, del tutto spontanea, quindici minuti di istintivo espressionismo astratto. E ci sono altri due brani, Improleaves e Improminor che risultano quasi altrettanto audaci”. Insomma, con Pieranunzi, Johnson e Baron la collaudatissima formula del piano jazz trio viene rimodellata e rinnovata di continuo. E “Live In Japan” ne è uno degli attestati più illuminanti.

Oltre che con i dischi incisi con Marc Johnson e Joey Baron (i due volumi dedicati a Morricone, “Current Conditions”, “Ballads”, vincitore del Premio della Critica del mensile Musica e Dischi, e adesso ”Live In Japan”) Pieranunzi è presente nel catalogo della CAM Jazz con altri pregevoli titoli: “Jazz Roads”, che raccoglie incisioni del 1980, “Doorways”, in duo con Paul Motian più il sassofonista Chris Potter in alcuni brani, “Special Encounter”, in trio con Charlie Haden e lo stesso Motian, “Fellini Jazz”, con Kenny Wheeler, Potter, Haden e Motian, e “Duologues”, registrato dal pianista in coppia con la chitarra senza tempo di Jim Hall.

RASSEGNA STAMPA

“Uno dei trii più brillanti del panorama internazionale”.

(Antonio Iammarino - MUSICA JAZZ) BOLLINO “CONSIGLIATO DA MUSICA JAZZ”

“Il lavoro scorre piacevolmente in un crescendo interpretativo che coinvolge in egual misura i tre musicisti, ispirati come nelle migliori occasioni […] Ottima l’incisione, come lecito attendersi dai mezzi tecnici giapponesi”.

(Sergio Spada - SUONO) Voto 8,5 per la qualità musicale, 9 per la tecnica di registrazione

HOLLY COLE - “Holly Cole” - (Alert Music)

2007-04-16T10:24:00.003+02:00

Holly Cole, una delle più belle voci femminili odierne a cavallo fra jazz e il pop più sofisticato, firma il suo undicesimo album, intitolato semplicemente con il nome della stessa artista canadese. “Holly Cole” è un disco dal sapore e dai significati particolari, per realizzare il quale la brava cantante ha coinvolto nelle vesti di produttore una delle personalità artistiche più originali del panorama jazzistico, ma non solo, contemporaneo, il contrabbassista Greg Cohen. Ben noto per le sue variegate collaborazioni, in qualità di strumentista, produttore o arrangiatore, con John Zorn, Ornette Coleman, Bill Frisell, Tom Waits, Elvis Costello, Lou Reed e Bob Dylan, solo per fare qualche nome, Greg Cohen aveva già lavorato con Holly Cole ai tempi dell’album “Blame It On My Youth” (1991), e dopo un incontro con la cantante, avvenuto a Toronto un anno fa, ha accettato di buon grado l’offerta di riannodare il sodalizio. Cohen si è quindi messo al lavoro con un’idea precisa in testa: “Volevo portare Holly in un’area musicale a lei sconosciuta. Il nuovo album doveva rappresentare una sfida”. Facendo ricorso alle proprie vaste conoscenze della scena newyorkese, Cohen ha quindi radunato per le sedute di registrazione alcuni eccellenti musicisti come il chitarrista Matt Munisteri, i sassofonisti Marty Ehrlich e Lenny Pickett e il cornista Vincent Chancey. Per gli arrangiamenti, dopo che Holly Cole ha selezionato il repertorio da interpretare, si è invece rivolto al pianista Gil Goldstein, altro musicista di grande esperienza.

Il pregevole risultato è adesso disponibile per un ascolto che regala più di una bella sorpresa: “Holly Cole” è una raffinatissima raccolta di 11 canzoni che profuma di antico possedendo nel contempo una chiara impronta moderna, in virtù di arrangiamenti tutt’altro che scontati. Ci sono standard di Cole Porter (It’s Alright With Me), di Irving Berlin (Be Careful, It’s My Heart e Reaching For The Moon), un bellissimo tema di Antonio Carlos Jobim (Waters of March) e parecchio altro ancora. E c’è pure spazio per una canzone firmata dalla stessa vocalist, Larger Than Life.

“Quando Holly canta riconsegna ogni canzone filtrata dalla sua incredibile sincerità”, dice Greg Cohen, “Holly è una delle migliori cantanti che abbiamo: ha un’intonazione e un senso delle dinamiche che poche altre cantanti di oggi possiedono”. Parole che dopo l’ascolto di “Holly Cole” non possono non essere condivise.

Nata ad Halifax (Nuova Scozia), Holly Cole si è avvicinata alla musica da piccola, grazie ai genitori, entrambi musicisti. Cresciuta ascoltando musica pop e classici del rock, si è successivamente avvicinata al jazz, rimanendo attratta dalle voci inconfondibili di Sarah Vaughan, Billie Holiday, Anita O’Day e di Betty Carter. L’attività professionale l’ha iniziata nei primi anni Ottanta, esibendosi nel circuito dei club di Toronto, città dove nel frattempo si era trasferita. Attorno alla metà dello stesso decennio prenderà vita l’Holly Cole Trio (con Aaron Davis al pianoforte e David Pitch al contrabbasso), con il quale la cantante inciderà l’album di debutto, “Girl Talk”, pubblicato nel 1990. Da quel momento la carriera di Holly Cole ha conosciuto una crescita progressiva, sia termini di spessore artistico che di meritata popolarità.

STEVE LACY - ROSWELL RUDD QUARTET - “Early And Late” - (Cuneiform)

2007-04-16T10:24:00.001+02:00

Oltre a dare voce a esperienze sonore contemporanee che si collocano fuori dagli schemi e dalle convenzioni, la statunitense Cuneiform si sta distinguendo da qualche tempo per una meritoria opera di scavo negli archivi che sta portando alla luce autentici tesori musicali. L’ultimo della serie è un doppio CD che punta i riflettori sulla formidabile coppia formata da due straordinari maestri dell’arte dell’improvvisazione: il sassofonista soprano Steve Lacy e il trombonista Roswell Rudd. L’album, dal titolo di “Early And Late”, offre all’ascolto più di due ore di registrazioni completamente inedite, la maggior parte delle quali sono state effettuate dal vivo al Mat Bevel Institute di Tucson (4 aprile 1999), alla Bimhuis di Amsterdam (19 giugno 1999) e all’Iridium di New York (9 agosto 2002). Accanto a Lacy e Rudd figurano il contrabbassista francese Jean-Jacques Avenel e il batterista John Betsch. Sei delle nove composizioni recano il sigillo del sopranista (The Rent, The Bath, The Hoot, Blinks, Bookioni, Bone), mentre il trombonista sigla Bamako; le rimanenti due provengono rispettivamente dal songbook di Thelonious Monk (Light Blue) e di Herbie Nichols (Twelve Bars), autori prediletti sia da Lacy che da Rudd.

Ma non è tutto: a rendere assolutamente imperdibile “Early And Late” ci sono quattro tracce (per oltre 20 minuti complessivi) incise in studio a New York, il 9 ottobre del 1962. Si tratta di altri due celebri temi monkiani (Eronel, proposto in due take, e Think Of One) e di una composizione di Cecil Taylor intitolata Tune 2. A fianco dei due leader si ascoltano in questo caso il contrabbassista Bob Cunningham e il batterista Dennis Charles.

Come ricorda Jason Weiss nelle note di copertina del pregevolissimo album della Cuneiform, il sodalizio tra Steve Lacy e Roswell Rudd risale agli anni Cinquanta, quando entrambi frequentavano il circuito dei gruppi Dixieland, e si è cementato nell’arco dei successivi decenni nel solco di una musica aperta, frutto di una sapiente combinazione di tradizione e contemporaneità. Insieme, Lacy e Rudd hanno condiviso cruciali esperienze con Cecil Taylor e Archie Shepp e la militanza nella Jazz Composer’s Orchestra. Fino ad oggi l’unica testimonianza discografica del notevole quartetto guidato dai due musicisti negli anni Sessanta era rappresentata da “School Days”, registrato fortunosamente in un club newyorkese nel marzo del 1963 (con Henry Grimes al contrabbasso e Dennis Charles alla batteria), ma pubblicato solo parecchi anni dopo. In seguito, nonostante il trasferimento di Lacy in Europa, la collaborazione è proseguita ed è stata fissata in vari album, tra i quali spiccano “Trickles” del 1976 (su Black Saint), “Regeneration” del 1982 (su Soul Note), testimonianza del riuscitissimo incontro con gli olandesi Misha Mengelberg e Han Bennink, e “Monk’s Dream” del 1999 (su Verve).

Adesso, con “Early And Late” la discografia di Steve Lacy e di Roswell Rudd si arricchisce di un documento davvero importante: il livello qualitativo della musica inclusa nel doppio CD è talmente elevato da porla ai vertici espressivi di quella che rimane una delle più feconde intese artistiche del jazz di ogni epoca e stile.

ERIC LEGNINI TRIO - “Big Boogaloo” - (Label Bleu / I.R.D.)

2007-04-16T10:23:00.006+02:00

“ “Big Boogaloo” è il secondo album per la Label Bleu del belga Eric Legnini, uno dei più brillanti pianisti europei delle ultime generazioni. Registrato come il precedente “Miss Soul” (2005) nel quartier generale dell’etichetta francese, cioè lo studio Gil Evans di Amiens, esattamente dal 4 all’8 settembre 2006, “Big Boogaloo” conferma le qualità di un musicista conosciuto in Italia, fino a non molto tempo fa, specialmente per le sue collaborazioni con il sassofonista Stefano Di Battista e il trombettista Flavio Boltro. E un pizzico d’Italia è presente anche nel nuovo disco di Legnini, grazie alla partecipazione del contrabbassista Rosario Bonaccorso, che in quattro brani del CD prende il posto di Mathias Allamane, abituale componente del trio del pianista assieme al batterista Franck Agulhon. Ospiti in alcuni episodi dell’album sono poi il trombettista Stéphane Belmondo e il sassofonista Julien Lourau.

“Big Boogaloo” è un album di jazz brioso, ritmicamente effervescente e di immediato impatto comunicativo: la variegata scaletta è costituita da brani originali (alcuni dei quali dai titoli inequivocabili come Funky Dilla, Honky Cookie, Soul Brother e Trastevere, esplicito omaggio alla nostra capitale), alternati a composizioni altrui. Fra queste ultime, oltre alla celeberrima Smoke Gets In Your Eyes (ripresa da Legnini in completa solitudine) ci sono Reflection di Ray Bryant e The Preacher di Les McCann, due pianisti che hanno lasciato un segno profondo nella formazione stilistica di Legnini, assieme a McCoy Tyner e Herbie Hancock. “Big Boogaloo” scorre così via tra reminiscenze soul e accenti funky che rendono l’ascolto piacevolissimo. Ma nella musica di Eric Legnini si coglie anche una profondità espressiva che pone il trentasettenne musicista belga ben al di sopra della media odierna.

Nato da genitori di origini italiane a Huly, vicino Liegi, il 20 febbraio del 1970, Eric Legnini ha alle spalle una carriera di tutto rispetto. Dopo essersi diplomato al conservatorio, ha cominciato a suonare nella metà degli anni Ottanta assieme al batterista Stéphane Galland, suo compagno di studi. Nel 1987 è avvenuto l’incontro con uno dei jazzisti belgi più in vista, il sassofonista Jacques Pelzer: più in là, dopo aver vissuto per due anni negli Stati Uniti, studiando con Richie Beirach, il pianista suonerà con altri due illustri connazionali quali l’armonicista Toots Thielemans e il chitarrista Philip Catherine. Nel 1992 Legnini farà quindi la conoscenza di Stefano Di Battista e Flavio Boltro, all’epoca entrambi residenti in Francia: l’intesa è istantanea e anche Legnini prenderà la via di Parigi, dove verrà notato, tra gli altri, dal batterista Aldo Romano. Legnini contribuirà nel 1997 all’esordio discografico di Di Battista, “Volare” (su Label Bleu), rimanendo al fianco del sassofonista romano fino a “Round About Roma” del 2003. E anche il sodalizio con Boltro durerà a lungo e verrà suggellato dai due album registrati dal valoroso trombettista torinese per la Blue Note, “Road Runner” e “40”. Ma numerose altri sono i musicisti con i quali Eric Legnini ha proficuamente collaborato: Enrico Rava, Eric Lelan, Joe Lovano, Mark Turner, André Ceccarelli, Paco Sery.

MANU DIBANGO - “Lion of Africa” - (Global Mix)

2007-04-16T10:23:00.005+02:00

““Il leone d’Africa”. L’appellativo si adatta perfettamente a uno dei musicisti africani più carismatici in assoluto: Manu Dibango. E “Lion of Africa” è il titolo di un CD + DVD che documenta il bellissimo concerto tenuto dal leggendario sassofonista camerunese il 16 ottobre 2004 al Barbican Centre di Londra, occasione da una parte per ricordare degnamente un altro gigante della musica africana, il nigeriano Fela Kuti, dall’altra per festeggiare il settantunesimo compleanno dello stesso Dibango, accompagnato nella circostanza dalla sua poderosa Maraboutik Big Band. Una serata davvero speciale, dunque, resa significativa anche dalla presenza di alcuni ospiti di riguardo: il cantante senegalese Baaba Maal, la vocalist camerunese Coco Mbassi e il sassofonista di origine giamaicana Courtney Pine. Medesima è la scaletta del CD e del DVD: cavalli di battaglia di Manu Dibango come Wambele, Soma Loba (uno dei due brani impreziositi dalla magnifica voce di Baaba Maal), Big Blow (con sugli scudi il rovente sax tenore di Courtney Pine) e l’immancabile Soul Makossa; una versione della gershwiniana Summertime profumata di Africa e Sud America; due pagine jazzistiche come Midnight Sun di Lionel Hampton e l’ellingtoniana Morning Glory. Ed ancora, Cherie dello stesso Baaba Maal, la delicatissima Dube di Coco Mbassi e, quale trascinante finale, Aye Africa. Manu Dibango si ascolta (e si vede) soprattutto al sax soprano e alla marimba; il contralto lo imbraccia solo nella parte conclusiva del concerto. Il DVD comprende alcuni extra: una bella galleria fotografica e soprattutto una lunga intervista, nell’arco della quale Manu Dibango racconta le tappe della sua carriera, ovvero il modo in cui è arrivato ad essere riconosciuto ovunque come “il leone d’Africa”.

Manu Dibango è uno degli ambasciatori nel mondo della moderna musica africana: per le sue felici intuizioni musicali è stato persino definito “il Miles Davis della World Music”. Sassofonista, pianista, cantante, compositore, Manu Dibango è nato il 12 dicembre 1933 a Douala, in Camerun. Fin da ragazzino ha frequentato gli ambienti musicali della sua città e nel 1949 si è trasferito in Francia, per studiare a St. Calais prima, a Reims e Parigi poi: durante questo suo primo soggiorno europeo fa la conoscenza del jazz, ascoltando alla radio Louis Armstrong, Duke Ellington, Lester Young e Charlie Parker. Nel 1960 è tornato in Africa, in Zaire, dove si è unito al gruppo African Jazz, nelle cui file è rimasto cinque anni. Nel 1972, quindi, è arrivato per Manu Dibango il grande momento del successo internazionale, grazie a Soul Makossa, vibrante commistione tra soul, funk e musica camerunese: per la prima volta un artista africano varca le soglie delle classifiche americane. Mosso da una continua ricerca musicale, Dibango allargherà in seguito i propri confini espressivi collaborando con Fela Kuti, con il trombettista Don Cherry, uno dei precursori della world music, con il bassista e produttore Bill Laswell e con Herbie Hancock. Tra i numerosi dischi incisi da Manu Dibango durante la sua lunga carriera, spicca anche Wakafrica (1994), nel quale figurano, tra gli altri brani, la ripresa di Soul Makossa (ospite Youssou N’Dour) e una splendida versione di Biko di Peter Gabriel. Manu Dibango ha scritto un’autobiografia dal titolo “Tre chili di caffè - Vita del padre della World Music”.

DAVID FRIESEN - MAL WALDRON - “Remembering Mal” - (Soul Note)

2007-04-16T10:23:00.003+02:00

“ “Il tempo che io e Mal trascorrevamo insieme, quando suonavamo o quando andavamo con altri a casa di qualcuno, era sempre pieno di grandi risate e lunghe conversazioni. E si finiva immancabilmente con infinite partite a scacchi. Non ho mai conosciuto un musicista così preso dalla musica. La nostra musica si fondava sulla fiducia e sul rispetto reciproci…lo spazio in cui iniziava l’indipendenza era sempre un fattore necessario e positivo per entrambi. Mal era unico come musicista e come persona. Era modesto e quando suonava o componeva dava sempre il 100%”. Così David Friesen ricorda oggi Mal Waldron, uno dei maestri del pianoforte jazz, musicista di raro rigore espressivo.

Non c’è tuttavia modo migliore per ricordare Mal Waldron che attraverso la sua musica. Ed è ciò che ci permette di fare la Soul Note aggiungendo al suo già nutrito catalogo di incisioni del grande pianista una registrazione inedita, effettuata in duo con lo stesso David Friesen. L’album, intitolato non a caso “Remembering Mal”, riporta un concerto tenuto allo Hyatt on Sunset di Los Angeles nel luglio del 1985, cioè alcuni mesi prima che i due musicisti si ritrovassero nello studio Barigozzi di Milano per dar vita a “Dedication”, disco pubblicato nel 1988 dalla stessa Soul Note.

“Remembering Mal” attesta la bontà del sodalizio tra Mal Waldron e David Friesen: il loro dialogo raggiunge punte di tale intensità che neppure i rumori di fondo presenti nella registrazione al club californiano riescono a scalfire. Waldron appare concentratissimo sul suo strumento, capace di tirare fuori dalla tastiera note pregne di quella magnetica espressività che gli era propria. E nella sua personale esplorazione il pianista risulta magnificamente assecondato da Friesen, contrabbassista di vasta esperienza e quindi in grado di confrontarsi ad armi pari anche con una personalità così forte come quella di Mal Waldron. La scaletta del CD privilegia gli standard, If I Were A Bell e Someday My Prince Will Come su tutti, comprendendo anche due classici monkiani come ‘Round About Midnight e I Mean You, oltre a Fire Waltz dello stesso Waldron.

Discografia di Mal Waldron su Soul Note: “Remembering Mal” (1985, duo con David Friesen); “Dedication” (1985, duo con David Friesen); “Sometimes I’m Blue” (1985, Kim Parker & Mal Waldron Trio); “The Git Go – Live At The Village Vanguard” (1986, Mal Waldron Quintet); “The Seagulls of Kristiansund” (1986, Mal Waldron Quintet); “Update” (1986, Mal Waldron solo); “Sempre Amore” (1986, duo con Steve Lacy); “Remembering The Moment” (1987, con Jim Pepper, Julian Priester, David Friesen, Eddie Moore); “Our Colline’s A Tresure” (1987, Mal Waldron Trio); “Up And Down” (1989, con Chico Freeman e Tiziana Ghiglioni); “I’ll Be Around” (1989, con Tiziana Ghiglioni e Enrico Rava); “Where Are You?” (1989, Mal Waldron Quintet); “Crowd Scene” (1989, Mal Waldron Quintet); “Communiqué” (1994, duo con Steve Lacy); “Riding & Zephir” (2000; duo con Judi Silvano).
* l’anno indicato è quello di registrazione

ROBERTO GATTO - “Traps” - (Cam Jazz)

2007-04-16T10:23:00.001+02:00

“Roberto Gatto", uno dei più versatili e affermati batteristi di casa nostra, firma il suo 12° album in qualità di leader, il terzo per la CAM Jazz, dopo “Rugantino” (2000), rilettura delle musiche scritte da Armando Trovaioli per l’omonima commedia musicale, e “Deep” (2003). Il nuovo disco si intitola “Traps” e riflette al meglio il composito universo musicale all’interno del quale l’artista romano agisce in gran scioltezza, in un gioco di intriganti rimandi stilistici e temporali. Dice in proposito lo stesso Roberto Gatto: “Dopo il CD dedicato al Miles Davis degli anni Sessanta, incluso lo scorso anno nella collana dell’Espresso, sono tornato con questo nuovo lavoro alla mia musica. In “Traps” ci sono espliciti riferimenti alla storia del jazz, per esempio Monkish e A Night In Salzau, che si rifà al clima musicale degli anni Cinquanta. Nella composizione che dà il titolo al disco mi sono spinto addirittura fino agli anni Trenta. Ma nell’album ci sono anche brani, come North oppure The Hands, che secondo me si potrebbero usare benissimo come musica da film. E poi ci sono atmosfere che possono fare venire in mente il jazz del Nord Europa, tra le scene più vitali del Vecchio Continente, che a detta di molti è diventato il centro del jazz mondiale. In ogni caso, considero “Traps” un disco italiano, nel quale io e i musicisti che l’hanno inciso con me abbiamo fatto ricorso alla nostra natura più melodica”. Unica delle 10 tracce del CD non firmata dal batterista è un brano di Kurt Weill, un estratto da Dersilbersee: “La ragione per cui ho inserito questo pezzo è semplice: nutro un grande amore per la musica classica, che ascolto moltissimo, oggi forse ancora più del jazz. E Kurt Weill è uno degli autori che amo in maniera particolare: ha scritto tanto, ma ci sono ancora sue opere poco note al grande pubblico. E Dersilbersee è una di queste”.

“Traps” è stato registrato il 10 e 11 settembre 2006 all’Auditorium della Casa del Jazz di Roma e vede accanto all’autorevole leader alcuni dei più interessanti talenti delle ultime generazioni di jazzisti italiani: il sassofonista Daniele Tittarelli, che nell’occasione all’abituale contralto alterna episodicamente il soprano, il pianista Luca Mannutza e il contrabbassista Luca Bulgarelli. Ci sono poi due ospiti: i chitarristi Umberto Fiorentino e Marco Bonini, presenti in un brano a testa. “Insieme a Tittarelli, Mannutza e Bulgarelli suono da un anno: sono tutti musicisti assai preparati, conoscono bene la tradizione del jazz, ma nel contempo sono aperti ad altre musiche, al pop, al rock, all’avanguardia”, afferma ancora Gatto, “Nel concepire tutti i miei dischi ho sempre avuto in mente i musicisti che poi li avrebbero registrati. E nel caso di “Traps” ho prestato molta attenzione al suono del sax alto, che secondo me, rispetto al sax tenore, porta la musica in una direzione meno convenzionale. Trovo che il sax alto sia uno strumento molto moderno, che si può suonare in modi diversi”.

Roberto Gatto è nato a Roma il 6 ottobre 1958. Il suo debutto professionale risale alla metà degli anni Settanta, con il Trio di Roma, completato dal pianista Danilo Rea e dal contrabbassista Enzo Pietropaoli. Da qui in poi la sua carriera si è sviluppata rapidamente, grazie a una tecnica strumentale di primissimo ordine e a una non comune flessibilità espressiva. Ha collaborato con illustri jazzmen d’oltre oceano quali Johnny Griffin, Steve Lacy, George Coleman, Mal Waldron, Phil Woods, Michael Brecker, John Scofield, Pat Metheny, solo per fare qualche nome. Ha fatto inoltre parte di altre storiche formazioni italiane, come i Lingomania, e attualmente è componente del quintetto di Enrico Rava. Significativa è anche la sua attività come sideman: in questa veste ha lavorato con Mina, Lucio Dalla, Pino Daniele, Gino Paoli, Ivano Fossati, Teresa De Sio, Renzo Arbore, Ennio Morricone, Armando Trovaioli e altri.

RASSEGNA STAMPA

Roberto Gatto: Traps (CAM Jazz)“Questo nuovo disco di Gatto ha molti motivi di interesse […] Gatto si conferma autore di talento oltre che leader abilissimo nella scelta dei musicisti” (Giuseppe Piacentino – Musica Jazz) BOLLINO “CONSIGLIATO DA MUSICA JAZZ”

OMAR SOSA - Promise - (Otà & Skip Records)

2007-04-16T10:22:00.000+02:00

“Al diciassettesimo album come leader o co-leader, Omar Sosa si conferma artista particolarmente prolifico, ma sempre sorprendente, continuando il suo personale, affascinante viaggio fra suoni antichi e moderni, in un ideale abbraccio fra culture diverse che hanno in comune la radice africana. Anche il nuovo CD, “Promise” , è stato registrato come il precedente “Live à FIP” in uno studio radiofonico, alla presenza del pubblico: questa volta Omar Sosa ha voluto documentare due concerti tenuti l’11 e il 12 maggio 2006 nello studio della NDR (Norddeutscher Rundfunk) di Amburgo. Nell’occasione il leader era alla guida del suo Afreecanos Quartet comprendente il bassista originario del Mozambico Childo Tomas (già presente in “Live à FIP”), il batterista cubano Julio Barreto e il percussionista e cantante senegalese Mola Sylla. Ospiti del gruppo, il nostro Paolo Fresu e il flaustista cubano Leandro Saint-Hill.

“Promise” è da annoverare fra i dischi più intensi pubblicati fino ad oggi da Omar Sosa, in virtù di un mirabile equilibrio fra una sofisticata ricerca sonora (impreziosita da un sapiente uso della tecnologia) e una spiccata sensibilità espressiva, fra spiritualità e comunicativa. In questo contesto spiccano i contributi di Mola Sylla, i cui interventi vocali e percussionistici rimandano ad antichi rituali, e di Paolo Fresu, lirico più che mai e perfettamente in sintonia con lo sfaccettato universo musicale del pianista cubano. Da incorniciare è proprio il dialogo ravvicinato fra il trombettista sardo e lo stesso Omar Sosa, protagonisti di uno degli episodi più belli e toccanti del CD, A Moment.

E mentre è annunciata per il prossimo ottobre l’uscita di un nuovo album in studio, che si intitolerà “Afreecanos” e del quale “Promise” rappresenta una sorta di anticipazione, Omar Sosa ha in vista altri significativi progetti, primo fra tutti quello che il 28 luglio, a Calagonone, in Sardegna, lo vedrà impegnato assieme al suo quintetto, ai Tenores di Oriferi e al chitarrista Battista Giordano.

Nato a Camagüey il 10 aprile del 1965, Omar Sosa ha compiuto approfonditi studi musicali prima nella sua città e poi a L’Avana, iniziando la propria attività artistica nel 1986, con un gruppo denominato Tributo. Nel 1988 ha prodotto l’album “Arteporetica” del cantante Vincente Feliu e nel 1990 ha costituito assieme alla vocalist Xiomara Laugart il gruppo XL Talla Extra, ospite nel 1992 dell’esposizione mondiale di Siviglia. In seguito Omar Sosa ha vissuto in Ecuador, dove ha formato il gruppo di ispirazione jazz-fusion Entrenoz; insieme a musicisti ecuadoriani e africani ha dato vita anche a Koral Y Esmeralda. Nel 1995 si è trasferito a San Francisco, dove ha dato avvio alla carriera solistica. Carriera ormai costellata da numerosi prestigiosi riconoscimenti, tra cui le Grammy Nomination per gli album “Sentir”, che nel 2002 è stato votato miglior disco di latin jazz dalla Jazz Journalists Association, e “Mulatos” (2004).

GIOVANNI GUIDI QUARTET - “Indian Summer” - (Cam Jazz)

2007-03-15T12:27:00.000+01:00

“Ogni tanto il jazz ci regala una splendida sorpresa: Giovanni Guidi è la sorpresa di quest'anno. Non per me, però, poiché lo conosco da quand'era bambino e ho visto crescere in lui giorno per giorno questa passione prepotente e irresistibile. L'ho visto passare le giornate al pianoforte, ho potuto seguire quasi quotidianamente la sua crescita musicale e ho potuto constatare l'affinarsi inarrestabile del suo gusto e la sua curiosità senza limiti. Oggi Giovanni Guidi, malgrado sia ancora giovanissimo, è sicuramente uno dei pianisti più interessanti e originali della scena italiana, e io che lo conosco bene, ed ho il piacere di suonare con lui con una certa frequenza, posso affermare con certezza assoluta che non è che l'inizio di una storia che prevedo straordinaria”.
Enrico Rava

Bastano queste parole, pronunciate dal più internazionale dei jazzisti italiani, uno che tra le tante doti naturali possiede anche quella di scopritore di talenti (uno su tutti: Stefano Bollani), per presentare adeguatamente Giovanni Guidi, pianista ventenne che lo stesso Enrico Rava ha coinvolto nel suo gruppo New Generation. Per saperne di più non resta che ascoltare “Indian Summer”, album firmato da Giovanni Guidi per la “Cam Jazz Presents”, la nuova collana che la Cam Jazz ha varato dedicandola appunto a produzioni di artisti emergenti italiani e stranieri. Il giovane musicista umbro lo ha registrato alla guida del proprio quartetto comprendente altri interessanti musicisti della sua stessa generazione: il sassofonista statunitense Dan Kinzelman, il contrabbassista Francesco Ponticelli e il batterista portoghese João Lobo, tutti ben sintonizzati sulla medesima lunghezza d’onda del leader. Dopo un primo album (“Tomorrow Never Knows”), inciso in trio per la giapponese Venus e nel quale si è principalmente cimentato con brani altrui, Guidi si è concentrato in occasione di “Indian Summer” su materiale compositivo originale, ripescando dal repertorio jazzistico solamente Round Trip di Ornette Coleman e lo standard My Funny Valentine, opportunamente trasfigurato, anche nel titolo. Come scrive Federico Scoppio nelle note di copertina, “Indian Summer” è un disco fatto di una musica “carica di tensione esistenziale, ritualità, emozione, gran passione”. I quattro musicisti agiscono infatti come un vero e proprio organismo collettivo lungo sentieri musicali ricchi di invenzioni, deviazioni di percorso, sorprese.

Nato a Foligno nel 1985, Giovanni Guidi si è inizialmente accostato alla batteria, per poi avvicinarsi al pianoforte e quindi, sotto la guida di Ramberto Ciammarughi, al jazz. Dopo aver studiato con, fra gli altri, Danilo Rea e Rita Marcotulli, ha partecipato ai seminari di Umbria Jazz e di Siena Jazz. Del luglio 2004 è l’avvio del sodalizio con Enrico Rava, con il quale ha inciso un CD registrato dal vivo alla Casa del Jazz di Roma e pubblicato nella collana de L’Espresso. In questi primi anni di attività, Giovanni Guidi si è anche segnalato come componente di altri gruppi e attualmente suona anche nei quartetti di Mauro Negri e di Lello Pareti.
Dan Kinzelman è nato nel Michigan, nel 1982. Ha vinto tre Down Beat Student Music Awards e ha iniziato l’attività musicale a 16 anni, trovando occasione di suonare con jazzmen del calibro di Dave Liebman e Joe Lovano. Dopo il trasferimento in Italia, ha collaborato con Gianluca Petrella, Stefano Battaglia e altri.
Altro discepolo di Enrico Rava, Francesco Ponticelli è nato ad Arezzo nel 1983. Ha frequentato i seminari di Siena Jazz e oggi suona in varie formazioni, fra cui i gruppi di Pietro Tonolo e Andrea Pozza.
Nato a Lisbona nel 1981, João Lobo ha cominciato a suonare all’età di 12 anni. Ha iniziato gli studi musicali all’Hot Clube de Portugal Jazz School e successivamente si è diplomato al Royal Conservatorium dell’Aia. In qualità di componente dell’As Guest Quartet si è imposto nel Pim Jacobs Prize e nella Dutch Jazz Competition, promossa nell’ambito del North Sea Jazz Festival.

RASSEGNA STAMPA

“Un nome, quello di Guidi, su cui puntare ad occhi chiusi per il futuro del nostro jazz. Registrazione impeccabile” Voto 8 (Marco Crisostomi – AUDIOREVIEW)

“Opera seconda di sorprendente maturità” (Vincenzo Roggero – ALL ABOUT JAZZ)

Tony DeSare - “Last First Kiss” - (Telarc)

2007-03-15T12:19:00.000+01:00

Uno dei fenomeni musicali più eclatanti degli ultimi tempi è sicuramente la rinascita del jazz vocale in chiave maschile: in questo movimento si è inserito con autorità, dal momento dal suo arrivo nel 2005 in casa Telarc, Tony DeSare. Dopo il fortunato debutto di due anni fa (“Want You”), è adesso venuto il momento delle conferme: “Last First Kiss”, album che esalta tutte le qualità espressive e comunicative di Tony DeSare. “La mia maggiore fonte di ispirazione sono i grandi songwriter”, afferma il cantante pianista e compositore, che all’amore per i maestri della canzone americana abbina una raffinata sensibilità pop. “Volevo che il nuovo album fosse sensuale e al tempo stesso brioso, con molti tratti bluesy”, aggiunge. E di sicuro ci è riuscito: “Last First Kiss” assicura un ascolto godibilissimo fra brani originali (come la soffice, avvolgente ballad Let’s Stay In oppure la stessa title track, altro momento particolarmente suggestivo del CD) e firmati da altri compositori (fra i quali Kiss di Pince, proposta in una versione deliziosamente swingante, You’d Be So Nice To Come Home To di Cole Porter, I Feel The Earth Move di Carole King, How Deep Is The Ocean? di Irving Berlin e They Can’t Take That Away From Me di George Gershwin).

Alla piena riuscita di “Last First Kiss” hanno contribuito il valoroso chitarrista Bucky Pizzarelli e altri ottimi strumentisti quali il pianista e organista Tedd Firth e il sassofonista Bob Malach, i cui interventi risultano sempre incisivi. Da parte sua, DeSare offre prove convincenti lungo tutte le 13 tracce dell’album: il suo modo di cantare è colloquiale, romantico e, appunto, sensuale, nel segno di quella tradizione che ha il massimo esponente in Frank “The Voice” Sinatra. E come pianista sa essere armonizzatore prezioso e solista garbato. Insomma, come avvenuto nel precedente “Want You”, in “Last First Kiss” ci si trova di fronte a un vero e proprio entertainer, nel senso più nobile della definizione.

Originario di Glens Falls, New York, Tony DeSare è cresciuto in una famiglia dove la musica stava di casa: il suo esordio professionale risale a quando aveva 17 anni. In breve tempo il Tony DeSare Trio, mentre il leader studiava ancora al College di Ithaca, è diventato una delle principali attrazioni dei club dello Stato di New York. Approdato nel 1999 nella Big Apple, DeSare è stato scritturato per il musical Off-Broadway “Our Sinatra”. Nel 2002 si è poi esibito nel mitico Apollo Theater, sul cui palcoscenico ha avuto l’opportunità di incontrare per la prima volta il chitarrista Bucky Pizzarelli, con il quale ha poi collaborato ripetutamente. In seguito DeSare si è insediato allo Shangai Jazz, il più rinomato jazz club del New Jersey, collezionando un sold-out dietro l’altro. La sua reputazione si è quindi consolidata anche grazie alla partecipazione a show televisivi, fino all’entrata nella scuderia della Telarc, etichetta che sta dando a De Sare la visibilità internazionale che merita.

MARTIAL SOLAL - “Solitude” - (Cam Jazz)

2007-03-15T12:13:00.000+01:00

Dopo il sorprendente duetto di “Rue De Seine” con il trombettista statunitense Dave Douglas, Martial Solal è protagonista di un nuovo album per la CAM Jazz: “Solitude”. Un titolo che è già di per sé emblematico: richiamandosi alla famosa composizione ellingtoniana, ovviamente presente nel CD, il pianista franco-algerino si produce in completa solitudine, cioè una delle dimensioni a lui più congeniali che gli permette di mettere in campo tutto il proprio magistero strumentale ed espressivo. Definito non a caso l’Art Tatum europeo, Solal non è appunto nuovo a imprese del genere, ma ogni volta compie un piccolo miracolo, reinventando completamente ogni materiale al quale si avvicina. Ascoltare filtrata dalle sue prodigiose mani l’ennesima rielaborazione di uno standard è quindi un’esperienza di ascolto sempre appagante, stimolante. Registrato a Parigi nell’aprile del 2005, “Solitude” di standard ne comprende diversi: Darn That Dream (proposto in due versioni, poste alle estremità del CD), On A Clear Day, il gershwiniano Our Love Is Here To Stay. E poi ci sono i due capolavori ellingtoniani Solitude e Caravan. Completano il quadro tre composizioni dello stesso pianista, in realtà altrettante splendide improvvisazioni: Chi va piano, Medium e Bluesine. Illuminante è, in proposito, la descrizione che Yvan Amar ne fa nelle note di copertina del CD: “Nascoste in mezzo a tutti quegli standard, così spesso percorsi in una lunga carriera ed in una lunga memoria del jazz, ecco tre improvvisazioni prettamente solaliane: giochi di trapezio acrobatico, dove si riconosce, ad ogni slancio, la silhouette di Martial, dove lo seguiamo quando la grazia della musica lo guida, come in Medium, per scoprire figure inedite, atmosfere improvvise ed emozioni nuove”.

Nato nel 1927 in Algeria, dove trascorse l’infanzia ed ebbe modo di fare la conoscenza del jazz quando aveva 13 anni, Solal è sempre rimasto profondamente legato al linguaggio moderno di questa musica, ma nello stesso tempo vi ha apportato quella componente prettamente europea ravvisabile anche nel suo essere musicista disponibile ad affrontare imprese diverse. Dal piano solo all’orchestra, passando per i più svariati tipi di formazioni intermedie, anche anomale e talvolta persino in avanti sui tempi (nel 1970, per esempio, non era cosa da tutti ideare un trio per pianoforte e due contrabbassi), Solal non si è mai tirato indietro anche davanti alle sfide più rischiose, uscendone sempre vincitore. In Francia, dove si trasferì nel 1950, è ovviamente considerato una vera e propria istituzione, al punto che da parecchi anni viene organizzato un prestigioso concorso pianistico internazionale che porta il suo nome. E nel 1999 lo stesso pianista è stato insignito in Danimarca del Jazzpar, sorta di premio Nobel del jazz. Nell’arco della sua brillante carriera, Solal ha suonato con illustri jazzmen provenienti da oltre oceano, quali Sidney Bechet, Kenny Clarke, Stan Getz, Lucky Thompson, Art Farmer e Lee Konitz, stabilendo proprio con quest’ultimo un sodalizio protrattosi nel tempo e scandito da numerosi momenti di grande intesa creativa, inclusi i due album del 1968 “European Episode” e “Impressive Rome” pubblicati dalla CAM Jazz. Ma non vanno dimenticate le collaborazioni con i migliori colleghi transalpini, da Stephane Grappelli ad un uomo d’avanguardia come Michel Portal. E grazie al suo poliedrico talento, Solal ha avuto più volte anche occasione di cimentarsi col mondo del cinema, lavorando anche con il capofila della nouvelle vague, Jean-Luc Godard.

RASSEGNA STAMPA

DISCO DEL MESE AUDIOREVIEW MARZO 2007
"Si resta quasi storditi da tanta bellezza, tanta lucidità, tanta bravura. Applausi scroscianti. Registrazione all'altezza. (Marco Crisostomi - Audioreview)

“Ogni brano di questo Solitude dedicato in buona parte a standard notissimi, è una sfida contro l’ovvietà per recuperare il gusto della sorpresa”. (Claudio Sessa – CORRIERE DELLA SERA)

“Un disco dal sapore veramente universale, consigliabilissimo” (Paolo Aita – SUONO) Voto 8,5